时间：2023-03-20 16:23:42
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关键词：高师音乐学硕士研究生培养高师音乐学硕士研究生课程体系建设高师音乐学硕士研究生课程模块
改革开放以来，我国的研究生教育得到长足发展。音乐学作为一级学科文学下属的一个级学科，近些年来，其研究生培养工作也得到长足发展。在高师音乐学硕士研究生的培养过程中，主要涉及到专业及研究方向设置、培养目标、课程设置、科研、艺术实践、学位论文等环节。本文主要针对目前我国高等师范院校的音乐学院(系)中音乐学硕士研生教育的课程体系建构，提出自己的一孔之见。
我国研究生培养中的课程体系一般有五个模块：公共学位课、专业学位课、公共选修课、专业选修课以及专业方向选修课。“从音乐学学科发展需要的角度出发，研究生作为音乐学后备学者其理想的状态是，具有较高的理论素质、音乐修养、人文底蕴和语言功力的知识结构和综合素养。这五个板块的课程设置，有利于顺利地完成音乐学硕士研究生的培养目标，达到这种理想的状态。
在研究生培养方案的拟定过程中，应该明确地体现出这五个模块。使得开课有更明确的目标和分类。但遗憾的是，在一些高师音乐院系的培养方案中，对于上述这五个课程模块，或者没有有明确的体现，或者分类上还有一些混乱(分类标准不统一，逻辑上有一些混乱)。
比如，在音乐学硕士研究生培养方面走在前列的湖南师范大学的音乐学硕士培养方案中，并没有明确地体现出这五个板块的课程分类。在华中师范大学的音乐学硕士培养方案当中，课程设置部分分为六类：①学位公共课②学位专业课③指定选修课④任意选修课⑤实践环节⑥补修课。
硕士研究生总学分为36—38学分，其中学位公共课为分，学位专业课、指定选修课和任意选修课为25—27学分。
实践环节并不属于课程设置。因而实际上，该校的音乐学硕士培养课程是五类。同时，其中的课程分类的标准并不统一，在分类上有一些混乱。其中的指定选修课，分类的标准是学生主动选修还是学校指定的选修(学校指定的必学课程，实际上是必修课)，当中包括音乐类的专业课，也可包括非音乐专业的其他类课程。因而，笔者认为，目前高师音乐院系的培养方案中的课程设置的环节，还有待进一步加以完善。在课程设置的环节，应该有明确的分类，此外每门课程的考试(考核)方式以及学分等情况应该明晰地体现出来。
一、公共学位课公共课又称公共必修课，或称公共基础课，公共学位课是指研究生要想获得硕士学位所必修修完的公共课程。在各师范音乐院系的研究生培养方案中，大多数的院系公共学位课程的学分数一般都会占10分左右。，在研究生拿到硕士学位所需修学分中占据着较大的比重。
我们首先应该对研究生公共课程学习在音乐学硕士生的培养过程中的重要性有足够的认识。硕士研究生培养过程中所开设的公共学位课程，承担着培养研究生思维方法，掌握语言和数学工具等任务。目前，各院校的音乐学专业大多开设有英语和政治这两大门学位公共课。有很多学生甚至有少部分的专业课教师对这类课程的重要性认识不够。
在音乐院系硕士公共学位课程设置中，一般开设科学社会主义、经典著作选读等政治课。这些课程对于硕士研究生的思维方法训练方面有着极为重要的意义。通过哲学原理的学习，一方面可以使学生牢固地树立起正确的辩证唯物主义和历史唯物主义的观念，从而树立起正确的艺术观，指导他们以后的音乐实践活动；另一方面也会使得他们的科研工作在正确哲学观念的指导下少走弯路。
音乐学专业硕士的任课教师在该类课程的讲授过程中，应注重学生思想方法和思维能力的培养。同时也应该注意将此类课程同音乐学的学科特点相结合。这类课程应该和艺术概论、音乐美学等学科紧密结合起来讲授。紧密地联系学生的音乐实践和科研活动。这样就会提高学生的兴趣，获得良好的教学效果，使得公共课程与专业课程成为有机的、联系的整体，互相裨益。
在音乐院系硕士公共学位课程设置中，英语占有较大的比重。一般要开设一到两年。有些院系，要求学生一定要通过国家大学英语的四级或六级考试。笔者认为，音乐学硕士的英语公共课教学，也应当同音乐学专业密切结合，应该注重专业外语能力的培养。虽然学生通过了四级、六级的英语测试，但如果他专业英语词汇、专业英语文献的阅读能力不高，仍无法适应将来的科研活动和音乐实践。应该把英语的精读、泛读、听力的教学内容尽可能多地联系音乐学专业。
、专业学位课专业学位课程是指学生获得硕士学位必须要修完的专业课程。专业学位课程设置的主要出发点是专业的共同性，强调的是课程的专业基础性、以及专业广博性。研究生经过专业学位课程的学习，能够掌握专业研究所需要的基础知识。只有学好这些课程他们才有可能站在学术研究的前沿阵地，才能有开阔的眼界，脚踏实地，才能做出符合要求、高水平的学位论文。不掌握牢固的专业基础知识，就无法做出创造性的研究成果。
目前我国高师音乐学硕士培养方案中，存在一个问题是专业学位课程和专业方向选修课程一刀切的现象(关于专业方向选修课程笔者将在本文第四点中详加论述)。课程模块的区分实际上是很必要的。香港工商管理类学位课程的一些经验可供我们参考。
香港工商管理类学位课程当中，除语文、数学、外语等基础课程外，把专业学位课程分为核心课程与专业方向课程，辅助课程与选修课程四大类。所有攻读同一学校工商管理类学士学位的学生必须修完学院规定的核心课程，取得相应的学分。然后，学生在学校规定的“option”中选择一个主攻专业方向，以所选择的“option”为基础，分别学习相应的专业课程及辅助课程与选修课程。至于各种模块课程在总学分中的比重与分配，各学校之间有些差异。
由于硕士点审批过程当中盲目上马的现象较多。导致目前我国高师音乐学硕士培养过程中专业学位课程的设置往往受到各学校师资力量的局限。在专业学位课程的设置过程中，往往是根据自己学校的师资中有哪一方面的好的师资就开设哪门课程。无法兼顾专业学位课程的全面性和系统性，课程结构不够合理，课程安排不够科学。
三、公共选修课高校硕士研究生公共选修课的开设有利于进一步深化高等教育改革，有利于培养宽口径、厚基础、高素质研究型人才。通过公共选修课的学习，研究生可以学到很多专业以外的知识。由于高师综合性的学科结构，使得高师音乐学专业的学生比专业音乐院校的学生在公共选修课方面，有着更多的选择余地。但是不可忽略的是，这种优势同时也带来一个弊端。那就是学生选课的盲目性。为了避免这种盲目性，一方面，音乐院系的教务部门可以和学校的教务部门一同制定一定的选课制度。另一方面，研究生导师应该在学生选择公共选修课方面给予一定的指导。也可以在音乐学硕士培养方案当中对公共选修课加以具体而详实的规定。
在音乐学专业硕士培养的过程中，应该加强公共选修课的管理，以保证学生公共选修课的学习达到预期的效果。
四、专业选修课专业选修课程能够使学生在已经获得的学科专业基本知识的基础上，扩展其专业知识面。硕士研究生在巩固学位必修课程知识的基础上，通过专业选修课程的学习，可以对与本专业相关的多种研究方向有进一步的了解。专业选修课应该着重强调专业知识的系统性、完整性，同时也应该重视对学生研究兴趣的激发。同时应该有效地传递最新科研动态。应该对学生在科研方法上加以积极的引导。这就需要专业选修课的教师树立创新思想，探索和采用灵活多样的教学方法，力争提高学生的学习兴趣和爱好，高质量完成教学任务。
目前高师音乐学硕士培养过程中，专业选修课所面临的问题是师资力量的不足，导致学生选择面比较狭小。改变现状的方法是加强校际之间的联合，整合本地区各个高校音乐学专业的师资力量，互通有无、扬长避短。
专业选修课的开设，同样也应当经过周密的策划与思考。可以先以教研室为单位，对拟开设的专业选修课程进行论证和评审，把好开课关。一旦开课之后，就要争取获得最好的教学效果。
五、专业方向选修课专业方向选修课，是针对不同专业方向学习和研究的需要，为学生所开设的选修课程。此类课程甚至可以根据学生的硕士论文选题有针对性地加以开设，因而可以具有一定的灵活性。当然，灵活性也不等于不经过周密地论证和讨论就盲目开设课程。专业方向选修课，可以避免学生选修课程的盲目性。在所有课程板块当中，专业方向的选修课在学生毕业获得硕士学位所需要的学分中应该占据一定的比重。专业方向的选修课的内容，应该是学生研究方向所必须具备的一些针对性更强的内容。比如，可以为中国古代音乐史方向的硕士研究生，开设古代文献研读方面的专业方向选修课，为声乐表演方向的研究生开设意大利语、德语、法语等专业方向选修课。
