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关键词：高师美术教育培养目标教师教育教学过程
近年来，高师美术教育在“艺考热”、扩招热及火爆的艺术品市场推动下，其办学模式发生了深刻变化。多数高师院校打破了单一培养教师的传统，面向市场设置应用型艺术设计专业，形成一种办学模式多元化的强劲态势。同时，在基础教育新课改和以数字化为特征的信息技术推动下，教师教育专业化、教学过程数字化两种趋势也十分明显给高师美术教育带来了新的机遇与挑战。
一、培养目标趋于多元化
(一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点
传统上，我国美术教育大体延续着美术学院工艺美院和高师美术教育三大类型并存的格局。其中，美术学院设置国、油、版、雕、史论等传统专业，培养专业美术工作者和研究人员；工艺美院以实用设计门类划分专业，培养应用型专业设计人才；高师美术教育大体沿袭了美术学院的专业设置，以培养各级各类教师和教学研究人员为专业培养目标。但从上世纪80年代中期开始，这种格局开始发生变化。社会对纯艺术类人才需求量不断缩小，中小学美术教师在大中城市也渐趋饱和，而设计类实用型人才需求量逐年递增。至90年代，设计类专业成了中国美术教育的热点。全国各大美术院校都争相开办设计类专业，而高师美术院校也不甘落后，相继增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业。以教育部属六所师范大学为例，华东师范大学设有综合绘画、美术教育和环境艺术设计三大学科，并按“综合绘画和美术教育”、“环境艺术设计”两个方向招生；东北师范大学设有美术教育、油画、水彩画、中国画、雕塑、环境艺术与服装艺术设计、装潢艺术与电脑美术设计等7个系，其中只有美术教育系为师范类专业；陕西师范大学设油画、国画、视觉传达设计、环境艺术设计等四个系，并按照美术教育、绘画、装潢设计三个专业培养人才；北京师范大学下设美术学、艺术设计两个专业，专门培养从事美术、书法、艺术设计教学、创作、研究等工作的高级人才；西南大学设有美术学、艺术设计、绘画及雕塑四个本科专业，只有美术学为师范类专业；华中师范大学设有美术学、艺术设计两个本科专业，其中艺术设计为非师范类专业；华南师范大学现有美术学、艺术设计、数字媒体艺术等三个本科专业，设有美术教育、视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、新媒体艺术等系，多数为近年来新兴的非师范类应用型专业。
高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象，而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看，这种综合化趋势是从两个层面展开的：一是美术教育的综合化。在以往，美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中，“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化，而是为培养主体多元化开辟了道路。当前，不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业，其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来，并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来，综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年，在欧洲教师联合会上，由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号，认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国，1999年第三次全国教育工作会议提出，要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作，在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月，全国一百多所非师范类院校召开会议，共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》，明确指出：“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变，鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育，是世界教师教育发展的共同趋势，也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明，综合性大学办教师教育，能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势，他们的毕业生后劲足、适应性强，更加受到中小学校和同行的好评，这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。
(二)培养目标多元化推动人才培养模式创新
专业的多元化根源于人才需求的多样化和学科专业的综合化。但在现有的高师本科教学模式下，学科专业化和教师专业化二者间存在着不可协调的矛盾，因而促进人才培养模式创新也是大势所趋。主要途径有：一是形成“大美术”的理念。今天，美术在人们的观念中除了传统的国画、油画、版画、雕塑、水彩外，还有建筑设计、工业造型、服装设计、家具设计、环境设计、广告设计、染织设计、装潢艺术、多媒体网页设计等等，在这些专业中还可以分出多个分支，它们都是美术的范畴。二是实行按院招生制度。当前，多数高等师范院校都撤系建院，并实行按院招生制度。学生入学后不分专业，统一进行基础教学，在充分了解各专业的具体情况及就业形势之后，再由学生选择专业或专业方向。三是创新人才培养模式。在不少高师院校，已经开始试行弹性学制和灵活的人才培养模式。主要有：(1)“2+2”的小学师资、“3+1”的中学师资培养模式。小学师资前两年学习基础公共课和主修专业，后两年进行辅修专业和教育理论的学习与教学实践；中学师资前三年进行基础公共课、主修课程和综合课程的学习，最后一年学习教育理论并进行教学实践。(2)辅修及双专业、双学位模式。许多高校都允许学有余力、并对教师工作感兴趣的学生选择辅修教育类课程，修读双专业并获得双学位，为其以后取得教师资格证打基础。(3)“4+X”的教师教育模式。其中，实行“4+0”模式者，学生毕业即就业；实行“4+2”模式者，学生本科毕业后再读两年硕士学位，培养目标是重点中学的骨干美术教师；实行“4+3”教师教育模式者，采取本硕连读的办法获取硕士学位，学生毕业后可以到美术类高校担任专业课教师。
二、教师教育趋于专业化
(一)“教师专业化”已经从理论走向现实
