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1935年，世界第一部彩《浮华世界》诞生，电影进入色彩时代。在电影中，色彩除了真实再现自然之外，还是表现人类内心情感的主要手段，同时也是导演的观念、思想和情趣的外在表现。中国电影的发展较晚，但是从20世纪80年代开始，中国电影导演在色彩的运用上不断探索，取得了显著的成果。
1984年，陈凯歌的《黄土地》是对电影色彩语言早期尝试的一部影片。黄河、黄土高坡和黄色面孔，黄色基调贯穿整部电影，影片画面简单厚重，同时又注重细节的加工，大量使用静止的长镜头勾画出“大环境小人物”的意境。在这里色彩被用来作为一种文化象征，影片强烈地表现了自我意识和审美理想。《黄土地》在当时大获成功，并获得多个国内外电影摄影奖。在《黄土地》中担任摄影工作的张艺谋随后在自己的作品《红高梁》里也用“红色”对色彩的象征性这一主题进行了探索。相对《黄土地》利用现实景物的大面积色彩达到影片画面的单纯，《红高梁》更加入了有意的色彩处理，红色滤镜造成整个画面的红色，只有明度对比的画面，最大程度的表达了张艺谋在影片用色的精心构思。
在同一时期，香港电影也出现了一批善于运用色彩语言的电影导演，其中徐克最具代表性，徐克在影片中注重提炼色彩主调与电影主题的关系，力求使色彩意义具有象征性，按照剧情发展精心安排影片的色彩结构，来达到既单纯鲜明又丰富多彩的视觉效果。从《倩女幽魂》系列中可以看到，徐克在中国民间习俗、传统色彩上大下功夫，利用声、光、电、技术移植于影片，在这一系列影片的制作过程中，他逐步形成了个人的电影色彩观念。
在他1993年的作品《青蛇》中，更是将这种色彩运用发展到了极致，丰富的色彩层次、极尽绚烂的画面，服装和场景的色彩运用了大红、桃红、松绿、靛青等中国传统色彩，成功的展示出了一个极富传统中国特色的浮华世界，使得影片有工笔重彩一样华丽的风格，和诡异妖娆的神鬼故事情节极为相衬。同时，根据剧情变化精心设计主色调的变化，在单纯的画面色彩中对细节变化极度美化，给观众强烈的色彩刺激和情绪感染。徐克电影中展示的富有中国特色的色彩观念对香港以及大陆的导演都产生了很大的影响。
张艺谋近年的电影作品《英雄》、《十面埋伏》以及《满城尽戴黄金甲》中都有着独到的色彩设计。尤其是影片《英雄》在色彩运用上打破常规，体现出导演对电影色彩的另一种深层思考，成为中国电影色彩运用的标志性作品。影片以黑、白、红、蓝、黄等纯色为主，但每一色调的变化都极其丰富，并用红，蓝，白，黄四段视觉的变化把故事的不同版本分段讲述。影片中按照无名说出的“事实”、秦王推断的“事实”以及真正的事实分为三段，用不同的颜色演绎不同的“事实”场景。白色和黑色是无彩色，在绘画中可以和任何颜色搭配，《英雄》中利用这两种颜色使得影片中的各个原色环节不至于显得过于跳跃，使整个影片结合得浑然一体。同时，在整部的影片的单色环境中，九寨沟水面对决一场戏里自然环境的彩色的使用避免了整部影片色彩过于主观化。
在大量使用纯色表现剧情环节的同时，导演摈弃了常规的色彩心理。红色在色彩心理学里面一般代表活力、激情、热烈等正面感情，而在影片里，无名描述的“事实”中采用了的红色调却是突出了一种猜忌、怀疑和绝望的情感。在书馆深浅不同的红色门帘、女主角的红唇以及在胡杨林中决斗两人的红衣，搭配女主人公妖艳妆容，男主人公阴郁的眼神，无一不传达出嫉妒、扭曲的心理。
《英雄》的色彩艺术处理获得极大成功，冯小刚的《夜宴》也在色彩运用上也有它的鲜明特点。对《夜宴》和《英雄》进行比较，可以看出两位导演运用色彩的手段虽有不同，影片所传达的完美色彩效果却是相同的。《英雄》讲述了一个大是大非的故事，追求画面主色调的大开大合；而冯小刚的电影《夜宴》则是一部中国版的王子复仇记，影片色彩都调入了灰色，在灰暗的环境里黑、白两色以及少量的红、绿、金色显得极为突出。相比《英雄》中红色和黑色、金黄色的强烈对比，《夜宴》镜头中的红色无论是明度、纯度都有意降低，和灰暗的画面极为协调。同样是历史故事，《英雄》的色彩大多是自然光线，显得故事真实可靠。《夜宴》则利用灯光处理，使得颜色立体化，影片画面极富舞台效果。
关键词： 景观色彩；景观规划；秦咸阳宫国家遗址公园
中图分类号：TH181 文献标识码：A 文章编号：1006-4311（2012）06-0053-01
0 引言
景观空间源于生存需求，发展于自身特色。目前各地的城市建设欣欣向荣，对于景观设计的理论与实践都比过去有了很大提高，许多城市在塑造城市独特形象上费尽心思。景观形象能够给人留下深刻印象，视觉是第一要素[1]。色彩是附着于实体之上，体现实体功能、塑造实体形象的一种手段，因此景观设计免不了要考虑色彩的选取与搭配。伴随着经济全球化同步发展的跨文化传播，源于人类共同特征产生的文化同一性和源于千差万别的人类生存环境所产生的的文化差异性，这两种相互交织的力量推动着社会的进步。而地域文化景观更加注重于特定地理范围内的文化差异性造就的景观特质。这就进一步需要将不同地理范围内的文化视觉特征进行提取设计。
1 相关理论研究综述
1.1 色彩学 色彩学的这个部分涉及生理学、感知心理学，并且大量运用心理物理学的方法来研究。色彩会因不同观者、不同条件而有不同的感受，因此引发出色感（冷暖感、胀缩感、距离感、重量感、兴奋感等，由此可将色彩划为积极的与消极的两种倾向）、对色彩的好恶（包括对单色或复色、不同色调的好恶）、色彩的意义（象征性、表情性等）、色听现象（即联觉）等问题。简言之，这部分主要研究在特定条件下色彩与观者的感受、情感的关系，它是以个性心理学的研究为基础的。
1.2 景观色彩体系 景观环境是一种更趋于自然，更多提取自然色彩的存在形式。地理学家把景观作为一个科学名词，定义为一种表景象，或综合自然地理区，或呈一种类型单位的通称。景观设计学是关于景观的分析、规划布局、设计、改造、管理、保护和恢复的科学和艺术。
城市景观色彩与城市色彩的概念是包含与被包含的关系，两者都包含城市的自然、人文及社会景观，但城市景观色彩涉及的范围比城市色彩要广，城市色彩只是强调城市外部空间中的景观，而城市景观色彩则涉及城市的方方面面。由于城市景观概念既可以指整个城市整体风貌，也可以指城市中的具体景物，因此“城市景观色彩”所指代的内容则可从反映整个城市色彩面貌的“城市色彩”概念到反映具体城市景物的色彩，即从抽象到具体，涉及宏观与微观，有一定的层次性[2]。
2 景观色彩设计的原则与目标
色彩属于心理与视觉艺术感受，景观色彩组合也应满足视觉与心理需求为原则。即打造良好的人居环境，满足文化的继承和延续性，色彩分区原则性。虽然视觉与心理感受有着不断变化更新发展的不稳定性，但是它也有相对稳定的方面。视觉需求相对稳定的一面是指人们的色彩观念常受到理性文化传统的影响，即这种观念与当地文化、风俗习惯、密切相关，不易变更。另一方面，在景观色彩的组合时，也应注意到视觉与心理需求不断发展、变化这一特点，以求景观环境色彩的组合顺应时代要求。
进行景观设计的最根本目的就是创造出适合人类生存的人居环境。在城市色彩景观成为人们关注的焦点问题的今天，城市化所带来的文明成果和社会负担同时摆在人们面前，如何在尊重自然环境的前提下，建立一个良好的城市环境成为21世纪人类发展的主要目标，这也是城市色彩景观研究的基本理论原则和目标之所在[3]。
3 景观文化中色彩提取与塑造的手段
3.1 研究区域景观概况 秦咸阳宫国家遗址公园基址位于泾渭新区南部，秦汉大道东侧，兰池大道北侧。北依五陵塬，南滨渭河生态景观带。向南通过横桥可达长安城。东西两侧为渭北商务发展带。是泾渭新区乃至整个西安国际化大都市的发展核心区。
地块内绿化状况良好，大面积的农耕用地视线通透，秦宫墙遗址内有一定数量的绿化种植和林地。散布多个村庄，乡土风味浓厚，但风格特色多样。
3.2 总体形象建构 在规划设计中，协调景观风貌之间的关系，并与规划分区结构相一致，重点突出遗址风貌景观，保留自然风貌景观。景观规划目标：①推进发展，刺激增长，依托秦咸阳宫遗址，打造极富秦风秦韵的特色商区。②多元融合，发展文化产业，打造休闲娱乐地带，营建促进和谐交往的动感空间。③重建滨水生态系统，构件泾渭新区低碳、节能可持续发展的生态人居环境。④保护和展示秦咸阳宫遗址，塑造泾渭新区大秦文化形象，形成大秦文化品牌。
3.3 研究区域景观色彩提取与塑造 秦咸阳宫国家遗址公园概念规划设计的色彩提取方式主要以借鉴和概括为手法，收集大量秦文化遗存的文物典籍等进行归纳，最终选定凸显大秦气势的黑色与深灰色为主色调，饰以深红与暗金色，借以挖掘代表秦风文化的色彩内涵，直观地表达出规划思想有的人文精神。秦代文化中的黑色是大量典籍中出现描述的色彩，此处的黑色不仅受到美学因素的影响，还深深地打上了阴阳五行学说的烙印，进而延伸出鲜明的等级意义。
在夜景模式上顺型起光，用不同造型和色彩的光环境打造大秦盛世的繁荣景象。并在不同的分区采取不同的色光环境，同时强调当时“国”和“城”的概念，将色彩，灯光，形体，流线有机的融合。
4 结语
景观色彩是城市景观的重要组成部分，承载着城市的历史、文化和美学信息，在人文环境的保护和高品质的人居环境建设中发挥作用。色彩还饱含着城市丰富动人的文化情怀，对色彩主题的确定和恰当运用，可以使景观既有整体美感又散发个性魅力，把城市景观渲染成高质量的艺术环境[4]。景观色彩的提取塑造研究为今后的城市景观色彩规划提供有益的根据和参考，本文只是对此进行了一个实践性研究，在今后的多个课题和项目中仍需进一步修正和发展。
参考文献：
[1]杨毅柳.城市景观色彩设计研究[D].西北大学学位论文，2011.