关键词：艺术硕士；音乐教育；比较研究
中图分类号：G659.2 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2013）06-0268-02
一、我国艺术硕士教育的出台背景
为了培养“高层次、应用型”艺术人才，国务院学位委员会于2005年决定设置艺术硕士专业学位（Master of Fine Arts，简称MFA），健全和完善了国家艺术专门人才的培养体系。“高层次、应用型”具体体现在“学位获得者应具有高水平的艺术创作技能、系统的专业知识、较高的艺术审美能力和较强的艺术理解力与表现力，能够胜任本专业艺术创作领域的各种表现形式。”
对招生对象的原则要求是“学士学位”和“艺术创作实践经历”，而入学考试则着重考核学生的专业素质、专业能力和专业基础知识。这种强调专业内容的高层次人才培养，在目前我国音乐艺术专门人才结构状况下，具有极强的针对性。
当时，我国只有9所独立设置的音乐学院可招收音乐表演研究生，但学生毕业后的去向基本上都从事教师工作，真正回到舞台上从事音乐表演的极少。“在学校艺术教育方面，建设一支以具备相当艺术实践能力的专职教师为主，数量和质量都能够满足学校艺术教育需要的艺术教师队伍，是提高我国学校艺术教育教学质量的关键，也是素质教育的重要组成部分。可是依据当时的情况看，整个文化系统中，音乐教育从业人员普遍学历偏低、知识结构不合理、专业技能水平低、缺乏系统性的训练，整体素质亟待进一步提高。”
二、我国艺术硕士教育科研现状
艺术硕士的诞生，打破了我国艺术教育体系中只有单一文学硕士学位的缺憾。艺术硕士在我国是一个新生儿，只有短短的五年多的历史。在这五年当中，已经有几十多所院校陆续获得培养艺术硕士的资格。从目前教学要求来看，有些院校的音乐专业艺术硕士相比传统理论型硕士研究生的教学方面，不仅仅强化了技术技巧的学习，甚至理论课要求要强过前者；理论课的学分要求还要高过前者，这样对学生提高实践能力的学习，必然造成更大的压力。至于课程设置的种类与多样性、生源差别、学术交流活动、学习与就业等等问题，尚没有系统性的经验总结与可供参考借鉴的任何权威性、开放性的资料。
这五年多发展的经验总结和交流情况，能够见诸媒体的信息，不外乎是一些教师，根据自己的经验和学生的实际情况，陆续归纳出自己的教学方式，为学生学习与交流提供必要的帮助和学术支持。从这些间断性的零星报道和体会文章，透露出一个信息，就是教师以个体为单位在总结归纳教学经验，在有限的传播范围内起作用，缺乏相互交流的平台和渠道，大量第一手资料和数据没有系统性地搜集和整理，急需将这些零散但是具有统计和理论价值的资料，上升到理论高度，成为具有指导和借鉴意义的公共财富。
目前国内几乎见不到就音乐专业艺术硕士教学与学习方面理论研究和探索方面的学术文章和科研论文，缺乏系统的经验总结报告和经验探讨文章，没有后续的科研提供权威、全面、翔实、可靠的资料保证。部分原因，是由于艺术硕士学位类别的起步较晚，一切尚处于摸索方向、积累经验的开端。
艺术硕士源于系统性、专业性地提高艺术专业实际表现能力的要求。相对于理论型人才培养，摸索经验、总结教训、对教学现象的分析与归纳、提出具有指导意义的建议等方面，更加需要实践经验的总结和科学的数据采集、分类和分析，才能得出科学的结论。因为所有教学行为的个性更强，共性相对较少；教学的即兴性更强，计划性较弱；经验总结方面更困难，更加需要专业的面对面指导，艺术表现和交流的平台作用更强。这就决定了在总结经验、分析问题、提出建议、归纳成果方面，全面、细致科学化的数据采集和分析，是必不可少的方法，这又涉及到数据采集方式、采集时间、分析模型的建立、分析方法、结果归类等等一整套系统的作业程序。
三、国外艺术硕士教育的发展现状
目前，艺术硕士在美国、英国以及原英联邦主要国家加拿大、澳大利亚、新西兰以及台湾和香港地区，发展得比较成熟。涉及的专业非常广泛：电影、戏剧、美术、音乐、艺术设计、舞蹈、广播电视和新媒体制作等艺术创作领域。然而在美国，MFA通常授予戏剧相关的专业。美国的音乐专业“艺术硕士”研究生，却大都不使用MFA这个称谓。表演演奏专业和作曲专业的硕士研究生，通常叫“音乐硕士Master of Music（MM）”；音乐理论和音乐史方面的研究生则授予“文学硕士Master of Arts（MA）”；音乐教育专业则授予“音乐教育硕士Master of Music Education （MME）”等等。
从艺术硕士教育的发展模式上看，美国的艺术硕士教育体系十分成熟，影响力也最大。这种成熟并非是僵化套路的程式化。开放性和多样性，是保证教学内容与教学理念不断更新与进步的机制性措施。美国开放的教育体系和在世界范围内广泛吸纳人才的发展模式，形成了发达的教育体系和先进的科研理念。哥伦比亚大学、波士顿大学、伊阿华大学等院校的艺术硕士培养体系非常完备。师资、课程、课外专业活动、学术交流都有机地穿插在一起，学校的教学和学习内容丰富多彩，并且给学生充分的表现和交流机会。对于音乐艺术硕士的培养方向来说，最大可能地满足了学生的成长空间。在相应的科学研究方面，他们往往针对非常具体的项目提出针对性极强的项目建议、可行性分析，并且给予任课教师以充分的自主决策空间，充分发挥艺术的个性。在总结评价中，也是以学生艺术表现的个性价值作为首要条件。这一切看似随意、以“个性”为前提的判断标准，背后是强大的资料数据分析和科研体系作为支撑，将庞大的数据量通过科学的归类进行统计分析，最终作为科学证据，指导教学和科研工作。
美国艺术院校协会（The College Art Association， CAA）和美国专业艺术和设计学院联合会（The Association of Independent Colleges Art and Design）对于艺术硕士（MFA）设有明确、详细的规定。艺术硕士专业学位（MFA）以实践性、创作性为主，强调应用性，同时，也要求必要的艺术素养和理论知识。入学考试着重考察学生的创作才能和表演天分。教学计划强调课程的实用性和表演作品的广泛性，同时兼顾理论修养的提升。学位授予标准主要看学生创作实践过程中所体现的艺术创作技能和表现力。毕业汇报以演出和作品展示为主要考察标准，同时完成专业艺术分析、总结文章或论文。
德国的音乐教育体系具有悠久的历史。音乐专业的设置从一开始就目的明确。比如历史最悠久的艺术大学之一“柏林艺术大学UDK”，音乐专业分为音乐表演专业、音乐教育专业和音乐继续进修学制。音乐表演专业就是以培养表演艺术家为宗旨，针对那些准备成为职业乐团、乐队演奏员以及独奏演奏者的学生设立；音乐教育专业就是为培养教师，课程以教育理论为主；而音乐继续进修学制是在以上专业基础上继续学习，已获得不同的文凭。与艺术硕士同等学历的学习，就在表演专业的学习当中，毕业授予Diplom（硕士学历）。法兰克福音乐与表演艺术学院的音乐艺术硕士的培养模式也大致相似，专业设置直指培养目标。
四、艺术硕士教育应关注的问题及启示
目前我国艺术硕士研究生培养类型、培养模式相对单一，研究生阶段的学习主要集中于公共课、必修课、选修课和学位论文写作等理论方面，音乐艺术表演还需有更多的时间去提高他们社会最需要的艺术实践能力。在校学习期间的艺术交流活动应当更加丰富，加强校际之间的艺术交流活动。教学体系尚应体现重视艺术实践的特点，与艺术人才成长规律。
艺术硕士教育体系、人才培养、课程设置和培养方向的调整等一系列问题，还有待于今后的经验摸索和总结。基于此，笔者开展了“音乐专业艺术硕士教育记录与比较”科研项目研究，这一项目具有单一的针对性和明确的实用性――为音乐专业艺术硕士的培养教育整理出第一份全面、细致、可信的第一手资料；基于此资料的数据统计分析结果；为音乐专业艺术硕士的教育在现有内容的基础上，提供授课方式、课程类别、课程内容、课内外相关交流活动的建议；毕业生就业跟踪及反馈建议；如何体现艺术硕士培养的“高层次”和“实用性”。
增设艺术硕士专业学位，是为我国艺术人才在职攻读艺术硕士学位、全面提升艺术技能和素质提供了新的渠道。同时，艺术硕士专业学位的设立为我国艺术教育的发展注入了新的活力，为中等和高等教育的进一步发展开辟了广阔的前景。