我国传统的美术教育注重技能训练，因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高，尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔·桑德斯(CarrSaunders，A．M．)于1933年提出来的。1986年，卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告，指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国，1993年颁布的《教师法》明确提出：“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年，《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起，国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出，以至于产生较大的职业可替代性提出来的，意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比，美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深，美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。
(二)促进专业发展是高师美术教育的义务
在我国，高师美术教育从本质上看仍属于职业教育，其课体系基本上是参照美术学院绘画专业设置的，教师专业化程度很低。为此，我国高师美术教育从三个层面来提高未来教师的专业化程度。一是加强专业课教学。教育部于2005年颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》明确指出，美术学(教师教育)专业培养的是“具备初步美术教育教学研究能力的合格的基础教育美术教师和社会美术教育工作者”。根据这一目标，《课程方案》从思想政治和职业道德、人文素养、专业基础、专业技能以及身心素质等方面提出了五条规格要求并从课程体系中辟出一个专门领域——“美术教育理论与实践”，其中“中小学美术教学论”与“美术教育实习”为必修课，“中国美术教育史”、“教学多媒体设计与制作”、“外国美术教育史”、“教育研究方法与论文写作”为选修课，其目的就在于体现课程的师范性。二是增强人文内涵。多年来，我国的高师美术专业一直以培养画家、雕塑家和设计师为取向，注重专业技能课训练，忽视美术史论课学习，这种知识结构已经远远不能适应新课改的要求。新颁布的《义务教育美术课程标准》明确指出：“美术课程具有人文性质。”《普通高中美术课程标准》也指出：“普通高中美术课程具有人文学科的特征。”这在美术课程观上是一个重大突破。在新课程方案中，美术欣赏课被放在突出位置。它不仅需要教师对美术实践有亲身体会，更需要教师具备全面的文化素养，因而需要在美学、美术理论、艺术概论、中外美术史乃至文学、历史、哲学等人文学科有较全面而深入的了解和掌握，还应在教育学、心理学等方面有一定的修养，成为一个具有人文精神和人文素养的人。三是要注重实践能力的提高。一般说来，教师的知识可分成两类，即“理论性知识”和“实践性知识”。其中实践性知识是教师专业发展的基础，在教师的工作中发挥着不可替代的作用。因此，高师美术《课程方案》中的实践性课程达20—22周之多，其中包括社会实践(军训、社会调查、就业指导、劳动等)、毕业创作、毕业论文答辩、艺术实践、艺术考察等，这些都有利于推动学生的专业发展。
三、教学过程趋于数字化
(一)数字化改变了人们关于美术的感知方式
一般认为，美术是一种造型艺术或视觉艺术，它运用一定的物质材料如纸、布、木板、粘土、大理石、塑料等，通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉艺术形象。但是，随着信息技术的高度发展，人们关于美术作品的感知方式越来越技术化了。上世纪90年代后，数字化的印刷、摄影技术高度成熟，大幅广告、精美照片、时尚杂志、网络世界、数码影像等，凡是能够吸引眼球的功能都被商家广为采用，以致导致人们普遍的审美疲劳。而关于美术创作的经典手法，也被数字化时代颠覆了。以前，从设计到完成一幅作品需要花费很长时间，而且对手绘技术要求很高。现在，人们用电脑进行美术创作，摆脱了铅笔纸张、直尺圆规、颜料调色盒等绘画工具限制。即使是一个没有受过专业美术训练的人，只要使用Photshop等普通绘图软件，也可以制作出令人满意的图片来。不仅如此，数字时代还促生了以美术学为基础的创意产业，尤其是广播、电视、动漫、环境、设计、广告等新兴产业的迅速成长，对高校美术教育形成了强大的拉动。为适应这一需求，许多高师类院校都开设了基于信息技术的艺术设计专业。比较典型的有；动漫设计与制作专业，主要培养能在电影、电视等媒体的制作岗位上从事三维动画创意及制作等方面的专业技能型人才；图形图像制作专业，主要培养能在电影、电视、广告、新传媒等媒体的制作岗位上从事后期合成、电脑剪辑、特效制作以及影视作品技术处理的专业技能型人才；游戏动画设计专业，主要培养能够在游戏制作领域胜任原型设计、模型制作、纹理制作、动画调试等岗位的工作，并进行创作和理论研究的技能型人才，等等。这些人才的知识与技能结构与传统美术人才相比有很大的区别，他们所从事的美术活动很难以传统的美术概念来界定与归类，但往往又有着广阔的发展前景，因而也引领高师美术教育不断调整人才培养目标。
关键词美时代调和引导审美标准
在变化更为深刻的新世纪，人们的思想、行为方式、价值观念都发生了翻天覆地的变化。艺术，作为一个体现人类思想、观念和生活方式之具体变化的风雨表，更是呈现出一种前所未有的开放状态。面对这种开放和包容，寻美的艺术家相反迷失了方向：似乎越是追寻美的脚步，美却离他们越来越远，对他们而言，美成了水中捞月的代名词。于是更多的艺术家开始惶惑不安，开始怀疑传统的一系列美的法则，甚至质疑：当代还存在美吗？提美这个词还合时宜吗？面对这个问题，我只想说：任何时代都存在美也需要美，当今也不例外，而且美仍然会打上时代的烙印，只是我们还应看到美还会引领时代的发展。下面我就这点谈谈自己的想法：
第一，美体现时代的精神。
柏拉图讲：“美是难的。”这即是说，美是什么的问题是难以理解和回答的。wwW.133229.COm莱布尼兹说：美是一种“我说不出来的什么”。歌德认为，美是一种“不可言说的东西”，“美是费解的，它是一种犹豫的、游离的、闪耀的影子”。托尔斯泰讲，什么是美的问题“是不能加以科学说明的”。由于解决和回答美的本质问题让这些智者犯难，使人们大伤脑筋，感到高深莫测，神秘费解，所以对美的诠释也是仁者见仁，智者见智。黑格尔、丹纳就深信美与时代是密不可分的。黑格尔曾根据时代精神（即体现在历史中的绝对精神）把艺术史理解为象征、古典、浪漫三个阶段的发展过程。可以说黑格尔美学和艺术理论的最大贡献，不在于其具体结论，而在于他把艺术的风格和历史与时代精神紧密地联系起来。丹纳也曾把古希腊、中世纪和文艺复兴对美的不同见解归之于那个时代的特点。所以说美是主客观的统一体，它不可避免地带上社会生活与时代的烙印。
确实在人类社会，时代不同，美亦有所不同。原始社会，存在图腾崇拜。这是因为，图腾象征氏族与血统的特性，吻合了氏族部众怀念先民尊崇本部氏族的意念指向，形成了美。奴隶社会，出现人面狮身的雕塑，出现饰有虎头纹饕餮纹的青铜器，是因为当时居统治地位的奴隶主，崇尚兽性的野蛮和凶猛。这类形象，其特性契合了统治阶层需凭借兽性的凶猛和神异的恐怖性力量进行残暴统治的意念指向，成了当时美的形象。中国封建社会，龙凤视为祥瑞，为人心所倾慕，故龙凤图案成了美的图案。至于上个世纪毕加索的怪异绘画，荒诞派的戏剧，西方人视为美的杰作，都与这些作品的特性吻合了西方一个时期内人们变态荒诞的心理倾向有关，都能从战争的恐怖症后遗症中找到原因。凡此种种，都说明美与审美标准是随时代的变化而变化的，而且美本身也参与创造时代精神。
第二，美引领时代的发展。
不可否认，美与时代就像孪生同胞，如影随形，但是当今一个“怎么都可以”的世界，一个全面解构的社会，。那么，反映时代精神的就一定是美的吗？