[2]卢春霞.城市建设中的色彩问题一对扬州城市色彩的考察与思考[D] 南京艺术学院学位论文，2001.
关键词：构成;立体构成;平面构成;色彩构成;园林景观设计
目前，我国在构成艺术应用的研究较晚，极少有涉及园林景观设计范围的研究。因此，本篇论文的主要研究目的就是我们如何了解构成艺术并探索三大构成在园林景观设计中的基本应用及设计手法，挖掘构成艺术在园林景观设计中的应用潜力和应用前景。
本篇论文主要通过对相关文献进行分析，采用文献法、图片支持法、比较分析法等研究方法，最大限度、系统全面的剖析构成艺术在园林景观设计中的应用表现。论文从论述构成艺术与园林景观设计之间的关系，以及构成艺术中的几大组成要素在园林景观设计中的地位和重要性着手，阐述构成艺术在园林景观设计中的具体应用。为了使构成艺术在园林景观设计中能够更好、更充分的应用，使园林景观设计逐步走上生态化，多元化、特色化，论文也重点研究分析园林景观设计与平面构成、色彩构成、立体构成等设计元素的关系，了解分析和吸收借鉴构成艺术的要点精髓。
一、构成的概念
构成就是按照一定的审美规律，从现代艺术设计的组合方式入手，表达人们喜闻乐见的视觉形象，达到人们喜爱的构成艺术。
构成艺术是任何艺术和设计的基础理论，它存在于一切艺术和设计的领域。构成艺术包括平面构成、色彩构成和立体构成三部分。平面构成是以外表轮廓塑造内部形象，将不同的平面基本形体按照一定的规律在平面上组合成新的图案;色彩构成，是从人对色彩的感知力出发，采用分析方法，把多种色彩作为基本要素，利用色彩在空间中的可变换性，按照色彩构成规律和构成之间的相互关系，创造出新的色彩效果的过程;立体构成是以构成学为依据，以视觉效应为构成基础，在三维立体空间中的构成，组合成美丽的新形体，是由二维平面形态进入三维立体空间形态的构成表现。以三大部分组成构成学。
二、园林景观设计
园林景观设计是在传统园林理论的基础上，由建筑、植物、美学、文学等相关专业知识的人士对自然环境进行有意识改造的思维过程和筹划策略。具体的讲，是在一定的地域范围内，运用园林艺术和工程技术手段，通过改造地形、种植植物、营造建筑和布置园路等途径创造美的自然环境和生活、游憩境域的过程，使环境具有美学欣赏价值、日常使用功能，并保证生态可持续发展，它标志着人类文明的发展进程和价值观念，体现设计者的审美观念。园林作为反映社会意识形态的空间艺术典范，它既要满足人们精神的需求;又展现社会公共服务设施建设，对保障人们良好休息环境、兼顾娱乐设施和精神层面的需要起到重要作用。
三、 构成艺术的基本要素在园林景观设计中的应用
构成艺术是当代艺术中一种很重要的艺术表现形式，它广泛应用于现代艺术及设计各领域。从讨论构成艺术与园林景观设计之间的关系，以及现代构成艺术在园林景观设计中的地位和重要性出发，重点去研究和分析园林景观的设计与平面构成、色彩构成、立体构成这三大设计元素之间的关系，阐述了现代构成艺术在园林景观设计中的具体应用。
1.平面构成与景观设计
平面构成的最基本要素分别是：点、线、面。它是世间万物形态的基础，自然界所有的物体都离不开这三要素。它构成的原理是把这三个基本要素按照形态美的规律和法则进行创造性的组合构成新的物体，我们可以把上述三点要素置换成园林设计要素，比如可以把园林景观中的景点、路线、区域换作成平面构成的基本要素：点、线、面。
景观设计是由无数个点、线、面构成完整的园林景观。景观设计的主体思路就是点、线、面的设计和重组应用，点、线、面在景观设计中要遵循一定的布局法则，按照合序、合理、和谐三个原则。利用平而构成的原理，使园林景观形态富有生活气息，点、线、面进行有秩序的搭配，使设计更为生动自然，合理性原则是在不违背大自然规律的环境下发展和重新设计，也就是说园林景观设计必须顺应自然发展。通过点、线、面的和谐搭配，园林景观设计要在视觉上给人一种舒服新颖的感觉，这就是现代景观设计的目标。
2.色彩构成与景观设计
当今社会是一个高度现代化社会，新材料、新技术的不断涌现带来了新的思想和新的观念，直接影响着人们的生活方式和审美观念，由此提出了科学与艺术相结合的观点，而这种结合衍生出新的艺术形态，这些艺术形态在艺术设计中都与色彩有着密切的关系。因此掌握好色彩构成，对现代园林景观设计而言是一个很重要的方面。
色彩构成一直都是应用于社会生活各领域，人们一睁眼就会感觉到色彩的存在，无论是自然物还是人造物都有各自的色彩相貌，这些色彩变化直接影响人的视觉、心理和行为，因此研究色彩构成不得不考虑其位置、空间、形状、面积、肌理等方面。色彩构成是艺术设计的理论基础之一，它与平而构成及立体构成的关系密不可分。在景观设计的实际应用当中，色彩构成能够体现出设计师对自己设计作品的色彩修养、创意思维和色彩魅力。
色彩的应用对整个景观的空间感觉、舒适度、环境氛围、使用率以及对人们心理和生理均有很深层的影响。如不同的色彩可以引起不同的心理感受，好的色彩环境会给人带来舒畅愉悦的感觉。在现代景观设计中，色彩的应用具体体现如下：
利用色彩景观对生理以及心理感知所产生的影响，再加上色彩在景观设计中的整体和谐度，真正的达到以人为本、体现地域特色的生态设计理念。把景观设计要素中的蓝天、碧海、水系、山体、植被、地面铺装、建筑物等色彩的物质载体，再结合当地的地域文化背景和关学原理，进行有机的色彩组合搭配。此外，植物的色彩是随着季节而不断演变着的，我们在植物的配置中，必须很好掌握各种不同植物的物候期，进而对色彩变化规律进行配置，达到季节和构图上园林色彩的变化和协调，从而形成优秀的景观。
3.立体构成与景观设计
立体构成是用一定的材料、以视觉为基础，力学为依据，将造型要素，按照一定的构成原则，组合成美好的形体的构成方法。立体构成与景观设计之间是正与负的关系，还有形体之外的空间的美。立体构成的终极目的是为了锻炼审美与空间逻辑，立构往往相当于景观设计中的地形与空间变化，立体构成可以是场地中的某个雕塑，构筑物等等。一个好的立体构成不仅仅是形体本身的美感。立体构成重要的是通过设计创造意境，其重点是研究空间立体造型规律，创造立体和空间形态的一种造型活动，在现代景观设计中起着非常重要的作用。
构成艺术在景观艺术设计中的应用令人深思，而我们该不断学习和借鉴国外优秀的现代园林景观设计的理论和手法，与此同时又要继承和发展中国的传统园林艺术。构成艺术是指导景观设计的基础理论， 对景观设计起着借鉴指导的作用。当今景观设计呈现出一种多元化的发展趋势，我们作为当代大学生仍需不断努力提升自己的专业素养和水平，总结设计经验，积极借鉴其他成功经验，以便在园林景观设计中更好地运用构成艺术！（作者单位：西北农林科技大学风景园林艺术学院）
参考文献：
[1] 黄英杰.周锐，J‘玉红.构成艺术「M].上海：同济人学出版社，2004.