参考文献：
湖州是一座有着2300多年历史的江南古城，地处浙江省北部，东邻上海，南接杭州，西依宣城，北濒太湖，交通便利、区位优势明显，是环太湖地区因湖而得名的城市。湖州市现辖德清、长兴、安吉三县和吴兴、南浔两区，面积5818平方公里，人口262万。湖州人文荟萃、文化底蕴深厚，素有“鱼米之乡、丝绸之府、文化之邦”的美誉，是世界丝绸文化发祥地之一。历代被列为“文房四宝”之首的湖笔也产于湖州。“行遍江南清丽地，人生只合住湖州”， 这是元代诗人戴表元对湖州良好人居环境的赞誉，也是今日湖州的真实写照。
二、学校概况
湖州师范学院是一所综合性的全日制普通本科高等学校，创办于1916年。学校是全国文明单位、培养硕士专业学位研究生试点工作单位和浙江省普通高校招生第一批录取学校，现有14个二级学院和一个独立学院——求真学院，目前拥有全日制本专科学生18000余人，教职工1270余人。学校积极开展国际合作与交流，先后与美国、加拿大、澳大利亚、英国、俄罗斯、日本、新西兰等国家和台湾、香港等地区的高校建立了校际友好合作关系。
学校以“明体达用”为校训，形成了“艰苦创业、自强不息、和谐共进、奋发有为”的师院精神，正朝着建设有特色、高水平的区域性大学——“湖州大学”的目标迈进。
三、艺术学院概况
艺术学院是学校重点建设的下属学院之一，有音乐学、美术学、视觉传达设计、环境设计、服装与服饰设计5个本科专业，全日制在校生近1500人。学院师资力量雄厚，拥有一支74人的专任教师队伍，音乐学专业是省级重点建设专业和省级新兴特色专业，音乐与舞蹈学学科是校级重点建设学科和校级扶持学科，设计学学科是校级扶持学科。学院着力培养学生的专业技能，积极参与地方企事业单位的文宣工作和地方创意产业的发展，近年来学生作品在各项大赛中频频获奖。学院教学环境与教学条件良好，艺术大楼等按学科、专业要求进行标准化建设，功能齐全，各专业实验室齐备、教学设施先进，配备九呎“斯坦威”钢琴等设施。
四、专业介绍
1、音乐学（四年制本科、师范）
主要课程：视唱练耳、基础乐理、基础和声、中国民族民间音乐、中国音乐史、西方音乐史、曲式与作品分析、艺术概论、合唱、形体与舞蹈、基础钢琴、基础声乐、器乐、论文写作、音乐专业英语(精品课)、歌曲作法等
择业去向：中小学校及其他教育单位从事音乐教育工作。
授予学位：授予艺术学学士学位
2、美术学（四年制本科、师范）
主要课程：素描（含速写）、色彩、书法、篆刻、中国画（工笔花鸟）、版画（材料与技法研究）、基础图案、Photoshop、摄影基础、艺用透视学、艺用解剖学、中国美术史、外国美术史、美术概论（含艺术美学）
择业去向：中小学校及其他教育单位从事美术教育工作。
授予学位：授予艺术学学士学位
3、设计学类（四年制本科）
设计学类分环境设计、视觉传达设计、服装与服饰设计三个专业。
择业去向：学生毕业后能在建筑装饰公司、园林设计公司、房地产公司、设计院、展览公司、会展企业、广告公司、电视台、网络公司、出版印刷公司、服装与服饰企业、服装与服饰销售企业以及其他企业和行政事业单位从事艺术设计或业务管理工作。
授予学位：授予艺术学学士学位
（1）视觉传达设计专业
主要课程：专业摄影、Corel DRAW、图形创意、Illustrator、字体设计、版式设计、标志设计、卡通形象设计、3DS MAX动画、POP设计、网页设计、海报与商业广告设计设计、手册与书籍装帧、包装设计、CI设计
（2）环境设计
主要课程：制图与识图、专业透视与人体工程学、材料学、建筑构造与建筑物理、室内外效果图、AutoCAD制图、3DS MAX效果图、商业空间设计、景观设计、城市规划、展示设计、室内设计、公共环境空间设计、装修施工管理与预算、综合设计
（3）服装与服饰设计
主要课程：时装画技法、手工印染、男女装设计、童装设计、中外服装史、服装结构设计、服装制衣工艺、立体裁剪与造型、针编织工艺、服饰配件设计、服装CAD、服装生产与营销管理、时装广告与创意、服装心理学、衣料图案设计、时尚与视觉传达、服装人体工程学、时装摄影、时尚品牌商业策划、陈列设计、服装专业英语、网络营销、创意思维训练、童鞋设计等。
五、招生计划
1、2016年我校在浙江、天津、安徽、陕西、江苏、山东和湖南招收艺术类考生，天津（美术类）、江苏、山东和湖南（音乐）为专业校考，浙江和安徽为专业省统考。
2、招生专业、计划和学费详见下表
湖州师范学院2016年招生计划
六、招生考试办法
1、专业考试科目及安排
（一）音乐类专业考试科目及内容
（1）考试科目：主项（声乐、器乐或舞蹈）、加试、视唱。三门考试的总成绩折合为100分，各门考试科目占分比例分别为：主项80%，视唱10%，加试不超过10%。（因我校音乐学为师范类专业，声乐为必修课程，所以主项是器乐或舞蹈的考生加试必须是声乐）
（2）考试内容：
①视唱：分A、B两门，任选一门，两者均为抽题视唱。A为五线谱视唱、B为简谱视唱。
②声乐：自选独唱歌曲1首，考生自备乐谱。
③器乐：钢琴或民乐或大提琴或管乐，演奏自选练习曲或乐曲一首。
④舞蹈：技巧组合和成品舞。
（二）美术类专业考试科目及内容
（1）考试科目：《素描》、《色彩》二门，考试总成绩为200分。
（2）考试内容：
①《素描》：真人头像或静物默写。
要求：A、造型准确；B、表现技法与技巧运用恰当；C、画面构图完整；D、用铅笔、炭笔类工具表现。
②《色彩》：静物或风景默写。
要求：A、造型准确；B、色彩关系明确；C、空间处理与表现技法恰当；D、限水粉、水彩形式表现。
2、报名、考试
符合普通高校招生条件的考生持本人身份证原件（或派出所附上同底版照片的身份证明）及省联考合格证（无联考省份除外），近期同底版半身免冠一寸证照2张，在指定时间内到规定地点报名、考试。
3、陕西、江苏、山东湖南和天津艺术校考成绩查询和合格证划定
（1）成绩公布时间为2016年4月，届时我校将开通2016年艺术类专业校考成绩查询系统，请考生登录我校招生网进行艺术类考试成绩查询。
（2）我校按各专业招生计划的1：4划出专业考试合格分数线，合格证发放名单将在我校招生网上公布。
4、录取办法
（1）陕西、江苏、山东、湖南和天津艺术专业的录取办法：在思想政治品德考核和体检合格、专业和文化成绩达到分数线的情况下，学校根据专业考试成绩从高分到低分，并注意相关科目成绩择优录取。
（2）浙江省艺术专业录取办法：对文化、专业成绩均合格的进档考生，分数优先，遵循志愿，按综合分从高到低排序依次对照专业志愿进行录取。文化分以750分为满分计算，专业分以100分满分计，具体折算方法为：
浙江省：综合分=文化分×50%+专业分×7.5×50%；
（3）安徽省艺术专业录取办法：详见安徽省招生录取相关文件。
5、联系方式
地址：浙江省湖州二环东路759号
电话：0572-2322001
一、提倡知识结构的“三边合力论”，实现本学科专业知识与技能、多学科综合性知识、教学实践与学术研究能力的全面协调发展。
本学科专业知识与技能是成为高素质专门人才的基础。不可否认的是，与专业艺术院校的生源不同，师范大学、综合性大学音乐教育专业的一些研究生在学科专业知识与技能方面较为薄弱。从目前情况来看，此类研究生绝大多数来源于同类大学的本科毕业生，他们不像专业音乐院校的本科毕业生那样，从附小到附中再到大学，接受过较为系统的音乐专业理论、知识与技能技巧教育，长期在音乐艺术环境中熏染、陶冶，具有较为扎实的基本功，掌握了较为全面的专业知识；另外，由于我国基础音乐教育较为薄弱，许多音乐教育专业学生都是从大学期间才开始较为系统地学习音乐专业知识和技能技巧，其中大部人具有“重技轻艺”、“重技能轻理论”的倾向，从而影响了专业知识理论基础的夯实。因此，对于师范大学、综合性大学音乐教育专业的研究生来说，在专业基础理论、基础知识方面不仅是加深、加宽、加厚的问题，尤其需要注意的是补课，补其不足之课，补其欠缺之课，补足其基础理论、基本知识、基本技能技巧之课。基于这一客观现实，笔者认为，在音乐教育专业的研究生教育中，应当开设“音乐学概论”、“音乐形态学研究”和“音乐学术资料的调查与分析”等课程。通过“音乐学概论”的学习，理解音乐学及其分支学科在学科体系整体中的位置和作用，了解学科发展历史、学科前沿，并以开阔的胸襟、触类旁通的方法和思路来进行学术研究；开设“音乐形态学研究”课程，使学生以扎实的态度重温和补充加深“乐理”、“和声学”、“复调音乐”、“曲式学”、“配器法”等五门课程的西方、中国、现当代的专业知识，为其进一步攀登高峰而夯实基础；“音乐学术资料的调查与分析”则从音乐学术资料的类别、调查途径、调查原则、调查方法、调查提纲、记录方式、分析与使用等方面，引导学生重视音乐学术资料的调查与分析，掌握其方法，为研究工作的开展奠定基础。