大家知道，我们处在一个高消费的时期。物质财富以惊人的速度和规模被创造了出来，信息产业更是以无孔不入的方式渗透到人们的日常生活中，潜移默化地左右着人们的思考与选择，并进一步刺激人们日益膨胀的消费欲望，从而使我们丧失了一种简朴精神生活状态，促成了因当代物质过剩所造成的精神贫乏状态。另一方面，任何商品化消费（包括文化艺术），都成为消费者社会心理实现和标示其社会地位、文化品味、区别生活水准高下的文化符号。所以艺术的生产化，精神的表面化，庸俗化是不可避免的。艺术品生产者们极力追求表面形式的悦目，以看似有意义的社会学及哲学性的词句来包装这些实际上内容浅薄的视觉产品。这样，到处充斥着低劣，糟糕的作品和晦涩难懂而不知所云的批评文章。一如我们的生活中充斥着伪劣的产品。这些伪艺术以及投机者们在前卫艺术的标签下的一切行为都显得理直气壮，他们将浅薄无知，精神的贫乏藏在这样那样的主义和各种口号式的振振有词下面。其实这些人自己也不知道到底要干什么！他们只是用“文化”，“精神”，“主义”之类的词语装点门面罢了。昨天还在大喊追求精神的终极意义，今天就转而要消解精神的终极意义，并宣称只有眼下的东西是有意义的；昨天还煞有介事的进行艺术哲学的形而上的探讨，对生存的意义作严峻的思考，今天就极力鼓吹艺术数字化的积极时代意义。他们的变化鲜明而迅速，如古谚云：识时务者为俊杰。孰不知他们只是攀着时代潮流里的浮木，他们以为形式的刺激加上一个时髦的点子就可以做出好的作品，跟上时代就可以展示美、追寻美，其实技术的精致（现在很多人连这一点都达不到），形式的刺激是可以制造出来的，但是精神的震撼却是不能制造的，那是艺术家用心力，智慧，修养，技艺和虔诚乃至痛苦（伪劣的无效）铸就的，而非机巧所至，更非简单跟随潮流就可以体现美的。相反，越是追求表面形式的刺激，越显示其精神内核的空洞.我相信，无论在任何时代任何地方，衡量艺术的标准只有：好的与不好的。而没有过时或时髦的。好的作品永远会绽放智慧和感人的光芒，而低劣的作品无论在聚光灯下显得多么漂亮精巧，多么时髦，却不能改变它低劣的本质。而美，它永远不与低劣、空洞为伍。
一位哲人的一段话很适合用来形容现在的艺术界：“时代使人对于日常生活中平凡的琐屑兴趣予以太大的重视，现实上很高的利益和为了这些利益而做的斗争，曾经大大的占据了精神上一切的能力和力量以及外在的手段，因而使得人们没有自由的心情去理会那较高的内心生活和较纯洁的精神活动，以至许多较优秀的人才都为这种环境所束缚，并且部分地被牺牲里面。因为世界精神太忙碌于现实，所以它不能转向内心，回复到自身。”所以如果有人简单而肤浅的说在当代具有时代精神的作品就是艺术，就是美，那未免太亵渎了艺术，亵渎了美这个字眼。那么是不是美与时代的关系在这里也已全面瓦解了呢？显然不是，美与时代的关系面对当今的特殊只是扮演了一个特殊的角色，即我们不难发现那些真正美的、有生命力的艺术并不就是时代的代言人，它更是时代的领军人。正如康定斯基所说：“艺术家是预言家，他们开辟道路，指引方向，走在时代的最前头，拖拉着一车车彷徨迷惑、牢骚满腹的普通民众-----今天还是仅适用于内在和谐的法则，明天就会被用来支配外部世界的和谐-----艺术家是构造一种文化的强有力的国王。”
记得俄国批评家巴赫金当年在对陀思妥也夫斯基的小说“复调性”的认识时指出,“在陀思妥也夫斯基长篇小说中,一切莫不都归结于对话,归结于对话式的对立,这是一切的中心。一切都是手段,对话才是目的。单一的声音,什么也结束不了,什么也解决不了。两个声音才是生命的最低条件,生存的最低条件”。巴赫金在当时就盛赞陀氏小说开启了一个无限性的空间,因而陀氏小说比托尔斯泰的作品更为伟大,这在20世纪20年代时还显得观点突兀、激进,但在时隔70多年之后再来看,托尔斯泰代表了他所处的时代,陀氏则代表了他所处的以及直到今天的时代,可以说陀氏小说是更有生命力的。所以一部文学作品,并不是一个自身独立、向每一时代的每一读者均提供同样的观点的客体。它不是一尊纪念碑,形而上学地展示其超时代的本质。它更多地象一部管弦乐谱,在其演奏中不断获得读者新的反响,使本文从词的物质形态中解放出来,成为一种当代的存在。
总之，不管时代怎么变，生产条件和人民的生活方式怎样变，我们对美的追求仍会一如既往，尤其在物质日益丰富精神日渐贫乏的当代，美是我们心中的一方净土，一剂精神的良药，它将继续引导人们如何“诗意地栖居”。
参考文献
1、《艺术概论》王宏健文化艺术出版社2000年第1版
2、《艺术哲学》丹纳人民文学出版社1981年版
3、《美术概论》王宏健高等教育出版社1994年第1版
论文摘要：中学美术课是对学生进行审美教育的最好课堂，能使学生在少年青年时期就形成正确、必要的审美情趣与审美观点，进而培养他们从小就受美的熏陶，懂得美丑之分。那种因美术课在中考中不占分值，误认为是一种闲科，把它称作“副课”的认识和做法是极端错误和有害的，这是片面追求升学率形势下的产物。初中生正处在思想从幼稚走向成熟的过渡期，也是个性形成的重要时期，这时的青少年具有较大的可塑性，所以这个时期的审美教育对他们今后性格的形成起着关键的作用。因此，上好中学美术课，提高和创新美术教育课堂艺术，是新课改的一个重要组成部分。每个教师都应该积极探索提高课堂教学质量的教学艺术，按教学大纲要求，任善任美地完成自己的使命。
美术课的成功取决于教师教得成功与学生学得成功两个方面，这是辨证的两个组成部分，缺一不可，只有双方和谐到了极至，那么美术课的教学就能取得成功。因此，美术教师必须首先从“教得好”来带动“学得好”，从而走向美术课教学完美的顶点。
由于美术课每节内容和要求不同，上课的形式也应是多样的，可能每堂课会各有特点，因此按照旧有教学模式照搬照抄老师讲，学生听这种模式，早就跟不上形势与教学发展的步伐了。随着新课程改革不断的推进，我们在美术课教学中常用“导入”、“示范”、“讨论、合作”、“巡回指导”、“学生作业评价”等多个环节与分阶段来引导学生主动参与，即必须让听课同学来动脑、动手（实践操作），达到充分地调动学生的学习积极性，发挥学生的主观能动性，让他们有想象和创造与实践的空间，想自己所想与做自己想做的东西（作业），这样，才能使学生对美术课的学习始终保持浓厚的学习兴趣。Www.133229.cOM
一、营造轻松愉悦的课堂环境
教师进入课堂，不能一味地严肃过分，绝不能让学生在听课时感到有丝毫的压抑，相反，生动幽默的插曲式的开场白，能给学生感到轻松愉悦，很快能被教师的话所吸引，并注入自己的兴趣，换言之即是学生的思维会不自觉地被教师牵引着往纵深走去。美术教师尤具需要这种课前导入艺术。
“色彩中的三原色是什么？”在新学期的第一节美术课中，我这样提问。同学们立即纷纷举起了小手。“杨博士，你来回答”，正当同学们在惊奇我是如何知道这个成绩最差的“杨博士”的名字时，“杨博士”支吾了半天，终于回答出了“红、黄、蓝”这个正确的答案。“非常正确，回答得十分好！看来，杨博士，真是名副其实的啊！您不仅人长得帅，问题也回答得很美，希望在新的学期里你能够成为我们班级中成绩最帅的小博士。”我的这几句赞扬话引来了全班同学善意的笑声，再看看“杨博士”，平时一向低着头的脸早就灿烂成了一朵美丽的玫瑰花，心里当然十分开心。与此同时，“杨博士”对教师也产生了由衷的敬佩，他的自信也就在教师的赞扬与同学的鼓励中油然地萌生。无疑，这几句正面鼓励的话语使这位原来成绩上较差的学生看到了自己并非全无是处的一面，教师和同学给予他的无异是一种由差转优的最好的心理催化剂和原动力。而其他所有的同学也都分享着“杨博士”的喜悦，课堂气氛顿时十分活跃，注意力高度集中，在这轻松愉悦的气氛中，大家聚精会神地听着老师上课。当然，今天老师要讲的有关三原色的课堂内容顺理顺章地按备课准备的步骤一步步渐进，课堂上有讲、有问、有答，大家毫不拘束，动脑、动口，听得津津有味。不知不觉中，该授的内容已经完成，教学目标已经达到，此时，下课铃响了，然而学生们感到这节课太短了，感觉到言犹未尽呢，至于这堂课的质量，那就不言而喻了。
二、设计引人入胜的导入教学