[2] 李学峰.构成的创新理念与领悟[J].美术之友，2002， 04
艺术设计论文范文一：色彩在艺术设计创作中的表现
摘要：艺术设计创作是具有两重的属性，一方面，是艺术设计创作属于艺术的范畴，是具有审美价值的，另一方面，艺术设计创作还具有实用的功能。因此，在艺术设计创作中，色彩的表达是表现创作者的一种对社会和对周围的感知过程。分析认为，艺术设计创作中的色彩表现体现了创作者的风格，也架起了创作者和观众之间的情感桥梁，色彩的表达也体现了色彩的情感需要，色彩的表现更是文化需求的一种诠释。
关键词：艺术设计创作；色彩表现；审美
所谓艺术设计创作其实就是用艺术表现的形式，通过审美的表现来结合社会、文化、市场和科技等多方面的因素，然后把这些因素和我们的生活紧密联系起来，创作在设计中。一般情况下，艺术设计创作从艺术的角度来说，是具有审美的功能的，从实用的角度来说，其实还是具有使用功能。因此，作为艺术设计来说，是为人的精神和物质文化而服务的，是满足人类社会的物质功能和精神功能的完美的结合，也是现代化发展的社会历史进程中的必然的产物和过程。实际上，在艺术设计创作中，对色彩的运用也是很重要的，色彩是通过人的眼睛，脑和大众日常的生活经验综合运用的情况下产生的一种在光的作用下的视觉的效应。这种视觉的效应是创作者对周围感情的认知，也是对感觉的一种向往。创作者在进行艺术设计创作的时候，也需要通过色彩的表达来表现自身内心的感觉和自己内心的喜好，而色彩也是最好的一种表达内心的过程。实际上，艺术设计中的色彩设计和表现就是一种颜色的搭配，在实际的艺术设计创作中，这种艺术的表现是千变万化的，通过艺术设计者的创作把色彩表现出来，再通过大众用眼睛来体会周围的环境，色彩的作用就凸显出来了，在人类的视线中产生相应的各种各样的效果，带给大众不同的体会，也会反映大众的美感认知、情绪波动和自身的审美的情绪。因此，在艺术设计创作中色彩的表现是十分重要的。
一、艺术设计创作中色彩的风格表现
在艺术设计创作中，色彩具有十分重要的作用，直接体现了创作者的风格，和把握创造的精髓。实际上，在现实生活中有很多优秀的艺术品，在创作设计中都是用色彩来体现风格的，作为色彩设计来说，就其自身的内涵有很多不同的风格的，比如由鲜艳、强色的暖色调的色彩配成的艺术设计创作的风格表现和由冷色调配出来的风格就是不同的。一般情况下，暖色调的色彩风格都是给人以明快的感觉，也可以突出艺术设计创作的主题。其实，在艺术设计创作中，生动的色彩设计可以诠释创作者那一刻的心情，以及呈现给观众，观众也可以了解作者的风格和作者想表达的主题，这种色彩的风格的体现是很直观的，直接在色彩的表现中表现了出来。另外，在艺术设计创作中，内涵的体现也是很重要的，很多时候浓厚的色彩直接对创作作品的内涵显示就起到了重要的凸显作用。
二、艺术设计创作中色彩的情感表现
在现实中，人们的感知的色彩是通过现实的眼睛来直观的反映和体现的，一般情况下，视觉器官在感知色彩的时候，都是伴随着其他器官而产生的综合性的知觉和感觉的意识活动。所以在艺术设计创作中，创作者使用色彩其实代表的是一个整体的形象和过程，包括了客观的创作者的印象、记忆、联想和情感的体现，只有综合的丰富这些元素和内容，才会在艺术设计创作中体现出良好的色彩的效应。比如，在实际的艺术设计创作中，同一类的色相或者色调的配色方式其实在画面相一致和颜色相一致的情况下，很难达到和谐统一的效果，但是如果色调反差很大的话，色调的落差又正好突出明显的颜色，画面是否丰富，色调是否统一其实带给观众的都是一种情感的需要，淡雅的紫色配上大雁的黄色，这样的情感需要其实就是一种色彩情感的体现。也体现了创作者当时创作阶段的心情，给观众也表达了自己的倾诉和追求。所以，色彩的配色是一种情感的表现，在艺术设计创作中，要特别关注色彩设计配色的反差和魅力，善用色彩的配色来赋予颜色的内涵和丰满颜色的内涵。
三、艺术设计创作中色彩的文化表现
在艺术设计创作中，不管是商业的设计还是个人的爱好创作，实际上都是一种流行和文化的反映，色彩的表现是一种模仿和流行，色彩可以带来追随和认可。实际上，艺术设计创作者在色彩表达的时候，可以把色彩和同一色调的事物明显的表达出来，比如在平面设计中，可以通过平面设计的色彩表达方式直观的反映色彩中的流行的文化，在设计过程中，在思维上就可以演绎细微和微妙的色彩感受力。众所周知，红橙黄绿青蓝紫这些普通的魅力的颜色再加上黑白灰颜色，不同的颜色的搭配和属性就会呈现不同的创意和表现。在艺术设计创作者创作的过程中，在对色彩的感知过程中，实际上不能忽视眼睛第一时间的即视的感觉，要从文化魅力的角度来体现艺术设计创作中的色彩的表现。文化是一种流行，也是一种魅力，色彩的表达是文化流行的元素，也是引领设计的一种新潮，色彩给人的文化表现，给人一种文化的流行，艺术设计创作的色彩一旦拥有了文化的气息，也必将经得起市场的考验是流行的文化的体现。综上，在艺术设计创作中色彩的表现力量是很强的，直接反应了创作者的风格和情感和文化力，因此，艺术设计创作中，色彩的表现是十分重要的，也是设计创造者最直观的视觉表达，突出了创作的表现力。在艺术设计创作者创作的时候，必须根据色彩的实际情况和创作作品的实际情况来进行色彩的搭配和分析，用色彩来表现自己的心理特征，用色彩来感知创作者的思想和空间。因此，色彩是直接联系创作者和观众的桥梁，艺术设计创作中的色彩的表现是直观反映创作者和观众情感和思想的重要呈现。
参考文献：
[1]侯履晖，论艺术设计创作中的色彩表现，现代装饰(理论)，2012年5月
[2]吴志华，色彩通感在审美活动中具有的价值，南昌大学，2012年8月
[3]徐燕，论色彩在中西现代油画艺术中的情感表现，山西师范大学，2012年4月
[4]周小娟，浅析艺术设计中的设计色彩表现，安徽文学(下半月)，2010年12月
[5]杜森，现代海报设计中的色彩表现，中国艺术研究院，2009年3月
艺术设计论文范文二：明清环境艺术设计与陈设
摘要：文章重点针对明清环境艺术设计与陈设思想进行分析，以便从中得到启示。
关键词：明清；环境艺术
中国现代环境艺术设计融合了我国传统设计理念和西方设计理念，风格多种多样，有中式、欧式、简约、田园等，不同的设计风格彰显着别具一格的设计理念。其中，我国的传统设计理念对现代环境艺术设计有着重要的指导意义，也是我国现代环境艺术设计的基础。因此，文章重点对明清环境艺术设计风格进行研究，这对我国现代环境艺术设计有着指导意义。
一、明清环境艺术设计的内涵
明清的环境艺术设计总体思想在于“道”，大到园林别院，小到客厅卧室，“道”之思想始终存在。古人云：“园总之奇在变化万千、独藏与道之衍一，虽穷变亦在气中，顽石水榭楼台阁角，无不与气通。”其中的“气”就是指“道”，这句话的总体意思是说虽然环境艺术千变万化，但是每一种都要与“主人的气”相互沟通，通俗来看这是因人制宜设计理念的表现。明清环境艺术设计的总体理念在于“藏”，既能“藏拙于巧”，又能“藏灵于愚”，具体表现在“不漏”二字上。明清的环境艺术设计没有唐代的夸张、宋代的活用，但是就“不漏”二字而言可谓登峰造极，最著名的莫过于皇家别院与园林的设计。每当我们看到故宫、天坛等设计，总会感慨其气象万千，但如果仔细挖掘，则能够发现其设计材料种类虽少却精、颜色虽少却重，总体设计理念并不张扬，但是在稳重的表象下藏着设计者根据皇家气象别具一格的“不漏”思想，既不让人感觉到夸张，又能衬托出皇家的威严，这是化繁为简、去伪存真的“简”的思想。明清环境艺术设计的总体方针在于因地制宜，即根据不同的地域进行不同的设计。如，北京地区的设计方针在于大气，江南地区的设计方针在于别有洞天，西北地区的设计方针在于方便使用，因地制宜思想成为当时的主要设计理念，任何设计都不可能脱离当地的地域风情、民俗习惯。因此，明清环境艺术设计针对不同的地域风格、人民生活水准、业主，提出不同的设计方案，即追寻上述的“道”“气”“藏”“不漏”等思想理念，根据实际情况进行调整，尤其是在1570至1620年间，由于当时民间思想更为开放，在这一段时间内基本打破了“士农工商”的阶级理念，建筑设计标准也随之被打破，因地制宜、因人制宜、因时制宜的设计思想得到普及。明清的环境艺术设计内涵在于与人结合、与“道”结合、与时结合、与地结合，不拘泥于形式。
二、明清陈设思想的内涵
与整体环境艺术设计相比，明清的陈设思想更为复杂。明代陈设在于“自然”，沈津为《长物志》写序说：“几榻有变，器具有式，位置有定，贵其精而便，简而裁，巧而自然也。”明代的陈设布置根据主人经济状况的不同有一定的区分，但是总体讲究“自然”，陈设摆放的位置、款式、数量都有一定的规格。如，明代的书房陈设标准要有长桌、笔格、笔筒、笔洗、古砚、水注、糊斗、镇纸等，根据文人的地位和经济状况，这些事物都要有不同的款式规格。又如，明代的卧室陈设要有榻床、滚凳、小几、花尊、定瓶、鼎炉等。清代的室内陈设讲究简约，没有固定的要求，在设计理念上，设计者根据自身喜好可以对室内物品进行增减，其总体标准在于简约实用。同时，清代的汉族设计理念与满族设计理念相互杂糅，所以清代的陈设思想也融入了一定的少数民族风情，更贴近自然。明清两代的陈设思想有一定的不同，但总体而言，陈设与主人的地位相适合这一中心思想没有改变，室内的陈设能够从很大程度上反映出主人的地位、品节、风格，如读书人的客厅讲究市声不入耳，俗轨不至门。客至共坐，青山当户，流水在左，辄谈世事，便当以大白浮之。室内外布置为“门内有径，径欲曲；径转有屏，屏欲小；屏进有阶，阶欲平；阶畔有花，花欲鲜；花外有墙，墙欲低；墙内有松，松欲古；松底有石，石欲怪；石后有亭，亭欲朴；亭后有竹，竹欲疏；竹尽有室，室欲幽”，讲究自然、情趣、意境。
三、明清环境艺术设计与陈设思想对现代环境艺术设计的启示
明清两代环境艺术设计理念都以尊崇主人的地位、身份为根本，配合“道”“藏”“自然”等思想在细节上进行一定的变化。这一思想理念对现代环境艺术设计的启示可以总结为三点：第一，设计根本在于衬托业主的气质，配合地域、民俗等客观条件，能够在一定程度上展现出业主的个人品格和思想观念；第二，设计的根本在于结合当下社会风气融入艺术气息，因时制宜地进行设计变通；第三，设计根本在于在繁复中彰显简约、自然，自然含有素朴、本性、本质之意。一些人常常注重繁复的设计风格，却忽略了自然的特性，也忘记了从简单的事物中体验快乐的感觉。因此，要想现代环境艺术设计最大限度地融入自然，则必须回归简单的设计风格。明清环境艺术设计更多地受到了儒家思想的熏陶，将环境与人看作一体是这一时期的主要思想。因此，若想将这种自然的设计理念运用于现代环境艺术设计，则必须基于时代的角度具体问题具体分析。结语明清环境艺术设计与陈设受时代影响较大，并且受文人思想与社会风气的影响较大。现代环境艺术设计应当延续明清环境艺术设计与陈设思想，将其设计理念用在具体的设计中，如此才能传承传统环境艺术设计理念并将其发扬光大。
参考文献：
[1]王思天，郝翰.室内环境艺术设计中的陈设艺术.现代装饰(理论)，2015(1).