对于师范大学和综合性大学来说，多学科综合性知识的教学是一个有利的条件，因为校园里众多的院系、专业为此提供了诸多方便，图书馆是知识的海洋，选修课是帮助学生摆渡到知识彼岸的方舟，多种多样的讲座是传播知识的畅通渠道。可是，千万不能让学生因此迷失方向，毫无目的地漂泊在这漫无边际的知识海洋。而应当提倡综合性知识学习的目的性、针对性、广泛性和深刻性。目的性，就是根据研究生所学专业，围绕着学科发展的需要来选课、读书，读经典名著、名篇，使学生从一开始就有一个学术品质优良、学术水平高的榜样和追求。针对性，是要按因材施教的要求，针对学生的优势、短项，引导他们选课、听课、阅读，以求扬长补短。在做学问的路途上切记不能扬长避短，因为对于自己的薄弱点，如果不及时补足的话，任其发展下去，这个“点”就有可能扩展成“面”，这个面还可能变成“窟窿”，甚至于是“悬崖”。所以，有针对性地“扬长补短”应当成为每一位青年学者的警醒之行。广泛性，是从学生应当具备较为宽厚的基础着眼来扩大知识面，为攀登学术高峰构筑宽广坚实的塔基。深刻性，就是应当鼓励学生选准研究方向的某一点作深入钻研，掌握打钻井的方法，积蓄深挖细掘的知识能量，使自己能有所发明有所发现，做出独特的贡献。
教学实践能力的培养是音乐教育专业研究生教育中的重中之重。现在，许多音乐教育专业的硕士毕业生已经进入到中小学基础教育师资队伍中，备课、上课、表演示范、教材教法设计、组织音乐活动等教学实践能力是一个合格音乐教师必备的专业素养。因为所有教育成效的高低均取决于教师的教育教学素养，音乐教育专业研究生培养中要加强音乐教育教学实践，尤其一些国际著名的音乐教学法，学生不仅要熟悉其理论基础，更需要进行实践操练，而根据音乐本体特点设计教法、进入课堂的教学实践实习课将是所有音乐教育研究生必不可缺的专业学习内容。
学术研究能力的培养是所有专业研究生教育中的一个重要方面。对于音乐教育专业研究生来说，除了理论知识的掌握以外，更重要的是具有问题意识，尤其是善于洞察并发现“真”问题，不仅关注那些关系到音乐教育价值与发展的理论性研究议题，还要发现教育教学实践中需要解决的问题。另外，他们还需要掌握学术研究的方法，进行研究方法的训练和运用，既要有一般方法论的讲授，又要有具体方法的传授，还要有实地调查和对所得资料的分析、综合、使用能力的培养以及论文写作方法的娴熟掌握。在论文写作过程中，培养创新能力，追求观念创新、方法创新、成果创新，使研究生通过论文写作实践锻炼学术研究能力，提高学术研究水平。
二、提倡课程结构的“三边合力论”，做到学位课程、必修课程和选修课程的互相补充。
师范大学、综合性大学音乐教育专业研究生教育的课程结构模式和其他音乐专业研究生教育的课程结构基本相同，一般包括学位课程、必修课程和选修课程等。我们应当认识这三类课程之间的辩证关系，合理安排，充分重视，提倡三者之间的互相补充。
公共学位课程中，外语课是一门值得重视的课程，必须抓得更紧、更实些，要重点培养研究生综合运用语言的能力，使研究生不仅达到阅读本专业的外文资料的能力，还具备撰写专业学术论文以及进行国际学术交流的听说能力。但是，从目前情况看，有些学校放松了对外语课程的要求，取消了原来要求研究生达到六级水平的规定。笔者认为，这是一种倒退行为，我们应当把加强外语教学、提高研究生外语水平，作为培养国际学术视野、促进中外学术交流、提高学术研究层次的一个重要基础环节。要克服那种把外语当成“敲门砖”、“租邮票”的学习倾向，虽然每个学段都有外语考试，充其量只能算是花5分钱去租邮票，考试结束后就不再继续学习，把租来的邮票还给了老师。结果是，许多学者虽然经历了大学、硕士、博士、副教授、教授等各阶段的外语学习与考试，等于花了5个5分钱，共25分钱，最终却只买到一张邮票。与其那样，倒不如每次都下苦功夫真学，学完后不要放弃，利用外语做学问，在大学、硕士、博士三个阶段各花8分钱，总共花24分钱就将初级、中级、高级邮票都买到手，将外语用到专业学术研究中，使听、说、读、写、译达到自如、自觉和自由。
专业学位课是在二级学科或若干个相关的二级学科基础上开设的本专业或相关专业的研究生都必须修读的课程。对于音乐教育专业的研究生来说，可以是音乐教育基础理论课或有关音乐教育研究方法论的课程，也可以是关于音乐教育学科发展前沿内容的系列讲座或音乐教育经典文献选读，以便使学生了解学科性质、特点、理论框架、历史、发展新动向，成为掌握学科理论体系和研究方法的主要途径。因此，应当切实保证这些课程的教学质量。
专业必修课应根据音乐教育专业研究生培养目标的具体要求，注意课程的体系化、课程内容的合理性与整体功能，体现学科的基础性、理论性和学科前沿性特色，适应音乐教育高层次专门人才培养的高、精、深要求。
选修课，既包括音乐专业方向选修课，也包括艺术类其他专业方向的选修课，以及非艺术类的其他学科的选修课。这是充分满足学生兴趣，发展他们的专长和特点的课程，应当鼓励研究生在本系、本院、本校以及其他系、其他学院、其他学校选修他们喜欢的有兴趣的或对他们未来专业发展有益的课程，以充实和扩展其知识领域。并且应当根据各校师资的专长和地域特点、优势开设学校、地方的特色课程，如：各地的区域音乐史、乐种史、地方音乐、少数民族音乐以及以各校学有所长的专家的优秀研究成果为基础的音乐专业课程等，使各校、各地方的研究生教育能办出水平，办出特色，为当地的经济、社会发展做出更大的贡献。
三、培养方式的“三边合力论”，提倡校内、校外和国际之间的互相促进。
当今时代，虽然局部地区时有动荡，但是和平、发展、交流、合作业已成为国际关系的主题。同样，在音乐教育专业的研究生教育中，也应当充分抓住这一有利于学术发展的良好机遇，提倡校内打好基础，校外广泛吸收，开拓国际学术视野，开展中外学术交流。
首先，是校内打好基础。这是根本。因为只有充分发挥教师与学生的教和学的主动性、积极性，掌握基础理论、基本知识、基本技能技巧，完成各项教学任务，才能谈得上对外交流。千万不能好高骛远，近庙欺神，因为我们的各个学位点都是经过一定程序审批，达到一定水平才准予设置的，一经设立就必须尽自己的职责去完成各项教学任务，保证教学质量。
第二，是校外广泛吸收。“尺有所短，寸有所长”，就我们国家的各省（直辖市、自治区）的各学校、各学位点来说，确有水平的参差，特色、优势不同。一般说来，部属重点高校、“211”高校、有国家级重点学科的高校，水平要高出一筹。因此，同这些学校进行横向交流，向其学习，无疑是十分必要的。另外，一些其他大学和学术研究单位也都藏龙卧虎，或者是有某方面学术优势的专家，或者有某些领先的学术领域、某门国家级精品课程，十分值得学习和交流。我们在音乐教育专业的研究生教育中，应当提倡资源共享，采取请进来、派出去的方式，广泛吸收兄弟院校和其他学位点的优秀学术研究成果和特色课程，用于充实自己。多年来，教育部有关部门所组织建设的“资源共享课程”值得参考、学习，对提高教育教学水平有直接的促进作用，在音乐教育专业的研究生教育中，应当充分利用这些课程资源，开拓学生的学术视野，提高学术水平。
第三，是开拓国际视野，开展中外学术交流。采取聘请相关学科的国际知名专家来校长期、短期讲学，开设专题讲座，派遣研究生到国外考察研究、参加国际学术研讨会等方式，使研究生能及时了解国际上相关学术领域的研究动态、研究成果和发展新趋向，参与国际学术活动，不断提高学术水平。同时，鼓励师生充分利用现代化信息网络，通过互联网查阅国外相关学科的学术资料，关注相关学科的国际学术动态和学术研究成果，使自己的学术研究能与国际相关领域保持密切的联系，取其精华，不断前进。