俗话说：“良好的开端等于成功的一半”，课堂教学亦一样。美术课中的探究是学生积极主动地获取美术知识、领悟美术技能技巧而进行的各种活动。根据中学生好奇心强的心理特征，美术课开始就不失时机地诱发学生进入角色，是提纲挈领的重要环节，这个环节抓好了，就会取得良好的学习效果。
在学习《服装的搭配》一课中，我预先准备好了各种款式、各种颜色的服装。上课前我首先请一些同学上台试穿准备好的各式服装，此时坐在下面的同学都纷纷表现出了兴奋的表情，还纷纷提出了自己的意见。“这件款式不适合”、“他穿的颜色不好看”、“那件衣服太棒了”，很多同学都举手发表自己不同的看法。此时全班同学都思想集中到一点上，达到了心往一处想的境界，同时也都沉浸在欢乐中，课堂气氛特别活跃，大家一致在思考：服装该如何来搭配才好呢？在轻松愉悦的学习氛围中，已经自然而然地引出了课题《服装的搭配》，学生也极有兴趣地听着老师讲授《服装的搭配》。这样的导入确实是收到了事半功倍的效果。
三、注重有个性的示范教学
美术教学是一种直观的形象教学，需要通过教师采取一系列的教学方法和教学手段，向学生传授美术方面的知识、技能和技巧。而在整个教学过程中，示范教学发挥着不可替代的作用。
如在《徒手画校园》一课中，教师展示了很多平时所画的一些速写，先让学生们观摩，这样一下子就让学生们来了劲道，同学们用羡慕和敬佩的目光看着老师的画，不禁发出由衷的赞叹：“哇！真漂亮！”、“画得真好啊！”此时的学生，最想了解的是这些画是怎样画出来的呢？在接下来的教学环节中，是老师拿出了铅笔快速地画了一个卡通的人物，这时候，全班鸦雀无声，学生伸长脖子，高度地集中在教师的示范动作上，学生的胃口被吊起来了，学习的积极性和主动性很快被调动起来，大家都已经是跃跃欲试，都想自己一试身手了。在老师的简单示范下，学生都不自觉地开始在纸上画起来，而且是那样地认真和投入。就这样，教师的示范教学在课堂中得到了意想不到的良好作用，教师示范良好的效果最终是完成了一堂极其完美的教学课。
四、改变满堂灌式的教学程序
在美术课中，采用小组合作的学习方法既能够发挥学生各自的长处，又能提高同学之间的团结协作的精神与作用，能使美术课完成教学目标起到“水到渠成”、“瓜熟蒂落”的效果。
在讲授《校园环境标识设计》教学时，通过创设情境，请几个同学来回答学校中还需要哪一些校园环境标识的设计。教师首先引导学生同桌相互交流。“把你看到的与你同桌的同学互相说一说。”然后，以四人小组交流，最后，再由四人中的一人在全班发言交流。教师提示，让学生感知：哪些地方需要环境标识设计？怎样来设计？最后大家来确定如何为我们学校的公共场所设计出环境标识。如：食堂、多功能厅、实验室等等。学生先通过小组合作探究，讨论如何来设计校园环境标识，讨论中学生们见仁见智，各抒己见，并且都表达了自己对标识设计方案的理念与表达形式，分组集中讨论后，发表意见的学生到讲台上都说出了各组各同学不同的设计方案与表达形式（即图案）。有的说：“用男女不同的体型来设计男女洗手间”，有的说：“用五线谱音符来设计音乐室”，有的说：“用一个在运动的人形表示体育活动室”。还有的人说：“用一台电脑，作电化教室标识”，“用一只手掌，一条腿打上边‘×’作草坪绿化带标识”，“用一本打开的书上放一支钢笔作阅览室标识”如此等等。总之学生们是用足了脑筋，选取最印象最直截了当的图案来作标识，这些标识理念新颖深邃，形象鲜明简洁，很有创意性和实用性。由于学生各自对事物的理解观点、设计意图的不同，结果得出了各种不同的设计思路与图案表达方式，但是这些设计思路都是有依据、有创意，不肤浅。学生的思维创造，爆出了灿烂的火花，使教师自己也大吃一惊。于是，教师都一一给予了肯定和赞扬，这样，我让全体同学体验到了自己成为一个小小设计师的成功和喜悦，这一堂课学生们都对自己的作为充满了深深的成就感，不用至疑，这确是一堂收获巨大又十分成功的美术课。
五、引入科学激励的评价体系
叶圣陶先生说过：“批改不是挑剔，要多鼓励，多指出优点。”新课程改革，给我们提出了严峻的挑战，因此，必须客观地分析现实，同时必须建立起新的评价体系。如果我们用：“画得太小了”、“画面太脏”、“画得不认真”等等，去挑剔学生作业，甚至于将学生作业撕掉，要他重画这样的简单粗暴方法来对待学生，只能使学生对美术学习受到严重打击而越来越失去信心，渐渐地就会失去学习美术的兴趣。这样的评价显然是教师对评价目的还理解得不够，简单粗暴、专断的行事，对学生的教育也可能带来负面消极的影响。其实每个学生都有一定的闪光点和可取之处，教师应十分注意发现孩子身上各种不同的甚至极其细微的优点和长处，并尽量使其放大和扩展，努力使其能得到正面引导与鼓励，形成进步动力，继而在这门功课上能得到发展。“你能动脑思考,但还须进一步考虑”，“你真棒，再想想、改改，肯定还要好”，“理解了，但总结得不太全面，要再深入一点就会更好”,“相信你再下些苦功一定能行的”等等。这样的评价，以鼓励为先导，话语也温和亲切，使学生能时时感到老师的亲切与温暖,老师对自己的关怀。这样，才能使学生乐于做作业，乐于改正作业中的缺憾与错误,同时能促使其进行自我反思，达到提高。新课程改革的这种评价，将使每一个学生都努力向“成功”进军，最后成为成功者，这样激励性的评价，不但能促使学生的潜能得到最大限度的发展，也能让学生知难而进，去攀登一个又一个高峰。
六、精心拓展美术第二课堂
初中生课业负担较重,学生也觉得自己长期处于紧张的学习状态中。因此,在美术课外活动中如何让学生放松心情、陶冶情操就显得尤为重要。美术课的活动内容广泛、形式多样，要让学生能在自由的空间中进行各种美术活动,从而有利于丰富学生的精神生活、陶冶高尚情操,发展学生思维力、想象力和动手能力,同样也能激发学生对美术学习的浓厚兴趣。
经常组织学生参观美术展览、美术知识讲座，美术、书法比赛，学生美术作品展、班级校报评比、个人手抄报比赛等各种活动，能促使学生在活动实践中增长自己的才智，借于丰富自己的创造力、想象力。学生们从此类活动中能真正体会到劳动的乐趣和他们自身的价值体现，体会到创造性劳动的愉悦和成功，从而使学习的兴趣渐增和形成良性的循环。
在地方课程21课《东明山森林公园》中，我利用课外活动时间组织了部分学生参观了园内及其周围的东明寺、沈括墓、张浚墓、赵鼎墓、瑶山祭坛、土垣遗址、九度关隘等等本地诸多闻名于世的人文历史景观和美丽的自然风景。通过游览和观赏东明山森林公园，学生不但拍下了许多美丽的风景照片，回来后又完成了一幅幅具有东明山森林公园特色的优秀作业，圆满地完成了预先的教育目标。
美术是美的教育，美时时刻刻就在我们的生活中。我们应该积极引导学生时刻关注美、感受美、欣赏美、享受美。把美术教育与学生的日常生活实际紧密相结合,并以此来激发学生进一步学习美术课的兴趣。
随着科学技术的飞速发展，多媒体——21世纪以来计算机领域发展的新技术，以其计算机的交互科学性、界面友好性、反馈及时性的特点，在教学中集图文声像多形态信息为一体，使复杂知识简单化；使凌乱知识条理化；使虚幻的美术形象具体化；使课堂容量扩大化。弥补了课堂教学的不足，给美术教学增添了无穷的魅力。
高尔基说：“人的知识愈广，人的本身也愈臻完善。”美术鉴赏对于开阔人的视野，扩大知识领域的作用，主要体现在通过对古今中外优秀美术作品的欣赏，使人们形象地接触到个人生活经历远远不能涉及的广阔领域和生动丰富的知识，而运用多媒体教学就可以达到这种效果。综合课堂实例，利用多媒体教学有以下优点：
一、引情激趣，营造氛围