[2]肖一倩.艺术设计专业实践教学手段、方法的研究和实践.南京广播电视大学学报，2009(1).
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[4]王朝晖.园林绿化与生态景观结合的意境美.黑龙江现代建筑，2014(14).
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3.包装设计开题报告范文
论文摘要：“五色观”是我国古代在色彩科学史上的一大发明，它对于中华民族精神的影响具有深远的意义以孔孟为代表的儒家色彩观和以老庄为代表的道家色彩观为我国古典色彩关学思想奠定了理论基础。
原始时代的人类在不知不觉的状态中创造了历史性色彩最纯粹的形式。最早发现的原始美术物是距今二万年前的洞窟岩画，标志着人类已经用色彩装饰自己的居住场所，其各种各样的动物形象，用色鲜明浓烈，饱含着原始人类特有的生命力和艺术感染力。在我国黄河中游发现的石器时代原始氏族部落建造的浅穴中，由红、黄、褐等色泥土、草泥和木材建成，表明我们祖先对色彩的掌握和运用迈出了一大步。至春秋战国，社会政治、经济、文化获得了前所未有的发展，中国古典美学思想进入启蒙阶段，以儒道两家为代表的古典美学思想已经形成，并不断地推动着“目观为美”简单朴素的低层次色彩美感认识向高层次色彩审美认识的发展。几千年来以孔孟为代表的儒家色彩观和以老庄为代表的道家色彩观始终贯穿于中华民族色彩审美意识之中。色彩对民族精神的影响具有深远的意义。在民族色彩文明史上，记录着民族精神的全部过程。中华民族二干多年形成的色彩体系就是世界独特的“五色体系”。我们全面系统地了解“五色观”及其色彩文化内涵，有助于中华民族在全球一体化的世界文化格局中，保持鲜明的民族色彩个性。随着数字化时代的来临，传统的经典色彩已经面临数字色彩的挑战，人类的色彩活动必将进入一个崭新的时代。弘扬民族色彩文化，开拓丰富色彩表现语言，成为实现中华民族伟大复兴中不可缺少的一环。
一、“五色观”的形成和发展
中国传统民间色彩“五色观”的形成是继承远古人类对单色崇拜，结合中国人自己的宇宙观——“阴阳五行说”，并与构成世界的其它要素：季节、方位、五脏、五味、五气逐渐发展而来的。
据史书《周礼》记载：“画绩之事杂五色”，这是目前我国最早关于“五色观”色彩理论的记载，由此也奠定了我国传统色彩的美学观念的形成。它比西方的“七色观”，“三色观”都要早上一千余年的时间。在我国洛阳二号殷人墓发掘四幅绘有红、黄、白、黑的四色画幔，就充分地证明了我国当时的帛画已初具“五色”的丰富性。
在中国历史上关于“五色观”的记载还有：
《尚书》：“采者，青、黄、赤、白、黑也，言施于缯帛也。”
《老子》：“五色不乱，孰为文彩。”
《庄子》：“五色乱目，使目不明。”
《苟子·劝学》：“目好之五矣。”
《礼记·礼运》：“五色、六章、十二衣，还相为质也。”
《礼乐记》：“五色成文而不乱。”
何谓“五色”?孔颖达疏：“五色，谓青、赤、黄、白、黑。”刘熙也曾作具体解释，他在《释名》中谈及他的观点：“青色为主，生物生长之色；红色为赤，太阳之色；黄色为光，日光之色；白色为启，如同化水之色；黑为晦，如同昏暗之色。”
西周时期，已经提出了“正色”和“间色”的色彩概念。南朝染皇侃云：“正谓青、赤、黄、白、黑，五方正色也，不正谓五方间色也。”间色是正色混合的结果，正色即原色，它与间色和复色相对应，所谓“正色论”即“五原色论”，亦即赤、青、黄、黑、白五原色构成的“五色体系”。古人从色彩实践中发现五原色是色彩最基本的元素，是最纯正的颜色，必须从自然界中提取原料才能制作得来，其它任何色彩相混都不可能得到五色，而五色相混却可得到丰富的间色。从西周到春秋、战国时期五色广泛流行，“五色体系”的确立标志着古代中国占统治地位的色彩审美意识，已从原始观念的积淀中获得独立的审美意义。
五色体系的建立对于推动古代色彩科学技术的发展和色彩艺术的繁荣起到了非常重要的作用。五原色的发现和色彩混合规律的掌握，大大丰富了色彩的色谱和艺术表现力。从此，人们从原始的自然单色概念中解放出来，走向色彩艺术创造的多元化，使色彩的装饰应用更广泛地进人社会生活，并注人了奴隶社会和封建社会的文化内涵，如商周时期奴隶制等级制度和宗教礼仪非常严格，色彩用作尊卑的标志，成为“明贵贱，辨等级”的工具，以维护其统治阶级的利益。此外，在绘画和建筑活动中也都有所体现和划分。据《礼记》记载，“木盈，天子丹，诸侯黝，大夫苍，土黄圭。”即帝王的房屋柱子用红色，诸侯用黑色，一般官僚用青色，至于百姓只能用土黄色。除了统治阶级对“五色观”的推动作用之外，更多的因素还源自于民间，烧陶与冶铜术的发明，使色彩得到广泛地应用。从大量的古代文献记载和发掘出土的墓室壁画、帛画、纺织染色以及陶俑、漆器、铜器上丰富的色彩，可以看出距今二千年前我国的色彩科学技术与色彩装饰艺术的发展与繁荣。
我国古代进人百家争鸣的先秦时期以后，色彩艺术观更趋于成熟。《左传》对此有明确的论述：“天有六色，发有五色，征为五声，生五疾。”古人把“五色”与“五行”联系在一起。何谓“五行”?《尚书·洪范》载：“五行，一日水，二日火，三日木，四日金，五日土。”即水、火、木、金、土五种自然物质，被视为产生万事万物本源属性的五种元素，并提出了五行“相生”、“相克”的理论。“阴阳五行说”将“五行”与自然界中五方、五材、五季、五音、五德、五官、五脏等包括“五色”均配属其中。“五色”是色彩本源之色，是一切色彩的基本元素。五行结合生百物，五色结合生百色，五色论完全符合五行论的理论。阴阳五行思想，流行颇广，影响甚大。五行相生，五行相胜的理论渗透到社会、政治、军事、天文、地理、医学等各领域，并指导人们的社会生产生活等一切活动，以后经过不断发展、推广，几千年的文明，一以贯之，铸成了中华民族特有的思维方式。
二、中国传统礼教对“五色观”的影响
儒家色彩观从“礼”的规范出发，最终实现“仁”的目的，极力维护周时建立的色彩典章制度，把“五色”定为正色，把其它色定为间色，并赋予尊卑，贵贱等级的象征意义，分别代表君臣民上下关系，色彩装饰不可混淆，更不可颠倒，孔子斥责齐恒公“恶紫夺朱”，实际意义是认为间色紫夺走了正色赤的地位，夺正为不“仁”，违背了礼字规范。他认为“白当正白，黑当正黑”。传统中国画据此发展形成了“计白当黑”的绘画理论。《礼记·玉藻》记载：“衣正色，裳间色”。郑玄注：“谓冕服玄上缫下”。孔颖达疏：“玄是天色，故为正。臻是地色，赤黄之杂，故为间色”。董仲舒在《春秋繁露·服制》中说：“度爵而制服，量禄而用才，饮食有量，衣服有制，宫室有度……虽有贤才美体，无其爵不敢服其服。”《后汉书·服制》也载：“尊工贵工，不得相逾，所以为礼也。非其人不得服其服，所以顺礼也。”孔子极力提倡中庸哲学，“中庸之为德也，甚至矣乎!”《雍也》，“中也者，天下之大本也；和也者，天下之达道也。致中和，大地位焉，万物育焉”《中庸》。中庸是最高的道德境界。儒家中庸观念在色彩上体现为“文质彬彬”的适度的色彩装饰。孔子在《论语·雍也》中云：“质胜文则野，文胜质则史，文质彬彬，然后君子。”所谓“文质彬彬”，“文”即文采，外部装饰的形式美，“质”即实质，内部精神的内容美，“彬彬”即配合适宜。孔子认为文胜质不美，质胜文也不美，过分的外部装饰则哗众取宠，名不符实，缺少装饰则平淡乏味无兴趣。“文质彬彬”最初是孔子对君子人品提出的要求，但进而被解释为艺术内容与形式的统一，体现在色彩上必须符合“配合适宜”的审美价值标准。