我们相信，只要充分发挥师范大学、综合性大学多学科、基础厚、渠道广的优势，我们的音乐教育专业的研究生教育就一定能够办得更好，办出水平、办出特色，为音乐教育事业的发展做出更大的贡献。
一、 研究生教育“本科化倾向”的现状分析
首先从观念上，人们对研究生教育的认识仅仅理解为本科教育的自然延续，用本科生的教学模式来规划研究生教育，用本科生的教育规范来管理研究生，用本科生的评价标准来评价研究生教育，如此种种使得研究生教育较多停留在本科水平上。过多追求基础知识和技能的学习，对研究能力和创新能力重视不够，形成研究生研究能力不强、创新能力不足、探索精神不够，同本科生一样只学技能，理论研究水平偏低的现状。
笔者查看了几所高校硕士研究生的课程设置，如“声乐表演与教学”研究方向，其培养目标是“研究生应具有相当程度的歌唱示范能力，对中外声乐艺术发展史、声乐名作、歌唱教学理论、教材教法进行深入研究，并具有一定的写作能力、科研能力和教学能力的高级人才”。课程设置有学位公共课、学位基础课、学位专业课及选修课。学位公共课同本科一样采用“大统一”的课程模式，无非就是政治理论课、外语课、计算机课等，课程门类过于单一，课程结构缺乏弹性和开放性，学生根据自己的情况进行选修的余地很小。学位基础课同本科一样，只有视唱、和声、曲式、音乐史、声乐艺术史、钢琴艺术史、声乐理论等基础课，还有美学史、歌剧赏析等为数不多的选修课。基础课深度不够，选修课广度不足，其中培养研究生演唱能力的实践表演课、培养研究生研究能力的写作课、培养研究生教学能力的教学课几乎没有，最多象征性地同本科一样有几周的教育实习。有关论文写作和专题讨论的课程更是少之又少。学生仍停留在技能学习的层面上，很难将技能与表演、学习与研究、研究与创新结合起来。
从教学模式上看，研究生课程虽然比本科生从数量上减少了，但在上课形式上，大部分学校依然沿用本科的集体授课或“一对一”技能课教学形式，教师把学生看作是知识的接受者，学生把教师看作是知识的传授者，他们的关系是简单的“教”与“学”。教师不与学生交流、沟通，而是发表自己的见解让学生接受、记忆，教学变成一种单向的活动，因此学生的学习仍停留在被动接受的层面上。不能自主探索就很难有创新意识，当然更不利于培养研究生的研究能力和创新能力。另外，研究生缺乏统一编写的教材。目前研究生用的教材多与本科通用，无论理论课用书还是各种专业用书大都沿用本科教材，这也是“本科化倾向”的一个表现。
在研究生招生管理体制和结业标准上，研究生教育也逐渐和本科相趋同。在招生管理体制上，为了应付日益增多的研究生数量，管理上更注重行政力量而不是学术力量的运用。在招生过程中行政参与很多，导师“有责无权”，和本科招生没有更多区别。在结业标准上，只要学生考入校门就意味着取得学位证书。综上所述，研究生教育已大部分等同于本科教育，成为本科教育的延续。研究生教育“本科化倾向”降低了研究生的创新性和研究性，忽略了研究生的学术性，势必会降低研究生的质量。
二、 对研究生教育“本科化倾向”的反思
出现研究生教育“本科化倾向”就是从根本上忽略了研究生教育同本科生教育的区别，忽略了研究生教育的特殊要求和运行规律，因此，要想提高研究生教育质量，必须从根本上认清研究生教育的特殊性，认清研究生教育的研究特性和创新要求，只有这样才能在研究生教育中遵循学术规律和人才成长规律，才能在研究生教育中培养出不同于本科生的高级专门人才。
在人才培养目标上，提高质量、培养创新精神和能力是研究生教育的核心。研究生教育的本质在于创新教育，是在继承本科教育的基础上，培养学生创新能力的教育。研究生教育担负着培养高级专门音乐人才和发展音乐事业的双重任务。一方面研究生教育在培养过程中直接产生知识和财富，培养出音乐领域的专门人才；另一重要方面是培养有创新精神并能够产生新知识的人才，也就是说，研究生不仅继承已有知识和财富，还要在理论研究或专业表演中创造出新的财富。
随着研究生招生规模的扩大，面临的首要问题是导师队伍严重短缺。大部分学校出现一个导师一届带四五个研究生，这对于音乐专业来说，导师不仅要指导毕业论文而且要准备专业学位音乐会，任务太重。二是导师质量堪忧。如果用学历层次来衡量，2000年全国普通高校专业教师中，具有硕士学位的教师比重23.4%，具有博士学位的仅有6.1%，而就音乐专业而言，学历层次更是偏低。从另一个角度看导师队伍质量，目前我国的导师制度仍以职称为准则，只有正高或副高职称才可以带研究生，而在评职称的过程中，多以论文的数量取胜，而不管其在某一科研领域的研究成果是否和其专业对口。同时，往往是刚刚晋升教授或副高职称就开始带研究生，无论教学和心理都准备不足，这也是造成导师质量下降的一个原因。
在人才选拔和程序上，研究生侧重于教育的效益和高层次人才的质量。本科教育的目标是为国家培养大量的高素质人才，因而在人才选拔上更注重人才的数量，保证所有的高素质青年都可以接受高等教育。而研究生生源相对狭窄，必须是获得本科学历或具有同等学历的人员。在人才标准上，研究生教育虽也参加国家统考，但仅限于英语和政治，专业内容则由各高校根据不同的专业要求和学校实际情况制定标准组织测试，因而高校具有最终的选择权和决定权。研究生的选拔不仅要成绩合格，更为重要的是该生具有所选专业的研究能力和发展潜力，也就是说，高校选拔研究生一定要在成绩合格的基础上关注学生的发展潜力、研究精神和治学态度。相对于音乐专业而言，目前公共课考试几乎成了决定命运的关键因素，往往只要公共课符合国家统一分数线，该生就基本能跨入研究生行列，这是因为多年来音乐专业本科文化分太低而造成的。这一畸形模式导致专业好的文化差，多数不考研，而文化能过国家线的又寥寥无几，为完成招生名额，只能按文化分招生，专业参差不齐，这是目前众多高校所面临的最为头疼的一件事，是服从行政命令完成招生名额，还是选拔优秀人才？这给研究生招生工作带来了很大的困难。
在培养原则上，研究生教育强调学术自由。本科教育虽也属专业教育，但比研究生教育而言，属于专业基础教育阶段，要求的是本专业基础理论知识的掌握和基本技能的学习。而研究生教育在学生掌握本专业知识与技能的基础上更关注学生对知识发展、问题解决的创新能力的培养和探索精神的形成，追求的不仅是学生对社会的使用价值，而且要求学生要创造新的价值，能给社会或本学科带来更大的价值，这就要求学生不仅能解决常规问题，并且能够通过研究和探索提出并解决新问题。
三、 对 策
其实导致研究生教育质量下降的原因，从相当程度上讲，是研究生招生规模扩大造成的，这是一种政府的宏观调控行为，也是导致研究生教育质量提高难的主要原因。而研究生教育的“本科化倾向”，则无疑是研究生教育质量不高的内在原因。因此，要提高研究生教育质量，目前还只能从内部改革，也就是必须改变研究生教育的本科化倾向。为此笔者提出以下几个对策：
1.注意研究生招生数量和质量的协调统一。既要关注数量的增长，又要采用多元化的质量标准。对学术性研究生应实行弹性数量招生，采取宁缺勿滥的原则。采取单独招生、联合培养、委托培养等多种方式来扩大研究生招生规模，满足社会需求和人才需求。
2.积极推行研究生教育教学改革。首先是加强导师队伍建设，完善导师的评聘和竞争制度，提高导师的综合素质，加强导师的责任意识，确保导师队伍具有较高的业务水平和具有先见性的教育理念及创新思维，使研究生教育向创新性、科研型方向发展。目前，由于研究生的招生规模扩大，学生人数增多，教学任务增大，许多导师只顾教学没有更多时间进行科研和教学改革，教学观念不能和同期的教学理念相一致，有些导师甚至很难接受一些新的教学理念。其次，导师的知识结构不太合理。随着现代社会科技的进步，专业设置和课程内容进行了相应的调整，一些适应实际需要的专业取代了不合时宜的旧课程，新的教学手段在教学中出现，因此要求导师必须加快知识结构的更新，适时把握理论前沿和学术动态，以便给学生以最新的知识，并引导学生进行有价值的理论和学术探讨。
其次要深化研究生教育教学改革，突出创新能力的培养。研究生课程要有一定的广度和深度，并具有前沿性和前瞻性。教学模式要打破以往的单一形式，提倡研究性教学和合作教学理念。
课程学习要注意理论和技能相结合、理论和实践相结合、理论和研究相结合、实践和研究相结合，在技能学习中找到理论的依据，从理论研究中受到启发。导师不仅要“传道、授业、解惑”，更要在知识传授的同时向学生展示思维过程，并培养学生多种思维解决问题的能力，强化研究生创新性思维的培养。