“兴趣是最好的老师”，兴趣对学生产生的影响，远远超过教师的督促和简单的说教。根据中学生的心理和思维特点，恰当的运用多媒体教学，创设教学情境、营造良好氛围，很能激发学生的学习兴趣。学生学习美术的兴趣主要是对形象具体，形式新颖的事物容易引起好奇，演示型的多媒体课件能将文字、图像、音乐等直观地展示出来，为学生提供生动逼真的教学情境、丰富多彩的教学资源，为学生营造一个色彩缤纷、声像同步、能动能静的教学情境，从而激发学生的学习兴趣，充分调动学生的视觉、听觉等多种器官，把学生在美术课堂上的审美体验推向。美术教学的传统模式是“以教师为中心”的“教师教，学生学”，并以传授知识、经验为主。传统的美术教学虽已注重动手操作和欣赏评论，但美术课的教学方式几乎没有大的改观。艺术教育必须坚持培养审美素养和创新能力的导向，把多媒体计算机技术融入美术课堂教学，则可以激发学生学习兴趣，激励潜在的学习思维能力，提高课堂教学的效率。比如欣赏古今中外的优秀作品，传统的教法是以教师按照教材上很有限的作品讲解、照本宣科的方式来完成教学任务。而多媒体则可以把大量的作品图片、文字、音乐和视频结合起来让学生直观感受和欣赏，这样的教学方式方法既丰富了课堂教学内容，又可以直观完美地完成欣赏课的教学任务。美术教材中有诗情画意的中国画，也有浪漫古典的西洋画；有独具特色的中外建筑，也有令人感叹的中外雕塑。美术情感所表现的多姿态的美，对学生会产生强烈的感染作用，教学时充分利用多媒体教学手段挖掘教材的内在美，增强学生对美的感受和理解，调动学生欣赏美术的积极性，而且能以趣激思提高教学效果。
由此可见：学生在美术中感受美的个性心理受到情绪的影响，而情绪受到心境的制约。因此，美术教学中必须营造一种学生易于接受、学生感兴趣的环境气氛。学生对美的感受是由美的声音和美的作品对大脑的直接印象所造成的。所以，图文声像有机结合的多媒体教学手段来辅助教学能激发学生的情绪、调动学生的主观性，同时也很大程度的提高了教学效果。
二、运用电教媒体唤起学生的美感
学生的兴趣集中并偏向于媒体音乐、文字、声音、图片、动画、电影、动态视频等多媒体综合信息。美术教育又是对艺术作品的认识、接纳的过程。中学美术课中要使学生成为学习的主体、认识接纳艺术作品的载体，适当的运用电教媒体辅助教学，可以营造与美术主题相匹配的教学情境，有助于唤起学生的美感。如：我在讲《中国古代山水画》一课时，通过电教媒体播放古筝曲子《高山流水》，随着优美的音乐旋律，屏幕上出示了一幅幅如诗如画的山水画，学生被声像为一体、图文并茂、情景交融的中国画陶醉着，感染着……有的学生闭着双眼尽情的发挥想象，有的学生随着乐曲哼唱，有的学生两眼注视画面，聚精会神的倾听。在这里，音乐美加上画面美展现了中国山水画深邃的意境美，使美术如一股暖流缓缓流入学生们的心田，激发学生的情绪、调动学生的主观性、提高学习美术的兴趣，这样不仅提高了学生的素质，又极大地提高了教学效果，增强了学生们对美的感受。同时也很大程度的提高了教学效果，为教学打下良好的基础。
三、运用电教媒体增强学生对美的体验
美术欣赏课是学生通过视觉来接受知识信息的。它强调以容纳古今中外的绘画、雕塑、建筑、工艺美术于一体，包含有丰富的美术知识，能有效地提高学生的审美素养以及美的感受力和理解力，但时间一长，就会造成视觉疲劳。所以在教学中，我充分利用了多媒体进行教学，用更加丰富多彩的教学形式优化了欣赏课的教学结构，使学生在直观、具体、生动、有趣的课堂气氛中，学会了更多的美术知识。当欣赏一些作品时，学生对单一的听老师讲解感到枯燥、单调，使得学生在欣赏美术作品时显得很被动，学生的注意力也容易分散，老师的教学也达不到很好的效果，而充满美感的媒体音乐、文字、图片、动画、影像等多媒体综合信息，则能自然地调动起学生欣赏美术作品的积极性、主动性，学生会在老师的引导下主动去感受美术的艺术美和形式美，学生在欣赏优秀作品和美妙音乐的同时，脑海里产生种种生动的想象，好像身临其境一般，并激发起了强烈的创作欲望。在美术欣赏教学中，使用多媒体辅助教学，不仅能提高学生对美术的兴趣，而且也扩展了学生的想象和思维空间。因此，在美术欣赏教学中，我巧妙的运用多媒体进行教学，取得许多意想不到的效果。特别是高中生，他们对知识的需求空间很大，媒体教学能充分发挥他们的主体作用，调动他们的学习积极性，引导他们主动投入欣赏活动中，创造一个良好的艺术氛围。
四、运用多媒体有利于多元化文化的渗透
知识爆炸，知识激增，使人们的传统教育观念发生着改变。老师的角色将不再以信息的传播者或组织良好的知识体系的呈现者为主，其主要职责应从“教”学生，转变为“导”学生。学生获取信息的能力已成为最基本的能力，传统教学的那种单一式的一支粉笔一面黑板的教学模式，将逐步被交互式很强的以计算机辅助教学为代表的现代教育技术所替代。
美术是一门形象直观的空间造型艺术，它和形象直观化的多媒体教学有着更密切、更直接的关系，这是其他任何一门艺术所不及的。
在美术教学中，常会遇到“只可意会，不可言传”的现象，在此情况下，仅靠抽象的语言，容易使学生畏难而退、思维抑制，甚至会丧失学习自信心，而多媒体教学则可以有效地解决这一问题。然而，如何在教学过程中充分发挥而又恰当地使用好多媒体，如何真正发挥多媒体的功能，起好辅助美术教学的作用，是很值得研究的。
一般来说美术教学是美术理论和基本技能的结合。一方面，美术教学的宗旨是启发学生的学习兴趣，激发他们的想象力，拓宽思维，寻找和挖掘作品美的真实性和艺术效能。因此，教学形式主要是以一系列的审美活动为主线，是融美术史、美学、美术评论和美术设计、创作为一体的。另一方面，美术教学又是一项实践性很强的学科，在这个阶段，教师向学生传授各种基本艺术形式的表达方法，即基本的技能技法，使学生能够运用一定的材料，创造出具有一定空间和审美价值的视觉形象艺术。133229.CoM应该说这两个方面的教学过程是互为依托、相辅相成的，其中信息量的传递是必要的环节。美术教学的目的之一就是通过让学生观察物象，体验其审美，培养其造型能力。美术教师一般通过直观教具、直观示范、直白语言把自己对艺术形象结构的认识、表现技法传授给学生。而多媒体计算机最大的优势就是集文本、图像、音乐、动画于一体，真实地、直观地反映虚拟的客观物象，教师利用多媒体技术这一优势，制作适合学生学习的美术课件，让学生欣赏、观察客观物象及艺术作品，使其提高审美鉴赏能力和造型表现能力。美术教育面对的是全体学生，侧重的是素质教育，在传统的“用笔”画的教学模式没条件实现时，可用电脑让学生了解各种技法，让学生了解各种画种的表现技法与艺术特点，开阔视野、陶冶性情，学生不用带绘画颜料、调色盒、画笔、画纸等工具材料，只在电脑上操作，就可以大致上了解作画过程与特点。在美术教学中使用电教手段，创造与教学内容融为一体的生动形象的情境，激发学生学习美术的兴趣，充分发挥电教媒体的作用，从而提高了美术课教学的效率。
现代教育技术支持下的美术教育应包括两方面培养目标内容，一是让学生学习计算机绘图、设计技能。二是让学生掌握现代信息技术技能。因为“信息的获取、分析、处理、应用的能力将作为现代人最基本的能力和素质的标志，从小培养学生掌握和应用现代信息技术，是信息社会对人才的基本要求，也是增强综合国力的重要组成部分。”
现代教育技术只是教师的一个工具，就像“粉笔”“板刷”一样，运用自如、得心应手，会起到较好的辅助作用，但又并非起决定作用。起决定作用的是教师是否有过硬的教学基本功。在多媒体美术辅助教学过程中，教师能否调动起学生学习美术的积极性，是美术教学的关键。所以，教师既要有电脑操作功夫，又要有扎实的教学基本功。
在现代教育技术的支持下，美术教育教学向着更直观、更便捷、更综合的方面发展，它所培养的学生应是更富有审美、更富有创造性的。在现代美术教育里，现代教育技术的应用也是一种最终达到通过美术教育培养更富有创造性的学生这一目标的方法和手段，它势必影响着我们推动着美术教育向前发展。
多媒体电脑作为视觉信息处理的新型媒体，是传统的画纸、画布在层次上的延伸。尤其是它的艺术表现形式的多元化(静态的、动态的或交互的)和绝妙的色彩以及快捷的速度都是任何一种传统绘画工具所无法比拟的。对美术专业尤其是工艺装潢专业来说，目前都有对应的绘画、设计软件的问世和不断升级，从而组成了一个庞大的“电脑美术创作系统”。如：著名的软件有电脑平面设计coreldraw、photoshop和三维立体动画3dsmax等可以随心所欲地进行绘画设计，并能使质地、凹凸、合成、平面、立体等方面进行再现，几乎乱真，使创意与作品之间的差距消融了。