“比德”是儒家色彩美学思想的另一主要特色，即用色彩暗示人的美德，这一象征性的手法在后世中国色彩艺术史上产生了重大影响。儒家虽然没有色彩“比德”的直接描述，但可以从儒家审美的“比德”观念中得到启示。苟子的以玉比德说：“子贡问于孔子日：‘君子之所以贵玉而贱珉者，何也?为夫玉之少而珉之多耶?’孔子日：‘……夫玉者，君子比德焉。温润而泽，仁也；栗而理，知也；坚刚而不屈，义也；廉而不刿，行也；折而不挠，勇也；瑕适并见，情也；扣之，其声清扬而运闻，其止辍然，辞也。故虽有珉之雕雕，不若玉之章章。诗日：言念君子，温其如玉，此之谓也一。(《苟子法行》)在孔子之前管子也有论水玉之美：“视之黑而自，精也～鲜而不垢，洁也～茂华光泽，并同而不相陵，容也”。在玉质与道德的相互比照中，玉负载了超越自身自然品质的道德意义，成为美和善的表征，理想人格的化身。从此，“以玉比德”成为后世广泛认同的社会观念，艺术被儒家赋予了人格意韵。乃以自然事物比拟人的道德，是自然特性的人格化、道德化，从儒家色彩的观念看来，色彩之所以美，是因为色彩的装饰暗示人的美德，从色彩的装饰中可以发现人的高尚人格，儒家的这种类比思维方式对中国色彩艺术形成特定的象征意义和具有丰富的文化内涵无疑产生很大的影响。如我国戏剧脸谱色彩斑斓，不同色彩化妆赋予特定的寓意，暗示不同人物的性格特征和品德，如：红色表示忠勇，黄色表示刚猛，黑色表示刚直不阿，白色表示奸诈阴险。儒家“比德”思想直接影响民族色彩观念。如：中华民族崇尚红色，是因为红色象征喜庆、吉祥、庄严的品格。人逢喜庆，都要用红色来装饰；新娘穿红色礼服，新郎佩带红花。人走运了，称为“红运”；受上级重用者为“红人”；古代称美丽女子为“红颜”；相传神农氏为炎帝，炎者红也；刘邦兴汉，自称“赤帝之子”，正是因为“红色”的类比在中国人心目中具有特殊的情感和美的象征意义。
儒家色彩美学思想把色彩美与“仁”、“德”、“善”融合一体，在当时是先进的理念，有利于社会的稳定发展。
中国的色彩观受道家的影响要更多一些。以老子为代表的道家对于艺术的态度，不同于以孔孟为代表的儒家，儒家肯定艺术的社会功能，将艺术与礼乐结合，而道家与墨子为代表的“墨家”“非乐”的观点相接近，否定艺术。如老子把社会的争乱归罪于五音、五色、五味等艺术活动与享受，他认为艺术带来了五官功能的退化和人的自然本性的毁坏．给社会造成灾难。庄子反对艺术的态度比老子更是有过之而无不及，认为“文灭质，博溺心”．“文”带来了感觉的退化和的增加，“博”则破坏了心地的纯洁，带来了争名夺利和虚伪奸诈，竭力鼓吹“无为～无欲”“无知”，只有抛弃音乐乐器，毁掉文章彩绘，才能恢复耳目聪明，实现盛世理想。老庄一方面否定艺术美．但另一方面又肯定自然美，应该肯定道家对自然美的认识，比起儒家将自然的审美束缚于伦理礼义之下的见解，显然有了一大进步。
由于道家主张淡泊无为的思想，所以道家的色彩主张“无色而五色成焉”，“澹然夫极而众美从之”(《刻忌》)，体现在艺术上追求无色之美，以无色之感为最美，所谓“至音不叫”，“至言不文”，“大音稀声”，“大象无形”，“大巧若拙”(《天地》)。道家崇尚自然，反对雕琢，反对五彩。道家的“道法自然”，回归自然，反朴归真，追求自然色彩的平淡素净之美的色彩观对中国绘画色彩观，特别是对文人画家的色彩美学思想产生了深远影响。《淮南子·原道训》载：“色者，自而五色成矣；道者，一立而万物生矣。”这里的“自”为“无色，无形”。它与“无色中的青、黄、赤、自、黑中的“自”是不同的哲学概念。前者为虚无，后者为色彩的视觉形象道家认为一切事物的生成变化都是有和无的统一，而无是最基本的，无就是“道”。天下万物生于有，有生于无，实出于虚，有无相生，虚实相宜。按照道家的这一观点解释，自(无色)和五色应该是统一的，既相互对立，又相互依存，相互转化，但是无色是本质，“五色生于无色”。五色与自(无色)相生、相和。
道家选择黑色为道的象征色彩，认为黑色是高居于其他一切色之上的色。老子日：“玄之又玄，众妙之门”，玄即黑，是幽冥之色。天色为玄，因为“天”在道家思想中具有产生万物的功能，显然天之色一玄(黑)也自当有派生一切色彩并高于一切色彩的功能。所以道家将黑列为众色之首，并选择黑色作为道的象征之色。道家的建筑以及服色多用黑色。阴阳高于万物，黑自高于五色。道家对黑色的审美态度直接影响到中国绘画的色彩美学思想，并奠定了黑色在中国绘画中的造型地位。
关键词:色彩构成教学模式色彩设计
l 色彩构成的概念
在艺术设计专业造型基础教学中， 其构成教学包括平面构成、色彩构成和立体构成，即所谓三大构成。而色彩构成是继写生等架上绘画训练之后又一个比较系统和完整的认识色彩理论，掌握色彩形式法则的艺术设计专业独立的基础科目。它是探讨色彩物理、生理和心理特征，通过调整色彩关系(对比、调和、统一等)以获得良好色彩组合的学说。是具有方法论意义的构成体系之一。
色彩构成还能够丰富学生的设计思维，提高审美的判断能力和倡导创新的变革精神。色彩构成的学习和掌握直接关系到今后设计作品中色彩修养和创意水平的高低。
2 传统色彩构成教学模式及存在问题
随着改革开放。我们从香港和日本引进了色彩构成课(也有人叫它装饰色彩课)。其色彩构成理论猛烈地冲击了传统的图案色彩教学模式，使我们的色彩教育观念发生了重大变化。经过近20年的发展，我国的色彩构成教育体系逐渐趋于成熟和完善。但与我国的设计实践领域相比，无论观念还是手段，色彩构成仍是一个不太受重视的领地，处在停滞不前的边缘。目前的色彩构成教学模式比较传统和单一。通常是教师黑板加粉笔的教学手段授课。学生在你讲我听的方式中接受教学内容，再通过手绘训练，以作业形式呈现出来，最终由教师进行品评。作业过程中，学生将大量精力放在色彩的临摹及颜料调配上，不注重色彩设计意识培养，缺乏创造性，同时还困惑在颜料调配不均等表现力差等现象中。整个教学模式追求理论的完整性，注重对色彩理论的试验分析，偏重已有理论成果的再现，不注重对色彩运用的感性分析；不明确色彩构成学习的目的是培养对色彩的认识、审美、整合和表现的创新能力。学生深感课程枯燥、乏味。当课程结束后，如云里雾里，形成临摹容易创作难的现象，为日后的专业设计设下了障碍。传统的课堂教学模式在讲授色彩原理时，教师往往以字代色，致使两种或多种色彩的对比及调和效果，学生只能通过联想加以比较，直观性较差。尤其对一些色彩感觉较弱、对色彩知识了解也较少的学生，这一点表现得尤为明显。学生在后期的实际应用中，很难把构成中的色彩知识自觉地应用于创作中。出现了临摹不成问题，创作却难上加难的情况。有的学生甚至要求再重新讲解相关的色彩知识。这些都说明前期的教学模式存在着一些问题。
3 改革措施
3．1 注重色彩设计配色能力的培养
色彩，它能改变我们的心情，影响我们对事物的认识和心理感觉。毕业论文一组成功的色彩配色与设计，将是传递设计师对作品的设计理念和对色彩的理解，直接带给人们强烈的视觉冲击。而现代社会所需求的是高效率、高品质的设计作品。由此对设计师来说，无疑是一种配色与设计对审美的挑战。配色与设计，既要考虑传统文化的影响，又要符合个人心理结构的印象。因此，色彩与设计，对设计师一个作品的成功，具有无法抗拒的亲密程度，几乎到了难舍难离的地步。设计配色和个性配色，在设计中的地位，又如何评点呢?一件成功的设计作品，必须具备三个基本元素一个结构，即色彩、图像、文字和构成三个基本元素连接的设计构成。而三个元素中尤为重要的是色彩。因为色彩的敏感，是对首次接触一件设计作品，最先攫取注意力的视觉印象。那就是作品的色彩配色。其次是图像，最后才是文字和整个作品的设计构成。
而在传统的教学过程中，即使我们企图通过各种色彩对比来培养学生的配色能力，如明度对比、纯度对比、色相对比，但基本上都是临摹已有的各种色彩对比，而且未加重配色在色彩设计中的教学分量。因此，整个教学过程中，忽略了配色能力的培养。针对这种情况，在教学过程中，应有意识地加重配色能力的培养。通过典型实例，运用色彩学的理论分析，讲解色彩配色原理，使学生亲身体验不同色彩搭配带来的不同效果，体会优秀作品配色的奥妙，提高色彩在各类设计中的巧妙搭配，如服装设计色彩配色、包装配色，又如网页设计的10种基本的配色设计：无色设计、冲突设计、单色设计、分裂补色设计、二次色设计、类比色设计、互补设计、中性设计、原色设计、三次色三色设计等能力。另外，通过配色训练，使学生掌握配色在实际设计中的应用。
3．2 注重色彩在设计中的应用能力培养