在教育过程中，研究生教学应更有弹性和学术性。首先，研究生教学要学习、研究和实践相结合。就拿声乐课而言，研究生声乐课要在声乐理论的指导下进行教与学，课下导师之间要相互沟通，要定期开展专题讨论和研究。声乐是一门表演艺术，光在琴房唱是远远不够的，一定要定期舞台实践，也要多参加社会实践，导师或学院要多组织教学实践。其次，研究生教学采取集中和分散相结合：课堂教学形式应具有伸缩性，不能拘于一格，有时是一对一的教学，有时是集中讨论，有时是分头查资料、找论据，导师应组织并策划这样的专题讨论和学习。再次，研究生教学要提倡跨学科研究和创新性教学：无论导师还是学生，一定要打破传统教育的桎梏，提倡跨学科研究，使学生的视野开阔，思维多元化。同时，研究生学习要突出自我学习、自我管理、自我负责性，以转变妨碍学生创新精神和创造能力发展的教育观念，这也是研究生创新能力培养的重要途径。
3.完善健全研究生招生及教育评估制度。在选拔标准上，要遵循“宁缺勿滥”的原则，注重学术力量而不是行政控制。研究生招生数量的增长不能以损害质量为代价。因此，在选拔中既要重视学生的学科成绩和专业基础能力，更要重视学生的科学研究精神和能力。
毕业要求一定要严格贯彻“宽进严出”的原则。“宽”是使学生在较为宽松的学习环境下学习，“严”是指学生的学位论文质量和学位音乐会一定要把好关，严格把握学生的质量；质量不合格坚决不予毕业。
音乐专业的学生不仅要写学位论文，而且要举办“毕业音乐会”，这也是衡量学生可否毕业的一个重要指标。音乐会既要体现学生的基本技能、表演才能、对作品的理解和诠释程度，又要体现学术性，也就是说研究生音乐会必须有一定的主题或学术方向，不能像本科生开音乐会一样，挑选各种各样的歌曲组成一场“大杂烩”。研究生音乐会要从学术角度出发，有一定的专场性质，如“艺术歌曲专场”、“中国歌剧专场”等等，如音乐会能和论文研究题目相匹配，那就更加有价值了。
论文的评定是研究生教育与本科生教育最大的区别。本科生也要做论文，但论文是检验学生的基本写作能力和学习基础知识的情况，学生只需对某一方面进行综述，而且论文只是学生学习成绩的参考。而研究生则要求淡化学生的平时成绩，更注重学生的学位论文。学位论文反映的是学生的创新精神和研究能力，学位论文质量不佳，则不予毕业。
洛阳师范学院的前身是始建于1916年的河洛道师范学校，历经省立河洛道师范学校、省立第四师范学校、省立洛阳师范学校、洛阳师范专科学校、洛阳师范高等专科学校诸阶段，2000年升格为本科院校。2007年，学校以优异成绩通过教育部本科教学工作水平评估；2011年，获批教育硕士专业学位研究生培养试点单位。近年来，学校获得“河南省文明单位”、“河南省文明标兵学校”、“河南省思想政治工作先进单位”、“河南省普通高等教育本专科学生管理工作先进集体”、“河南省普通高校毕业生就业工作先进单位”等荣誉称号。
学校现有文学院、历史文化学院、政法与公共管理学院、外国语学院、数学科学学院、物理与电子信息学院、化学化工学院、信息技术学院、体育学院、音乐学院、美术学院、教育科学学院、生命科学学院、商学院、学前教育学院、新闻与传播学院、国土与旅游学院、艺术设计学院、国际教育学院、继续教育学院、软件职业技术学院21个学院，4个公共教研部，61个本科专业，涵盖文学、理学、工学、经济学、管理学、法学、历史学、教育学、艺术学、农学等10大学科门类。学校有全日制在校生28000余人，各类成人教育学生4000余人。
学校始终坚持教学工作的中心地位，以质量工程建设为主线，深入开展教育教学改革。现有和省级特色专业9个、专业综合改革试点专业5个、精品课程和双语示范课程等18门，省级教学团队5个、实验教学示范中心3个；获批省级教育教学改革研究项目63项、教师教育课程改革研究项目57项，大学生创新创业训练计划项目165项；获得省级教学成果奖29项、教师教育教学成果奖8项。有人才培养模式创新实验区1个，省级教师教育改革创新实验区1个，省级本科工程教育人才培养模式改革试点专业1个，省级文化改革发展人才培养基地1个。
学校大力实施“人才兴校”战略，形成了一支结构合理、素质优良的师资队伍。现有教职工1400余人，其中，专任教师1200余人，高级职称人员440人，占专任教师的37%；具有博士学位人员220人，硕士学位人员760人，硕士以上学位人员占专任教师的82%。教师队伍中有新世纪百千万人才工程人选、享受国务院特殊津贴专家、全国优秀教师、全国模范教师、教育部新世纪优秀人才、省优秀专家、省学术技术带头人、省高校科技创新人才等各类优秀人才200余人。
学校坚持以学科建设为龙头，积极实施“科研强校”战略和“学科带动”战略。现有中原经济区智慧旅游河南省协同创新中心1个，国家体育总局体育文化研究基地1个，省级重点学科4个，“绿色无机保温材料实验室”、“无机非金属材料工程技术研究中心”、“河洛文化国际研究中心”等省级科研平台12个，“激光光谱技术重点实验室”、“物联网应用工程技术研究中心”、“城市文化研究中心”等市级科研平台13个。近年来，学校教师主持和参加国家自然科学基金项目、国家社会科学基金项目、全国教育规划项目和全国艺术科学规划项目等省部级以上科研项目400多项，在国际期刊发表并被《SCI》、《EI》收录的学术论文1000余篇，荣获省级以上科研奖和优秀教学成果奖300多项。
学校实施开放办学，与意大利都灵理工大学、美国佛罗里达大学、美国中密西根大学、美国克拉克大学、新西兰惠灵顿维多利亚大学、爱尔兰卡罗理工学院、爱尔兰沃特福德学院等院校合作办学，并加入了世界大学校长联合会。
学校现有安乐、伊滨两个校区，安乐校区占地1000余亩，伊滨校区规划用地2850亩。其中，占地560余亩、建筑面积27.7万㎡的一期工程已全部建成并投入使用，14000余名师生顺利入驻，成为新家园的见证者和守护者；建筑面积近40万㎡的二期工程已经开工，预计2016年百年校庆时全部落成，实现整体搬迁。学校固定资产总值约8.78亿元，图书馆藏书近200万册，中外文期刊4741种，电子图书30万余册，是中国知识工程文献检索二级中心。学校建有“千兆主干、百兆桌面”的校园网络，是“河南省高等学校数字化校园示范学校”。
目前，学校正按照“以人为本，以文为魂，以水为韵，功能合理、生态和谐、持续发展”的设计理念，全力推进新校区建设，力争建成环境优美、功能合理、文化气息浓厚的大学校园。在未来的发展中，学校将以科学发展观为指导，解放思想，更新观念，扎实工作，开拓创新，坚持“建新校、强内涵、惠民生、促和谐”协调发展，深入实施“一工程五战略”，加快推进“两大跨越”建设步伐，为建设成为一所立足河南、面向全国，综合实力和办学水平位居全国同类院校先进行列，以教师教育和应用型人才培养为特色的多科性大学而努力奋斗！
一、专业介绍
美术学：师范类本科专业 学制四年
培养目标：培养掌握美术教育基本理论，基本知识与技能，专业基础宽厚，具有创新精神和实践能力的较高素质、应用型的中学美术教育及社会美术教育教学与研究人员。
主要课程：
油画方向：中国美术史、外国美术史、素描、色彩、油画材料技法与临摹、油画人体、油画风景、油画人物、表现与抽象绘画、美术教学法。
中国画方向：中国美术史、外国美术史、素描、色彩、书法、篆刻、线描、山水画、水墨花鸟、工笔花鸟、工笔人物、写意人物、美术教学法。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
视觉传达设计：非师范本科专业 学制四年
培养目标：掌握视觉传达设计基本理论、基本知识与技能，专业能力突出，具有创新精神和实践能力的较高素质、应用型的视觉传达设计人才。
主要课程：图形设计、字体设计、版式设计、标志设计、广告设计、VI设计、包装设计、书籍装桢设计、室内设计、网页设计、展示设计、印刷设计。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
环境设计：非师范本科专业 学制四年
培养目标：掌握环境设计基本理论、基本知识与技能，专业能力突出，具有创新精神和实践能力的较高素质、应用型的环境设计人才。