计算机设计软件所拥有的明显的优势是具有卓越的表现力：
1、它不仅能达到传统绘画工具所具有的效果，还可以创造一批神奇的新工具。任意进行图片的拼贴、剪辑和蒙版合成。
2、集摄影、设计和制版于一体。
3、修改方便、成本低廉。
4、所见即所得。是提高学习效率与设计表现力的得力工具。
在进行多媒体教学与创作的实践中，无论是教师还是学生都会程度不同地接触到计算机的使用和操作的问题。而一旦接触到这个问题，他们首先会被这种神奇的现代化工具所吸引，继而产生要迫切掌握计算机技术的动力。这从另一个角度促进了计算机的学习。而计算机的掌握对每一个有知识的中国公民来说只是一个时间问题，是一门必修课，是对培养具有现代意识的美术人才的一个促进。对美术教师来说，学习掌握计算机既是社会大环境的需要，也是教育教学和专业深造的需要，是社会的需要也是个人的需要。
现代美术设计已发展到创造者能直接运用计算机来绘制图形和设计形象，平面的和立体的、静止的和动画的、精确的和粗略的……形式风格完全根据设计者预想设计完成。美术教师应掌握其中基本的三个软件操作技能：
(1)coreldraw软件。coreldraw软件是corel公司推出的矢量图软件。它可以提供给设计者绘制平面图形，进行图形排版，加入文本等工作。用户可以通过该软件设计出优美的二维图形。
(2)photoshop软件。photoshop软件是当今世界最强大的位图处理软件之一，是由adobe公司设计的。该软件功能强大，广泛应用于印刷、广告设计、封面制作、网页图像制作、照片编辑等领域，深受广大用户的青睐。
(3)3dsmax软件。3dsstudiomax软件是三维动画制作软件。它是由autodesk公司在3ds{udio基础上重新设计开发的动画制作产品。拥有建模、灯光、材质、动画、艺术效果等多方面功能。可设计出模拟真实的三维空间。
美术教师对这三个软件的学习，既是现代美术设计发展的需要，又是奠定掌握设计多媒体美术教学课件的基础。
未来的社会是一个学习化的社会，教师为适应不断发展变化的科学技术，就得具备自我发展、自我完善的能力。要不断地提高自我素质，要不断接受新知识、新技术，及时更新知识结构，以使自己的教育观念、知识体系、教学方法跟上时代的变化。
21世纪的美术教育必将更加重视知识与知识、学科与学科、专业与职业之间的联系和统一。教师只有以现代知识和技术不断充实自己，才能跟上时代对教育的要求，才能在教学过程中更好地发挥自己的知识传授水平。为适应现代信息技术对传统教育活动的冲击，教师必须做好角色的转换。只有在教育观念上跟上时代的发展，在教学过程中明确自己的职责，在教育发展中加强自身的提高和发展，才能肩负起培养21世纪人才的重任，才不会被时代淘汰。
从多媒体cai视听教学的实践中，我们体验到现代方法给教学所带来的清新愉悦的气息。当然，多媒体辅助教学是一门新兴的学科，还有许多问题值得我们去实践和研究。在今后的教学中，要勇于探索，不断实践，摆脱传统教学方式的束缚，充分发挥其在美术及其他学科教学中的优势，进一步提高课堂教学质量和效益。
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现代艺术家尤甚。艺术家们往往同时在绘画、雕塑、设计等各方面成就斐然，从文艺复兴的米开朗基罗到后印象派的劳特雷克，再到现代艺术的毕加索、杜尚、安迪•沃霍尔，他们在艺术创作中往往跨越了所谓FineArts的范畴，实现了“大美术”的概念。整体来看，西方现代美术教育中较为注重材料的解构和创作观念的展现，对艺术基本技巧的纯熟并不给予更多关注，学生往往被要求对某种“物”或“观念”进行解构，进行自己的各种艺术实验，并选择符合自己需求的材料和表达方式，从而形成独特的路径来完成自己的艺术作品。这种作品可能以某种传统的纯艺术的方式呈现，也有可能以更加“现代”的“大美术”形式呈现，这取决于学生自己的表达需求。教师作为引领者，只对学生作品进行建议和点评，不直接进入作品制作过程本身。中国的高校美术教育系统建立于20世纪50年代，受到当时苏联美术教育系统的影响，艺术门类间区分明显，重视基本技巧的训练，对纯艺术与实用美术的区分相当明确。以油画专业为例，往往经历一到两年的基础训练过程（其中包括大课时的素描及色彩练习），然后是从油画静物、油画头像、油画半身像、油画全身像到油画人体的反复训练，并以油画创作作为最终成果进行总结，与之相对应的国画、版画、雕塑等专业的课程设置也是遵循这一原则。毫无疑问，这样的教育系统培养出的学生是富有技巧的，并使写实主义绘画在中国占据了完全的主流地位，但同时也存在视野狭窄和适应性差的问题。20世纪80年代后，这种情况得到改变，高校中的设计类课程逐渐增多，设计专业成为美术教育中的最大份额，以适应社会对于大量设计人才的需求。随着时代的变迁，美术学专业课程结构发生了改变：各高校增加了类似三大构成、装饰基础、设计基础之类的课程，对实用美术和现代艺术构成有了基本的介绍；增设了类似于绘画材料研究、综合绘画等课程，以对现当代美术中的重要命题进行探索，丰富学生的表现手法；设计学科的学生则在进行相应的基础训练后以平面设计、环艺设计、工业设计等专业进行划分并实施对应的教学过程。整体看来，高校美术教育已经在某种程度上向“大美术”的方向进行转变，但相比于西方美术教育系统，中国美术教育仍然倾向于传统美术界限的划分，而全盘接受西方既是不现实的也是不必要的，中国的高校美术教育系统有其自身优势。
二“视觉时代”的来临已是不争的事实
与以前的时代相比，当代人更习惯以视觉信息获得对事物的认知，我们所生活的时代中“艺术”与“生活”的界限被逐渐打破——“艺术生活化”“生活艺术化”。美术教育应当有助于学生的个人成长、情感表达，提高其与社会和谐相处的能力。高校美术教育要顺应“视觉时代”的要求，实现“大美术”，就必须进行综合的改革，这种改革不能直接移植西方经验，而要以现有的美术教育系统为基础。“大美术”的主张并非抹杀美术各种门类间的区别，而是主张以更加开放和兼容并蓄的态度对待各种门类间的融合和互相作用。这种融合可能是在国画专业中加入更多的设计因素，使用更加丰富的材料，甚至是改变装裱展示的方式；或者是在设计专业中加入民族绘画因素，使其具有中国味道；也可能是更加深入的融合方式——综合材料表现绘画的制作。尽管融合的方式和程度有所不同，但都要求我们采取更加开放的态度进行课程的设置，要做到这一点，最好的解决之道就在于学分制的开展和公选课更大规模的开设。由于专业学习时间的限制，学生一般在各种艺术门类中选择一项作为自己的学习内容，对其他门类课程所学相当有限。要求任课教师实现“大美术”的授课方式，要求国画教师同样了解油画专业知识，并对现代美术和设计学知识有所认知，毫无疑问存在实际困难，因为这要求高校教师具有更为广阔的知识面和更加完整的知识结构，这在短时间内不可能做到。高校教师教育水平较高，但普遍是对某一种特定艺术门类有较深入的理解，而对其他艺术门类往往是浮光掠影似的了解。目前高校中普遍开展学分制，但以不完全的学分制为主，专业课程主要由专业基础课、专业必修课、实践课程、毕业论文及毕业创作几个板块组成。选修课的开设占课程总量的比例较低，所占学分比例同样偏低，同时也存在开设不足、偏重理论课程等问题，学生并不能实现真正意义上的跨门类的深入学习。实现完全的学分制，降低专业必修课的比例，提高专业选修课的比例，是实现目前高校美术教育“大美术”的可行之道。在高校美术教育中，在进行了必要的基础课程学习后（这些基础课程应当是更加整合的），学生选择一个艺术门类进行专业必修课程的学习（如国画、油画、版画等专业），同时允许学生跨门类和跨专业进行选课，通过上交作品的考核判断其掌握程度，高校承认每门课程的学分，在学习过程中完成基本学分即可达到毕业标准。其中专业基础课程的开设应当主要集中于第一学年，专业必修及选修课程集中于第二、第三学年，第四学年则是专业提高课程、毕业创作及论文写作。高校教师在学期初确定欲开设选修课程，学生根据自身专业需求和发展方向进行选课，学校进行综合及统筹安排，保证开设科目教学的顺利进行，这样既能保证学生选课的更大自由，又不至于使教师难以负担。