自然中、生活中、文化中、美术中、商业中、社会中，优美的色彩俯拾皆是。它呈现着一种未经安排而又像经过安排的秩序之美。而色彩设计，则是指与广泛而普及的生活色彩、自然色彩铺陈有所不同的用色技巧。应用色彩设计，使人类除了领受自然中丰富的色彩外还能致其精髓来创造生活中更精致、更有组织、更符合需要的人工色彩。这不但丰富了原有的色彩世界，也拓展了人类历史、文化领域之美，更进一步地幻化出理想、缤纷的人类新秩序之美的环境。因此，色彩设计的重要性不言而喻。
然而，在我们的传统教学中，色彩设计运用培训的很少，尤其在基础课中，导致学生在实际的设计中色彩运用能力非常差。针对此种情况，在授课过程中，应有意识地加强设计用色能力的培养。
首先，将色彩设计应用贯穿于色彩的基本理论中去。留学生论文 如在色相环中，设计成12色或24色同图案不同色相的对比(可以对图案进行各式的设计)；或从现实中的生活提炼出基本图案，将明度对比、色相对比、纯度对比、色彩推移运用到图案中。
其次，讲授各种不同设计中的用色原则和技巧。如广告设计中的色彩设计、企业表观色彩设计、产品色彩设计、包装设计中的色彩设计、建筑的色彩设计、服饰设计的色彩设计等。
3．3 紧随时代步伐。整合信息资源。提高教学效益
在信息化、多元化的高科技时代，电脑辅助设计的日益普及，数字化色彩的建立及网络的出现，使我们要重新拟定教学目标，增添新的教学内容，不断在教学上推陈出新，从而更加注重培养学生色彩审美能力和创新能力，将传统的以教为主的教学模式转化为以研究为主的互动的教学新秩序。因此，电脑时代新技术新观念是催化剂。
我们应充分利用其对色彩构成教学完善发展的刷新作用，将传统构成教学与先进的多媒体工具相结合，职称论文 为传统色彩构成教学体系注入新鲜血液，产生新的活性因子，催化出更加合理和艳丽的教学奇葩。
教学中，我们可借助于计算机这一媒体更加直观地讲解色彩构成的基础知识，充实课堂的学习内容，调动课堂的学习氛围，激发学生的求知欲，使学生轻松地掌握色彩规律。这是以往传统教学中教师用文字表达、学生靠联想去感受所达不到的境界。以《色彩知觉的视觉残像》这一节为例。如果用我讲你听的灌输式教学方法，学生完全不明就里。而教师把色彩视觉残像的现象借计算机这一媒体制作课件，把现象直观地表现出来，使学生有了一点头绪。然后他们会带着疑惑，再通过对色组的长时间注视实验，实验结果有了，那么色彩视觉残像现象就一切尽在不言中。学生不但轻而易举地透彻理解了色彩知识，而且在一瞬间也发现了色彩构成的学习原来可以在乐中获取，这就激发了学生的学科学习兴趣。
对于学生而言，表现的手法不再局限在传统的手绘训练上，避免了因把精力放在画面的精工细做上、技法的表现上，而忽略了对色彩关系的研究与探讨，从而削弱了观察、思考和创新等思维方面的训练提高等不良倾向。因此，可以借助一些绘图软件，如Adobe Photoshop(它作为影像处理软件，在色彩的使用及调控方面有着强的优势，快捷的填充，灵活的色彩更换方式。每一项都简便易学)。把Photoshop应用于色彩构成教学中，教师可以通过屏幕对色彩间的复杂关系进行形象的讲解。学生通过真实的色彩表现，轻松掌握了色彩搭配规律，在作业的制作上，可免去手工操作过程中所出现的涂色不均等问题，并可衍生出多个方案，便于比较，扩大练习范围。作为设计专业的学生，除了教师的课堂讲授外，更多地需要借助大量深入而又系统的色彩作业练习去理解色彩原理，磨练色彩感觉，精纯表现技巧，提高自身的色彩修养，为以后与色彩相关的设计课程打下良好的基础。
总之，新时代新技术赋予我们新观念。色彩构成教学必然要与诸多新兴技术和知识发生关系。而快捷先进的信息技术手段和推陈出新的教学思路是实现创新目的重要保障。电脑作为现代高科技处理信息的工具，为我们提供了强大的摄取、存储和处理视觉形象的功能，为色彩构成教学提供了一种全新的设计表现形式和巨大的艺术潜能空间。
参考文献
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论文摘要:以户县农民画的设色特点为例，使读者能够更加清晰地了解民间美术色彩的选择特点及文化内涵，运用文献研究和例证相结合，论述民间美术色彩这种文化语言，更直接地使创作者与受众进行直接对话。古人独有的色彩观念，使中国色彩区分于西方的“色调”理论，正是因为中国色彩有自己的调色、赋色法则，才制约着华夏民族的色彩选择，并赋予民间美术色彩的文化内涵。
色彩本身就是一种文化，是一个民族情感、经验和思想在色彩应用过程中的显现。作为中华民族传统文化的民间美术，在数千年的传承中，形成了独具特色的艺术特性。色彩作为其重要的构成元素，是人们寻求精神上情感表达的一种方式，以不同的色彩表达特定的观念，反映了民族民间美术的传统习俗及审美观念的延续和发展。民间美术色彩深层次地体现了创作者与受众进行对话的一种文化语言。
一、户县农民画中色彩选择的特点
户县农民画在我国整个民间艺术的庞大体系中可称得上是独放异彩。画风粗犷豪放，构图饱满稚拙，用色单纯夸张，具有清新浪漫的生活气息。户县农民画贴近生活，多以描绘人民丰收的景象，节日的欢腾，幸福的家庭等，使每一个观赏者都能够感受到激昂的情绪和自豪的心情。户县农民画，粗犷中蕴涵着细腻，浓艳中蕴涵着淡雅，稚拙中有着精巧。
单纯明快与夸张刺激的色彩表现是民间美术色彩选择的显着特点。中国民间美术的色彩体现着充分的饱和度。红、黄、蓝、白、紫等鲜亮的色彩，使人感受到豁朗的情感和明达的风格，正是民间艺术单纯明快的装饰性色彩的充分体现。以具有代表性的户县农民画设色体系来说，“色要少，还要好，看你使得巧不巧。”这是户县农民画用色的简要口诀，由此体现了民间美术用色简练的特征。户县农民画诀亦云“红红绿绿，图个吉利”，“红要红得鲜，绿要绿得娇，白要白得净”;“紫是骨头绿是筋，配上红黄色更新”等，都体现了民间美术色彩高纯度、强对比的特征。这种纯粹的色彩运用，使农民画色彩醒目而和谐。其色彩搭配，运用大色块的红丹与品蓝形成强烈的补色对比，而小色块的竹绿、品桃、紫黄色加上墨线稿的穿插，使画面色彩响亮而又简洁明快。用色虽然只有五种色彩的搭配，极为单纯简练，却显得五彩缤纷，绚丽多姿。
民间美术的色彩运用补色、高纯度的色相对比原则，是民间美术色彩选择的主要倾向。人们喜爱色彩，往往喜爱有一定纯度的色相，不同程度的色相对比，可以满足人们对色相感的不同要求。我国历史上的传统色彩调配形式，运用色相对比是最常见的方法之一，其中，补色对比在民间美术中应用尤为广泛，民间美术的色彩搭配体现着朦胧的补色感知，极力显示对比色特有的张力和刺激性。
当然，民间美术的色彩在表现夸张刺激、鲜艳夺目效果的同时，也非常注重色彩的统一和谐。所谓“光有大红大绿不算好，黄能托色少不了”，就表露了追求统一性的色彩意识。 色彩的审美心理不是孤立的，它必然受到一个国家、一个民族的哲学思想、伦理道德的影响，受到整个审美意识的制约。
二、户县农民画中的色彩文化
在中国传统思想和民间习俗的影响下，民间美术中的色彩显现着强烈的民族情感和审美特征，从而造就了民间美术色彩的热烈喜庆的气氛。在民间美术作品中，色彩是民间艺人和受众进行对话的一种独特的文化语言，有着多方面的表现功能。
(一)装饰功能
民间美术的色彩首先是为了饰美娱目。特别是装饰性较强的户县农民画作品，其设色是极富代表性的，用色艳丽浓烈、丰富鲜明，突出吉祥喜庆红火热闹的气氛。画中配色口诀:“红与黄，喜煞娘”，“要喜气，红与绿，要求扬，一片黄”等都体现了这种心理，富有节奏的对比，同时又讲究和谐统一，色彩整体效果鲜艳、热烈、轻松、明快。当然，除了对比热烈、色彩浓重的农民画，也有追求雅致调和的色彩效果，这类农民画在使用纯度较高的色彩后，常以粉蓝、粉绿、灰色、金色等加以调和，又用墨线加以衬托和稳定，因而画面素雅委婉、清淡优雅。即使如此，农民画也仍以喜庆、绚丽、丰富为主。无论哪类色彩的运用，又都是写意不写形，不求现实的真实，色彩在原来基础上更为大胆。
户县农民画诀亦云:“红间黄，喜煞娘;红间绿，花簇簇”，“青紫不并列，黄白不随肩”等，都是肯定原色的运用，色彩搭配体现出朦胧的明度对比，色相、色彩的冷暖以及面积的搭配与对比。明度的对比使画面疏朗、透气，色调清新，而多种色彩冷暖的不同和面积大小的对比则易产生丰富、绚丽、热闹红火的气氛，这种色调风格也正是民众喜爱并表达思想情感的最恰当的形式。同时，色彩的冷暖对比丰富、强烈，极具现代装饰色彩效果。