主要课程：中国建筑史、外国建筑历史、室内效果图表现、家具设计、计算机辅助设计、室内设计、展示设计、模型制作、景观设计。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
动画：非师范类本科专业 学制四年
培养目标：掌握动画基本理论、基本知识与技能，专业能力突出，具有创新精神和实践能力的较高素质、应用型的动画研究与创作人员。
主要课程：动画概论、动画造型设计、动画运动规律、动画场景设计、数字绘画、摄像、非线性编辑、视听语言、分镜头设计、动画创作、影视特效合成、二维动画制作、三维动画制作。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
绘画：非师范类本科专业学制四年
培养目标：掌握绘画基本理论、基本知识与技能，专业基础扎实，富有创新精神和实践能力的较高素质、应用型的绘画创作研究人员及服务于社会的艺术工作者。
主要课程：
油画方向：艺术理论、技法理论、素描、色彩、油画材料与技法、油画人体、油画风景、油画人物创作、油画语言探索实践、抽象与表现绘画、综合材料绘画。
中国画方向：艺术理论、技法理论、素描、色彩、工笔人物、写意人物、山水画、工笔花鸟、写意花鸟临摹、水墨材料与表现、书法、篆刻。
版画方向：艺术理论、技法理论、素描、色彩、黑白构成、黑白木刻、套色木刻、丝网版画、铜版画、综合版画、纸版画。
水彩画方向：艺术理论、技法理论、素描、色彩、水彩静物、水彩风景写生、水彩头像写生、水彩技法与表现、水彩创作。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
音乐学：师范类本科专业 学制四年
培养目标：培养能够掌握音乐教育基础理论、基础知识、基本技能，具有较强的学习能力、实践能力、适应能力，能胜任基础艺术教育、社会艺术教育、文化传媒、广播影视等工作的高素质应用型人才，并为进一步深造打下坚实的基础。
主要课程：多声部音乐分析与写作、中外音乐简史、声乐、钢琴、器乐、合唱指挥、音乐学科教学论
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
音乐表演：非师范类本科专业 学制四年
培养目标：培养能够掌握本专业基本理论知识与较强的专业技能，具有较强的学习能力、表演能力和实践能力，能胜任文艺表演团体、文化管理部门、社会艺术教育、文化传媒公司、广播影视等领域工作的高素质应用型人才，并为进一步深造打下坚实的基础。
主要课程：声乐、钢琴、器乐、乐理与视唱、多声部音乐分析与写作、中外音乐简史。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
舞蹈学：师范类本科专业 学制四年
培养目标：培养能够掌握舞蹈学科基础理论、基础知识、基础技能，具有较强的舞蹈教学与表演能力，能胜任基础艺术教育、社会艺术教育、文化传媒、广播影视等工作的高素质应用型人才，并为进一步深造打下坚实的基础。
主要课程：芭蕾基训、中国古典舞、中国民族民间舞、舞蹈编导、舞蹈教学法。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
舞蹈学（体育舞蹈方向）：师范类本科专业 学制四年。
培养目标：培养具有体育舞蹈基本理论、基本知识、基本技能，能够在学校从事体育舞蹈、健美操、艺术体操等教学、训练和编导工作，并能胜任艺术表演团体、演艺机构的表演、组织和管理的应用型人才。
主要课程：舞蹈学、舞蹈艺术概论、舞蹈编导、教育心理学、运动解剖学、运动生理学、体育保健、专项理论与实践等课程。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
戏剧影视文学：非师范类本科专业 学制四年
培养目标：本专业培养具有戏剧、戏曲舞台和影视创作基本理论，以及剧本创作和编导技巧能力，具有较高艺术修养和艺术创造力，能在文化馆站、中小学、戏剧戏曲和影视相关学科领域从事创意策划、创作、研究、教学等方面工作的复合型、创新型人才，并为进一步深造打下基础。
主要课程：中外戏剧史、电影发展史、戏剧学概论、戏曲概论、影视概论、中外文学、语言学、编剧概论、影视编剧与实践、话剧影视剧本写作、戏曲文学剧本写作、影视制作等。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
广播电视编导：非师范类本科专业 学制四年
培养目标：培养具备广播电视艺术理论知识与编导技能，具备较高政治素质、艺术修养和艺术创造能力、能够从事节目编导，影视制作、广告策划，或独立制片等方面工作的应用型与实用技术人才。
主要课程：中外广播电视史、广播电视概论、新闻学原理、广告学、广播电视节目编导与制作、电视专题与专栏、摄像与非线性编辑、电视栏目包装、中外广播电视名栏研究、媒介经营与管理等。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
播音与主持艺术：非师范类本科专业 学制四年
培养目标：培养掌握播音与主持基本理论知识和广博的文化知识，具备较高播音与主持技能，能够从事播音主持、新闻采编、广告与影视配音等方面工作的应用型艺术人才。
主要课程：播音学概论、普通话与播音发声训练、播音创作基础、广播播音、广告与影视配音艺术、节目主持人艺术、电视新闻采访务实、中外节目主持人研究等。
授予学位：符合学士学位授予条件者，授予艺术学学士学位。
二、招生专业、计划、生源地及收费标准
专业
代号
国标
代码
专业名称
科类
层次
学制
招生
计划
招生范围
学费
(年/生)
01
130401
美术学
文理兼招
本科
4
50
山西、江西、甘肃、山东
5700元
02
130502
视觉传达设计
文理兼招
本科
4
45
山西、江西、甘肃、山东
5700元
03
130503
环境设计
文理兼招
本科
4
25
山西、江西、甘肃、山东
5700元
04
130310
动画
文理兼招
本科
4
25
山西、江西、甘肃、山东
5700元
05
130402
绘画
文理兼收
本科
4
40
山西、江西、甘肃、山东
5700元
06
130202
音乐学
文理兼招
本科
4
64
山西、江西、甘肃、山东、湖南
5700元
07
130201
音乐表演
文理兼招
本科
4
36
山西、江西、甘肃、山东、湖南
5700元
08
130205
舞蹈学
文理兼招
本科
4
30
山西、江西、山东、湖南、安徽
5700元
09
130205
舞蹈学
（体育舞蹈方向）
文理兼招
本科
4
55
山西、江西、山东、湖南、湖北、安徽
5700元
10
130304
戏剧影视文学
文理兼招
本科
4
90
山西、江西、甘肃、山东、湖南、安徽
5700元
11
130305
广播电视编导
文理兼招
本科
4
70
山西、江西、甘肃、山东、湖南、安徽
5700元
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130309
播音与主持艺术
文理兼招
本科
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关键词：艺术管理；艺术管理人才；培养；企业导师
中图分类号：G42 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）14-0213-02
一、艺术管理专业的特点
由于艺术文化市场的发展，艺术管理学科作为一门新兴学科逐渐兴起。艺术管理，从字面上就可以看出其专业特征，它是艺术和管理两种不同的专业相互交叉而产生的学科。从其学科属性来说，由于侧重点不同，有人认为艺术管理是将管理学的理论和方法运用于艺术领域，认为艺术管理应属于管理学；更多的人认为艺术管理是基于艺术学的基础，运用管理学的理论方法来推动艺术的发展，认为其应属于艺术学的分支。目前我国各高校根据各自的优势学科资源，对艺术管理专业的进行不同的方向定位，专业名称各不相同，例如中国传媒大学媒体管理学院的文化产业管理专业、北京电影学院的公共事业管理专业、中央音乐学院的音乐艺术管理专业、中央美术学院的艺术管理专业等。2011年随着艺术学成为独立的学科门类，艺术管理成为一级学科艺术学理论之下的二级学科，这为艺术管理专业提供了更为广阔的发展。