摘要:信息时代，人类生活方式变化，传统视觉传达方式已不能完全满足信息传达的需求。科技的发展，多媒体手段的成熟，为视觉传达提供了新的形式一新媒体。作为新技术、靳媒介条件下的特定传达方式，新媒体吸纳传统媒介的优势，结合互联网及各种交互技术，更有效地实现信息传播，逐渐成为视觉传达最主要的方式。与传统设计门类相比，新媒体视觉传达有两个明显的特点:首先，它的表现形式更加多样，多种媒体综合运用，全方位地进行信息传达;其次，在设计方法上，既借鉴已有媒体又有所创新，发展出适应新媒体特性的设计方法。
1媒体形式的发散
数字化时代的今天，视觉传达设计逐渐超越了它的原有范畴，走向更宽厂一的领域。数码艺术、数字影像、网页交互、多媒体广告等相继出现，数字视觉在不断挑战已有视觉形式的同时，也在充实着视觉传达的外延。多元化的视觉观念暗示着新的视觉传达方式将打破传统设计门类的界限，产生一种新的媒体，以传统视觉传达设计为基础，在新媒体和新技术手段支持下开拓新的传达领域，继承发展传统视觉传达设计。这种“新媒体”综合多种媒体形式，集文字、图像、影像、声音、动画等于一身，结合互联网与交互技术，使作品具有一定的主动性和交换性，成为新媒介、新技术条件下一种特定的传达方式，真正实现全方位、多感官地信息传播。WWw.133229.Com
2视觉传达的变异
作为视觉传达的最新发展，新媒体视觉传达的设计原则、设计流程和设计方法与传统视觉传达、设计形式具有原则上的相似性，但在传播、显示、操作等方面，“新”“旧”媒体有着很大差异。例如:相对于印刷品而言，显示屏幕更适合“浏览”而不易于“阅读”;“新媒体”中各种信息以相互链接的方式存在，彼此没有顺序上的固定位置，信息随浏览者的选择以非线性的方式输出，而传统媒介，无论是书籍或是影像，信息呈现都受到预先安排的顺序制约:传统传达领域对于技术更新的反应相对迟缓，而以高速发展的科技为其信息传播基础的“新媒体”则要求设计时刻与科技紧密结合，并随科技的进步不断发展出更新的传达形式。发展迅速的“新媒体”为设计者提供了前所未有的表现手段，帮助实现更多的创意可能，为大众带来更新鲜的视觉体验与更富于趣味性的信息获取过程。“新媒体”不仅使得设计过程发生变化，对设计风格、设计思维方式也产生深刻影响。活动的版面布局及全方位的交互要求设计者时刻以运动的眼光看待版式编排和视觉效果，不但考虑静态的视觉效果，还要设想视觉元素与观众互动之后可能呈现出的种种样貌，通过针对性的设计避免对信息传达的干扰或画面的不美观。视频、动画将作为常用元素，与文字、图形共同构成版面。“新媒体”的易编辑性也使设计师可以设计多种版面方案和视觉效果，随时更换以应对观众的日益细分及不同喜好，更大程度上满足人们的审美需求，更有效完成信息传达。
3互动式编排灵活自由
融合多种媒介形式与多媒体技术的新媒体实现了同一平面中多个、多层信息的同时显示，并可根据浏览需要任意放大缩小、摆放、堆叠屏幕内容，信息呈现不再受版面尺寸或显示区域大小限制，交互式操作的加人也为传达过程增添了趣味。德国波恩联邦美术馆内陈列有一个以法老图坦卡蒙统治下的古埃及为主题的互动展示。在4.5平方米的展台上投射，有顺着尼罗河谷延伸的整个法老统治区域地图，重要的城市、寺庙或历史事件发生地等信息在地图相应位置都有标注。参观者用手触击任意信息点，与之相关的文化、宗教信息便会以文字、图像、视频或动画的形式展开，每组信息下方都会显示一些控制图标，可实现浏览链接信息、重新播放等功能。参观者面前的展示区域往往会有多个信息点，若在当前信息播放时又点击另一信息点，当前信息会自动关闭，并在原位置展开新的信息。同一位置、同一显示区域中，通过参观者自己选择、控制可交替显示多组信息，结合标注于地图上的地理位置，使参观者更易于理解各组信息之间的联系，也实现了有限的显示区域内尽量详尽的信息的展示。在实现有效信息传达的基础上获得最佳视觉美感是对视觉媒介的普遍要求，“新媒体”继承了传统媒介的版式风格又结合自身特性发展出了独特的编排方式。
[关健词]模仿再现 主观表现 标准多样化 过程化 生活化
现代美术是指从19世纪下半叶的后印象派到20世纪50年代的现代美术阶段，20世纪50年代以后至今被称为后现代美术阶段，而在后印象派以前的艺术就是传统艺术。
西方的传统美术，是理性精神指导下建立在模仿写实基础上的艺术。它是西方工业社会到来之前的特定历史时期的产物。19世纪下半叶，西方的哲学思想、工业技术、科学、生存环境、传播媒介等各个领域所发生的深刻变化，使艺美术也随着潮流而逐步摆脱了传统美术观念的束缚。它以反叛传统美术为起点，创造出一种崭新的文化现象和行为方式。 同传统美术相比较，这种变化主要表现在以下方面。
一、从模仿再现走向主观精神表现
西方传统美术的基础就是模仿再现真实的客观对象。这种观念起源于古希腊，作为美学体系，则确立于文艺复兴时期。文艺复兴时期的大师完善了真实的概念，以透视、解剖、明暗等科学法则充实了再现客观对象，描写真实的艺术表现手法，使模仿客观对象确立为传统美术不可动摇的基础，一直延续了几百年。
随着科学技术在19世纪的迅猛发展，传统艺术观念受到了前所未有的挑战，照相术的发明和普及对模仿写实的艺术构成了强烈的冲击，艺术家感到震撼和危机，纷纷寻找新的出路。wwW.133229.Com而东方艺术的适时传入，让西方艺术家大开眼界，认识到非写实的、平面感的、表现性的绘画同样有着独特的魅力，他们奉为经典的模仿艺术仅仅是众多的艺术观之一。于是以塞尚为代表的后印象派画家开始强调主观精神的表现。到了20世纪，这种观念得到进一步的发展。表现派、超现实主义等艺术流派的出现，他们或者着力于表现强烈的自我心灵感受，或者强调于潜意识的客观描绘，把过去传统写实的审美标准放到了并非那么重要的位置，充分表明了现代美术表现心灵真实的特征。
二、美的标准出现多样化
传统西方美术的基础和标准是模仿客观现实世界。人们在两千多年的艺术史中，逐步建立起一种统一的、绝对的美的标准，这就是真实和优美，对人们的审美影响极为深远的结果。
无论艺术家采用什么样的风格和表现手法，作品都是具象的，统一于现实世界的，尽管期间不断涌现浪漫派、写实派、印象派等多种美术流派，但写实仍然是它们不可动摇的基础。宏观地看，由于写实这一至高无上的模式的影响，这些美术流派在美术变革历程中的变化微乎其微。以塞尚为首的后印象派开始着眼于主观精神的表现，他们发现主观感受变化无穷，只用真实优美的客观形象是远远不能表达的。客观真实固然感人，但心灵的真实更具感染力。优美使人愉悦，丑陋同样使人震撼。
三、现代美术的价值在于发现和创造
随着社会的发展，尤其是现代工业社会的形成，人们的生活方式和认识观念都在发生变化，这种理性精神已失去了原有的权威性，各种非理性的、精神分析说都纷纷向它挑战。现代精神下产生的艺术观念大大拓展，人们不再拘泥于模仿现实，而在艺术观念、艺术表现手段、艺术语言等领域积极地探索和创造。人们认识到，美术中最有价值的不是它的技巧和内容，而在于不断发现和创新，艺术体现的是现代社会的创造性思维。美术的历史本身就是在创造和发现中前进的，只不过由于历史的条件局限，19世纪以前的美术进展缓慢，基本上都是美术风格上的变化，对于艺术的表现形式始终缺乏本质的变革。而美术史的前进过程就是在否定已有风格基础上进行的，新奇又有创造性的东西备受人们关注。正是这种创新的特性，毕加索把人体肢解，并按照自己的思路重新组合，结合非洲黑人的木刻艺术，把观赏者带入一种全新的创新境界。而后来的艺术家则更是前进了一大步，他们摈弃了传统艺术技巧、绘画方法和工具材料，积极发挥主动性，大胆开拓新的媒介领域，打破了美术与美术、美术与其他学科的界限，开辟了现代美术百花齐放的新局面。