(二)象征功能
根据心理学的研究表明，色彩最能引起人们奇特的想象，它最能拨动感情的琴弦。色彩效果不仅体现在视觉上，更体现在象征意义上，使大众得到心理上的体验和理解，从而得到心理上的满足。 所谓“象征”，就是用以代表、体现、表示某种事物的一种物体或符号，重视色彩的象征性在我国历史上有着自己的传统。民间色彩象征意义丰富，根据华夏民族古老的五色观进行组织搭配，在五色(青、红、黄、白、黑)的观念内涵上，根据需要去突出某一色的主旋律，以达到表达审美和生存上的追求。在民间美术创作中，对色彩的文化内涵和象征意义的依托是时常要遵循的。“红红绿绿，图个吉利”这句流传在老百姓中的口头禅，作为一般的民间艺诀，可以说是整个民间美术的色彩特征。“图个吉利”是在传统的民间文化观念下表现出的审美观念，以表达求生、趋利、避害等功利意义为主。
老百姓常常是依自己的切身利益和功利愿望去理解和使用色彩。“吉利”所包含的审美意义，在广大民众心目中总是和纳福招财、避害去灾等基本生活需要和世俗意愿交织重叠。户县农民画多是歌颂丰收的田野，欢腾的畜群，崭新的房屋等，其中绿色寓意万年长青，红色寓意四季红火，在民间美术中，色彩是一种喻意和心理暗示，是用色彩与形式的特定形象满足大吉大利，祈福迎祥，发财平安的心理。色彩的作用超出了视直觉与自然环境等同的色彩结构和这种表现形式。
色彩的这种观念性的象征意义被纳入包罗万象的中国古代宇宙论的框架中，与传统的价值观、哲学思想、等级意识、宗法观念、伦理道德相互交融，具有深厚的文化底蕴和丰富的内涵。
三、民间美术色彩选择的文化内涵
从民间美术设色的整体观念和特征来看，对传统的色彩观念有依有背，既遵循了传统色彩的象征、比附意义和内涵，具有深沉的文化底蕴，同时又重视色彩的视觉审美效果，呈现出斑斓多彩的热闹景象。可以这样说，色彩在民间既是观念的、历史的，又是现实的、审美的，它不仅诉诸于视知觉，同时还受到文化传统、环境的制约，包含着丰富的社会内容。因而对民间美术色彩的认识就不能仅仅停留在现象的描述上，而必须对包蕴其中的观念性涵义和文化历史内容予以领悟和把握。
作为一种原生态的、历史演化的视觉表现形式，我国民间美术的色彩是各种因素相互影响的结果，突出表现为深受中国传统设色观念的影响。其中，五色观的影响自始至终贯穿其中。它们与自然、社会和人生诸方面的观念形态相关联，因而具有丰富的比附性意义，这些意义体现着中华民族的共同文化意识。色彩情调与民间文化观念相重叠，深受民众生活的制约，与庶民百姓的生活态度、价值标准、审美情趣是相一致的，具有与生俱来的民族亲和力。这也是其备受关注的原因所在。
我国古人的色彩选择不是建立在对色彩物理性能的科学分析的基础之上，而是以宗教化和伦理化的色彩选择习俗为根据的。早在先秦时期国人就已形成色彩等差观念，众多的色彩被区分为正色和间色两个等级。这对整个封建社会的色彩选择习俗都有支配性影响。色彩等差观念是在五行说的影响下形成的。在强烈的神秘感和崇拜心理的驱使下，古人以五行为中心，用比附、推导等方法，把木火土金水变成5种象征性符号，使之与各种具体的、抽象的、已知的、未知的、经验的、迷信的、自然的、社会的事物相对应。
中国民间美术色彩作为一种物理性的现象也与民间文化观念相关联，被作为一种象征手段加以描述，并延伸、拓展了它的内在性质，与其他事物相联系。色彩与特定的观念相关联的原因，自然也与人的实践活动有着这样或那样的关系，客观自然世界生命循环的特征也表现在自然界有规律的色彩的变换，先民对大自然的现象予以描述、总结，并加以附会，得出了“青、赤、黄、白、黑”这五种基本色相，并体会到这五色与人类的生产、生活实践有着密切的利害关系，所以被中国古代视为五种“正色”，并暗含了吉利祥瑞的意义。随着阴阳五行说的产生与发展，五色被认为是构成世界秩序的成分，并与其他构成成分相对应、关联。在这里，色彩已完全成为一种观念性的阐释和象征性的比附，而不单纯是一种视觉的、感性的知觉形式，人们对色彩的运用成为一种主观的符号和图式，并被赋予特殊的情感和文化理念。
关键词：餐饮空间；主题；结构与形态
中图分类号：J524
文献标识码：A
文章编号：1005-5312（2012）14-0045-01
一、主题性营造与表现意念
餐饮环境主题性营造的表现意念十分丰富,社会风俗、风土人情、自然历史、文化传统等各方面的题材都是设计构思的源泉。从人的社会文化属性来看,餐饮的过程总是与人们的观念文化相关联,人们都希望在一个与自己心理与情感特征相吻合的环境中用餐。通过一定的设计意念营造出某种主题氛围,是餐饮空间主题体现的重要特征之一。设计意念的表现是设计者室内设计论文在设计的过程中揉合了人们的文化观念,它与社会文化、地域文化、人们环境意识以及环境的内在目的紧密相连。随着餐饮空间的性质和类型的改变,随着人们个性要求的改变,环境气氛的要求也会随之改变。无论是轻松活泼的酒吧,还是富丽明亮的中餐厅,餐馆环境的主题气氛总是与场所的性质相联系的。由于人们在长期生活中的经验积累,对事物的知觉具有一定的恒常性,人们总是按生活的经验来估计相应的气氛,这为主题气氛的设计提供了心理依据。
二、主题性营造与表达手法
餐饮空间的主题营造手法就是充分利用各种物质要素来诱发人们对主题的联想,从而形成一种环境的气氛。所谓环境气氛是指环境整体给人带来的某种感受,它通过空间物质形态的有机组合表达出来。主题营造的表达手法有多种:
（一）利用空间的结构要素进行主题营造空间的结构形态一旦与设计师的主题创意相融合,给人们的视觉冲击力是巨大的。它可以利用不同的空间形式及空间形态的比例变化、大小变化给人们造成不同的感受。例如利用矩形餐馆空间的规整、充满理性的特点,营造出一种舒适和谐的主题氛围;利用多边形、圆形餐饮空间的稳定、富有活力的特点,使空间增添动感,营造出丰富、多变的主题氛围。
（二）利用形态符号的要素进行主题营造在餐饮空间的主题营造中,设计师常常采用某种形态符号作为设计的母题。这些形态符号可以与人们的社会文化、地域文化以及企业文化相关;也可以是个人情感因素的体验。人们对室内环境气氛的感知是通过特定的符号信息来传递的,即用某种可以知觉或想象的形态符号来暗示某种不可见的意蕴。
三、主题性营造与形态符号的表现方法
（一）利用装饰形态符号进行主题营造。餐厅中的装饰形态对主题的表达起着关键性作用,装饰形态的造型常常反映着餐饮环境的某种风格特征。可以利用这个特点在基本相似的空间中体现出迥然不同的环境气氛。
（二）利用情景形态符号进行主题营造。室内的景观在一定条件下能使人触景生情产生联想,在餐厅内部环境设计中应当有意识、有目的地重视景观设计。用现代材料创造出自然情趣。由此感受到内在主题的含意。
（三）利用照明形态进行主题营造。照明形态是创造餐饮环境气氛的重要手段,应最大限度地利用光变化,如利用光的色彩、光的调子、光的层次、光的造型、光的范围等构成含蓄的光影图案,创造出情感丰富的环境气氛。
（四）利用色彩关系进行主题营造。色彩在情感表达方面给人非常鲜明而直观的视觉印象。色彩心理、物室内设计论文理学的研究结果提出的色彩心理效果初步规律,为我们分析人对餐饮环境色彩的感受提供了依据。色彩的主题性营造的关键在于以色彩来把握人们的心理,使所采用的色彩能够引起人们的联想与回忆,从而达到唤起人们情感的目的。
四、结语
从以上的论述我们可以认识到:餐饮环境的主题营造是由多种因素决定的,它通过空间形态、色彩、照明、装饰、材质等因素来控制整体环境气氛,并通过一个占主导地位的视觉中心来统一格调,形成整体气氛。环境视觉中心可以是单一的构图要素,也可以是要素的组合,它能够控制环境中的各种因素,对环境主题气氛的形成起着决定的作用。
因此要引起人们的视觉注意,可以通过主题形态的表现来设置引人注目的视觉中心,通过空间、色彩、大小、明暗、质地的对比夸张强化中心,创造出理想的餐饮环境的主题气氛。
参考文献：
[1]卢健.现代餐饮建筑空间设计[M].上海:同济大学出版社,2001.
[2]谢建伟.公共建筑装饰经典[M].北京:中国建筑工业出版社, 1999.
关键词：工笔花鸟画；传承与发展；艺术形式
一、当代工笔花鸟画发展的基本概况
工笔花鸟画是我国绘画艺术中的重要组成部分，具有其独特的发展脉络与体系，工笔花鸟画题材广泛，主要包裹飞禽走兽、花鸟鱼虫、蔬菜瓜果、室内盆栽、桌椅瓶花等等。随着时代的发展，工笔花鸟画在题材、内容、技法、材料、色彩和构图上也在不断发生变化，在继承传统工笔花鸟画风格的基础上也呈现出新的特点。
清代画家石涛说：“笔墨当随时代”，纵观中国绘画史，自唐代始工笔花鸟画作为一门独立学科，五代时经由徐、黄两大流派逐步完善日渐成熟，两宋时期其艺术成就达到了鼎峰，元明清时期走向低谷，虽然在此领域也出现过有所建树的画家，但在整体表现上，题材内容上以及技法构图上都未有所突破和创新。在西方现代观念和时尚文化的冲击下，当代画家们在继承传统工笔花鸟画表现语言的基础上不断探索创新，在题材和内容的选取上更为宽泛，在表现形式和技法上吸取了西方现代艺术的表现语言，把油画、水彩及版画技法运用到工笔花鸟画创作中，在用色上更为大胆，注重光与色调的表现和冷暖、明暗关系的对比，具有很强的色彩感染力。此外在构图上，当代工笔花鸟画家们在借鉴传统“折枝”构图法的同时更是吸收了西方现代平面构成元素，在表现写实性的基础上多了几分抽象性和装饰性。
二、当代工笔花鸟画艺术形态的继承与发展
当代工笔花鸟画在继承传统民族文化和审美精神的同时，更是突破了传统绘画模式，开创了新的艺术形式和思想境界，当代工笔花鸟画家们在取材方面更注重对现实生活的思考和对现代文明的表现，此外通过对色彩、材料、构图等形式的表现来表达对客观物象的理解，充满了意境和感染力。
（一）题材和内容的转变
传统工笔花鸟画在题材表现上多以花鸟鱼虫、梅兰竹菊居多，其立意多局限在高洁、富贵、休闲等题材，多直接用来表现自然景物和作者对生活的理解，具有弄玉的世俗气息。当代工笔花鸟画家们为了抒写个人情感，迎合时代潮流，在充分表达个人创作理念的同时，其创作题材和内容更为宽广，他们把许多现代元素融入到作品中，借鉴油画、版画、水彩和西方现代绘画思想，摆脱对传统题材的束缚。当代工笔花鸟画家郑乃，是大胆革新创作题材内容的领军人物，他不仅擅画传统题材的花鸟鱼虫，梅兰竹菊，还将创作题材拓宽到瓜果、蔬菜、海鲜及生活中常见的物品，这些简单常见的生活用品频频出现在他的作品中，增加了浓厚的生活情趣。郑乃珧先生在工笔花鸟画题材的突破，对推动工笔花鸟画的发展起到了重要作用，此外还有些画家借鉴西方绘画及设计构成元素，使画面具有很强的装饰性和现代性。
（二）构图样式的转变
构图在中国画中又称为“经营位置”“章法”“布局”，主要用来表现画面中各客观个体间的主次、穿插、层次、对比、呼应、虚实等之间的关系。在工笔花鸟画中传统构图样式十分重视章法和布局，随着社会的发展以及思想观念的转变，传统构图样式以不能满足人们的审美需求。由于受到西方现代绘画理念以及西方绘画中点、线、面等构成要素的影响，当代画家们不再拘泥于传统“折枝”构图法，构图形式多样，画家们通过对点、线、面等语言要素的巧妙运用与组合，借鉴西方绘画中的明暗、光影、透视、对比、均衡等法则，在遵循传统构图样式的基础上，融入西方现代绘画及平面设计构成元素，形成新的构图样式，典型的有全景式、化简为繁式及抽象化构图样式，画家们通过对绘画元素的组合、排列、分割等技法形成不同的空间，其画面内容丰富、场面宏大、空间感强，符合现代人的审美需求。
（三）材料及技法的转变
传统工笔花鸟画的主要材料是毛笔、墨汁、国画颜料以及宣纸和绢，其工具和材料比较单一，随着科技的发展和西方文化的渗入，当代工笔花鸟画在工具和材料的使用上有了重大变革，除宣纸和绢以外，当代画家不断尝试在水彩纸、卡纸、皮纸、棉布等材料上作画。在颜料的选取上更是尝试外来颜料在工笔花鸟画中的运用，如水彩、水粉、丙烯、岩彩等，新材料的使用为当代花鸟画家的创作提供了更多的选择余地，激发了艺术家们对新题材、新观念、新形式的表现。
传统工笔花鸟画的创作技法是勾勒、填色和反复晕染，注重对笔墨的运用，强调笔墨情趣。当今在全球化思潮的影响下，工笔花鸟画的发展也受到了冲击，新观念、新技术与新材料的变革，推动了画家们对新技法进行探索和创新。当代工笔花鸟画家们在继承传统“三矾九染”技法的基础上，借鉴了西方绘画等表现形式，形成了拓印法、揉纸法、洗擦法、打磨法、做旧法、喷绘法、拼贴法、点彩法、撞水撞色法等特殊技法，在色彩表现上尤其注重对肌理效果的处理，在增加色彩厚重感的同时又颇具现代感。
（四）色彩观念的转变
色彩在工笔花鸟画中的运用尤为重要，传统工笔花鸟画的用色讲究“随类赋彩”“以墨为主，以色为辅”的用色理念，注重墨与色的结合运用，形成了一套固有的创作经验和程式，在一定程度上制约着工笔花鸟画色彩的发展。在当代，由于受到各种文化以及各种绘画形式的影响，工笔花鸟画在色彩的运用上突破了传统设色规律，画家们通过对色彩的冷暖、明暗对比以及光与色的关系来表现画面的体积感和空间感，并注重对色调的把握来表达画面意境和个人情感，创造出符合时代语言，满足当代人审美需求的色彩表现手法。当代工笔花鸟画家们一方面在继承传统用色的同时，更是借鉴了民间平涂以及粉彩晕染技法，大胆的用色以及物体平面化效果的处理，具有很强的装饰性。另一方面当代的工笔花鸟画家们在当前新工具、新材料、新技法等多元化发展状态下，把西方现代色彩构成元素融入到绘画创作中，通过对光学原理的学习和研究，注重色彩冷暖、明暗、调和、对比等之间关系，强调色彩的节奏感与均衡感，以此来表现作品的意境和个人情感，使画面效果和谐统一。
结语：当代工笔花鸟画在不断探索和创新中所取得的成果，为中国画的发展注入了新的活力。在寻找与表现当代工笔花鸟画时代美感的同时，不仅要贴近大众生活反映都市文明，更要注重对传统绘画语言的继承和对民族文化内涵的表现，既要与时俱M又不失时代特色。
参考文献：
[1]贾广健《现代工笔画名家特殊表现》[M]辽宁美术出版社，2000年
[2]陈诛雅《在当代艺术语境下工笔花鸟画创作之我见》[D]苏州大学硕士研究生论文2012年9月
[3]吕龙《当代工笔花鸟画对宋实之风的继承与发展》[D]西安美术学院硕士研究生论文2013年3月
[4]刘佳《试论当代工笔花鸟画色彩的发展氛围》[J]大众文艺2011（7）45――46
[5]贾晓雯《论当代工笔花鸟风格多样式的发展》[J]读与写（上、下旬）2014（13）247