四、现代艺术过程化
在自给自足的农耕社会里，生产力低下，生活范围狭窄，人们总是醉心于永恒的基业、永恒的关系。在这种仅仅能满足人的基本生存需要的社会，人们尤其看重的是结果，却从不看重过程。基于此，传统艺术也只注重最后的作品，对于创作的过程并不怎么关心。
而在现代社会里，生产水平得到空前的提高，科学技术不断改变着社会的物质生活和人们的精神生活，生活节奏大大加快，短暂性、新奇性和多样性已成为现代社会的特点。短暂和新奇与过程是紧密相连的，因为过程意味着向未知的领域探索，就像人类对生命和生活本身的认识一样，生命的价值并不在死后产生，而在出生到死亡这一变化过程中蕴含。人活着的时候，不断有很多的目的和追求，一旦死亡，一切目的也就失去了意义。所以，追求生命的过程才是最重要的。同样，艺术家更看重艺术的创作过程及过程中所得到的感受和体验，而把结果看成是次要的东西。第二次世界大战以后流行于美国的行动画派，以及后来的行为艺术等都是在这一现代艺术观念中产生的。
五、现代艺术生活化
在传统艺术的观念中，艺术和生活被视为两个不同的范畴，普遍认为艺术高于生活。艺术具有非功利性的特点，属于精神生活的范畴；而生活是人们的现实存在，属于物质范畴。在传统社会中，一部分人分离出来，专门从事艺术活动，其他人则从事物质创造。这种划分长期以来占据了人们的头脑，被视为天经地义的准则，但这种划分割裂了生活和艺术的联系。
现代社会应当是更完善、更高级的社会。现代社会的人也应该是精神和物质结合的完善的人。生活本身就可以是艺术。这种“艺术就是生活本身”的观念在20世纪下半叶的西方艺术中追随者众多。他们认为，生活是生命过程的体现，生命过程就是不断追求，不断满足，再不断追求，以求新的满足的过程。在这种不断创造、不断超越的过程中，人们体会着种种微妙感受，这才是生活的终极目标。而艺术的本质同样是对生活中前所未有的事物进行创造和发现，艺术不应当是对现有的美的事物的模仿。既然生活与艺术的本质都在于不断地创造和发现，那么如果人们以审美的态度对待生活，从中创造和发现前所未有的事物，生活本身其实也就成为了艺术。于是，在这一观念的指导下，有的艺术家开始从生活环境和工业产品中选取物品和素材，这就是波普艺术，波普艺术是对现代工业社会的肯定，对社会现实的重新关注，对现代生活的直接反映。它是艺术走向生活这一观念的具体体现，也是抽象艺术之后最具影响力的艺术思潮。
参考文献：
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【关键词】舞台美术 灯光 表演
舞台美术的历史最早可以追溯到戏剧的起源时期，但其各组成部门的发展是不平衡的：最早参与进来的是和表演相关的服装、化妆、道具，然后才有了布景，灯光则是最后参加到演出中来的造型因素。虽说灯光介入戏剧的历史很短，但是，随着科学技术以及戏剧艺术的不断发展，舞台灯光无论在技术层面或是艺术层面上都有突飞猛进的进步，灯光已成为现代戏剧演出中不可或缺的重要元素。
在舞台灯光的设计步骤中，通常剧本、导演意图和舞台设计是先与灯光设计展开的，也就是说，灯光设计者在开始构思之前就已经被置于一个有形的框架中了。舞台、布景、服装、演员调度等等因素注定了灯光在施展拳脚的同时在许多方面也束缚住了手脚。怎样尽量表现剧中人物的特性，设计者不得不殚精竭虑地去考虑这个问题。
这种表现总要通过一些途径，借助一些手法才能最终实现。灯光对人物的表现，大致可以从以下几点来划分。
一、外在形象
这里的表现，可以分成三个层次：弱化——模仿——强化。顾名思义，在戏剧演出中，为了适应不同的戏剧风格，满足不同的剧情，表达不同的含义，灯光设计者在利用灯光塑造人物的时候会有意识地不同程度地显现人物的外在形象。wWW.133229.cOm这里尤其需要指出的是，这里的模仿，并不是纯粹地为了模仿而模仿，而是一种有意识的“再现”，一种主观能动的“再现”，是“表现”的一种。
一般来说，对灯光来说，人物的外在形象主要有以下几点：
1.服装、化装
灯光对服装和化装的再现最常规的作用便是用白光、浅色光来显现人物，再造形象(化妆)。呈现人物的服装(服装的颜色、材质、结构、组成等)。
此外，灯光的着色作用在这一方面也表现得尤为突出。不同颜色、质地的服装在不同的灯光的照射下会呈现出不同的状态。有时是有助于表现服装、化装的，考虑得不周到却会适得其反。
灯光对服装、化装的表现既要忠于服装化妆本身的设计，又应当融入整个场景。从整体的美感上去考虑，使他们在灯光的帮助下和整个戏剧更紧密地结合起来。
2.形体
服装、化装既是利用灯光的造型作用表现人物的特定形体。在这种情况下，设计师往往偏重于用一些会产生特殊效果的灯光，运用一些较特殊的灯位、颜色、强弱对对象进行塑造。
在一般的戏剧演出中，导演常常会根据剧情的需要，安排一些特定的形体动作，表现一种特定的意境。这往往是灯光可以大展拳脚的地方，这时灯光应当恰如其分地协助演员来表达出这样份情感，使演员的形体表演更加丰富，表达更加清晰。
3.特征
这个世界上没有两片完全相同的叶子，也就更没有两个相同的人了。灯光在表现人物的特征方面是有其象征意义的。拿颜色来说：红色描绘人物的赤胆忠心，蓝色象征智勇刚毅和强悍，白色表示生性奸诈狠毒，而黄色则意味着残暴。当然，这些象征意义不是绝对的，在不同的文化环境，不同的时代所象征的含义也会截然不同。这就要求灯光设计从剧本出发，对人物的特征进行刻画。
二、内心情感
由于戏剧艺术的特定表演形式，一般来说，演员和观众之间是保留比较远的距离。和电影、电视相比，由于距离的存在，演员的很多细腻的内心情感的表现往往不能被观众所察觉，这样一来，也使得观众在很多情况下对整部作品的体味大大打了折扣。在这种局限性下，灯光毫无疑问地充当了将演员的内心、情感外化，进行有效的放大、传递给观众，增强感染力，加大震撼力。
灯光对人物内心、情感的刻画从总体上来说可以分为动的和静的两种。利用静态的灯光场景表现人物的情感状态，有的时候，半寸的光或阴影，就足以表现一个人物的心情；利用动态的灯光变化来表现人物情绪的变化、起伏，这个时候，灯光的表现对人物的表演往往起到推波助澜的作用。当然，灯光设计不应过分夸大这一功能，否则会适得其反。
三、命运
一般来说，一个戏的剧情的发展都是和剧中人物命运的发展变化密切联系在一起的，而灯光设计所要做的是通过灯光场景或灯光变化来表现人物命运的动态或状态。
人物的命运往往主导了整部戏的发展，而演员对命运的把握和表现都是通过台词、动作来体现，这往往显得单薄。这时就需加入一些其他的因素来强化他。
和表现人物的内心、情感一样，灯光对人物命运的体现也可以分为动态和静态两种。静的暗示人物的命运和生活状态；动的表现人物命运的变化起伏。
无论是从客观上的可能或是主观上的需要来说，剧本中的人物，物体往往不可能统统出现在舞台上，而灯光对表现这种东西则能起到很重要的作用。
灯光的这种指代，有时是具体的，有时是抽象的。所谓的具体是指在剧本中存在的角色，即取代；而抽象的指代则是一种隐喻，代表了想象中的人物，甚至是一种精神上的东西。
以上的几个作用并不是孤立的。灯光在发挥其中的一个作用对演员产生影响的同时，毫不影响其他作用的发挥。同时，不管是哪一种作用，都必须与演员的表演节奏相一致，与剧情气氛相统一。倘若它游离于剧情之外，那只能陷入无源之水、无本之木的形式主义。在这一点上，从灯光的角度来说，演员就是我们灯光的生命。
不能否认的是，在光对演员发挥作用的同时，演员也在对光起着发作用。我们不能片面地夸大灯光的作用，而忽略演员对灯光的反作用。客观地说，在戏剧舞台上，脱离了演员的灯光，完全不能称作是灯光艺术。
对于一个有经验的演员来说，他对舞台上灯光的变化是非常敏感的，不合时宜的变化会破坏他的激情和感觉，阻碍他的表演。