艺术管理是一个多领域交叉学科，其以艺术学为基础，运用管理学的知识实现艺术自身价值、社会价值以及市场价值的最大化。艺术管理的研究内容及范围以艺术学、管理学为母体，但应该部分地跳出两者的研究内容和范围，因为事物的整体不是部分的简单相加。要实现艺术管理的作用，不光需要具备艺术和管理的相关基础知识储备，还需要掌握经济、科学、心理、社会、政治等各方面的知识。因而艺术管理覆盖的知识面很广，同时艺术管理专业又是一门实践性很强的专业。
艺术管理最早可以追溯到古希腊时期围绕“酒神节”所举办的喜剧表演中的活动。我国周代的“大司乐”是史料记载最早出现的艺术管理机构。艺术管理是围绕着艺术组织所进行的一系列活动。从艺术管理专业的研究对象来看，我们认为艺术管理的主要研究对象是艺术组织及其活动，涉及艺术组织的活动及管理过程。艺术管理者担任着计划、组织、指挥、协调和控制这五项职能，这要求一个合格的艺术管理者不仅需要理论知识的积累，而且需要实践的活动经验。艺术管理是一门实践性很强的学科。理论往往是实践经验的总结和升华，相关的理论在不同的环境下的实用价值也常常有所不同。
同时艺术管理也是一门创新型专业。在经济全球化的发展趋势下，国家大力发展文化创意产业，社会对创新型艺术管理人才的需求量逐渐增加。艺术创新是艺术活动与文化产业存在及发展的必要条件。社会需要的不再只是简单对艺术活动进行运作的人员，而是具有创新能力的创造者。
二、艺术管理人才需要具备的一般素质
由艺术管理专业的特点可以看出艺术管理专业培养的是既懂艺术又懂经营管理的复合型人才。艺术管理人才能够在艺术和市场之间架起桥梁，在实现艺术自身价值的同时，能实现艺术的市场价值，创造一定的经济效益。艺术管理者兼有艺术创意者、创作者，策划者等职能，他既应具有宽阔的视野，又应具有细腻的微观的创造能力； 既应富有研究素质，又具有批评内涵； 既应有理论修养，也应拥有管理运作的较高水平；既应善于理性思维，又应富于创造性想象。因而艺术管理人才至少应该具备以下素质特征：
（一）艺术鉴赏水平
艺术管理人才从事的是艺术领域的相关活动，对艺术作品必须有一定的鉴赏能力。只有自身有了较高的艺术修养，才能更好的引导受众了解艺术作品。艺术管理人才不仅要懂得艺术活动的一般规律和各种艺术形式的基本特点，还能够根据自己的实践经验审视艺术活动的基本态势及其前景。
（二）经营管理才干
艺术管理作为一种管理活动，艺术管理人才只有具备足够的经营管理知识和市场运作能力，才能实现艺术活动利益的最大化。
（三）交际沟通技巧
交际沟通技巧对面向市场的艺术管理人员是必不可少的，只有主动和艺术营销中各个环节的人打好交道，建立良好的人际关系，才能不断推出新的作品，逐步拓展市场渠道。同时，作为管理人员要善于沟通，能够听取其他人员的意见和建议，通过平等交流达到更好的团队合作。
（四）宽阔的文化视野
艺术管理人员应该具有深厚的人文与历史的素质和修养； 熟悉一定的现代科学技术知识；懂得不同地域、民族人们特有的接受心理，以最大可能满足人们的审美心理需求。
（五）开拓创新精神
当代艺术管理不再是简单的对于艺术活动的一般性操作或运行，而是对于艺术活动具有创新性的运作。艺术管理人员需要具有开拓创新精神，关注世界范围内的艺术市场的动态变化，了解当地市场需求，不断地推陈出新，将优秀的艺术作品带给人们，给人们带来精神上的愉悦。
三、艺术管理人才结构细分
艺术管理者是文化艺术管理运行机制中最活跃的因素。 管理者素质、能力的高低，将直接影响艺术管理工作的质量甚至整个文化产业的发展进程。根据艺术管理专业目前的状况及其未来的发展的形势，艺术管理人才可以从结构上大致分为三个不同层次。
第一层次是高层艺术管理人才，是艺术企业的“CEO”，是艺术活动的决策者，对整个艺术企业、艺术活动的管理负有全面责任。高层次的艺术管理人才进行资本运作，制定市场开发战略，可以开拓新领域，提供新思路，这部分人需具有开拓创新精神，他们对艺术管理未来的发展方向和整体水平有着决定性的作用，是艺术管理生存与发展的核心层。
第二层次是中层艺术管理人才，位于高层艺术管理人才和基层艺术管理人才之间，需要执行上级的命令和配合其他部门的工作，同时还需要监督协调基层管理人员的工作。他们可以是项目策划师、推广创意人、经纪人等，这部分人是不仅懂技术、懂行业知识、懂管理还需善于沟通交流和战略洞察力，这部分人对艺术管理的发展有着主导作用，决定着行业发展的规模与速度。
第三层次是基层艺术管理人才，是最低层次的艺术管理者，需给下属人员安排工作任务，指挥监督现场人、财、物的工作。这部分人需要一定的技术技能，他们是艺术管理的基础。
目前，中国尤为需要的是高层次艺术管理人才，高校教育应注重培养学生的基本素质和潜力，帮助学生迎接艺术市场发展的未来挑战。
四、传统艺术管理人才培养模式及存在的问题
在我国，艺术管理还是一门新兴学科，艺术管理专业的课程设置还在不断摸索，学科建设、体系还不完善。艺术管理专业覆盖艺术和管理两大学科领域，在课程体系上要二者兼顾，在内容设计上要实现二者的有机结合。各院校根据自身特点把“艺术管理”分别挂靠在公共事业管理、美术学以及音乐学这3个学科上，制定了自己的培养方案，在专业基础课或主干课程的设置上也有所不同，有的学校（如中央美术学院、中国音乐学院、上海音乐学院等）以某一艺术门类学科的主要课程作为专业基础课或主干课程，有的学校以整个艺术学科主要课程作为专业基础课或主干课程（如山东艺术学院、天津音乐学院等）。
传统艺术管理人才培养模式为研究生在校修完课程学分和实践学分，之后在导师的指导下完成学位论文。在学校主要是学习相关的理论知识。实践方面由导师带领外出参观考察、进行实地调研，或者学生可以策划校内演出、展览活动，假期学生自主选择单位进行相关实习。但是实际上这种所谓的考察调研只是走马观灯式的，没有针对性，学生的收获甚微。大多数学生的假期实习也只是打杂，而不能将自己所学的理论知识运用于实践，不能使深入了解文化市场。学校教育和实践活动实际是脱节的。这种模式的艺术管理教学，虽有实践却不重实践。学生也很难通过参加这些实践活动激发自己的创新思维。
再者学生可以以实验室和导师的项目及相关课题为载体，在项目的研究和开发过程中得到一定的实践经验，在参加项目的过程中发掘自己的创新能力。但是由于政府对学校及实验室的投入经费不多，导师的项目与经费十分有限，仅依托学校已很难胜任艺术管理人才培养的规模和质量要求。
五、企业导师模式培养模式及优势
显然，要打破传统艺术管理专业教学中存在的课内教学和课外实践脱节的现象，要提高学生的动手实践能力和创新能力，只依靠校内的专业实践是远远不够的。为了弥补传统艺术管理人才培养模式存在的缺陷，亟需引入企业导师模式培养艺术管理人才。
企业导师模式为研究生在校内导师的指导下学习艺术管理专业课程的学习，同时在企业导师的指导下将学习到的理论知识运用到企业上进行实践，校内导师和企业导师可以针对学生在课程学习和实习过程中遇到的问题进行交流沟通，学生在两位导师的共同指导下完成学业。
企业导师可以为学生提供一个真实的实践学习环境，对完善艺术管理人才模式的培养有重要意义。校内导师侧重理论培养，校外导师着重实践指导，两者相互补充，相互渗透，可以使学生进行有针对性的实践活动，将所学的理论知识运用到实践活动中，由实际活动中遇到的困难了解到相关理论知识的不足，进而加强理论的学习。这为培养学生的实际操作能力，夯实专业基本功有重要意义，同时也是培养学生开拓创新精神的重要途径。由学校导师和校外导师共同指导研究生培养全过程，大大提高了研究生的培养质量。两位导师积极交流沟通，引导学生在实践中验证和解决问题，鼓励学生边思考边实践边验证，能够发掘出学生自身的创新潜力。
这种多样化的培养模式是对传统培养模式的超越。这种模式有利于拓宽学生的知识面，增加专业实践经验，缩短成才过程，高层次的艺术管理人才培养提供了广阔的发展空间。由于艺术管理专业具有明显的实践性，企业导师模式不但可以让艺术管理人才在具有一定的学术研究特点，而且可以更好地保障学生培养的质量。实行企业导师模式培养艺术管理专业学生，其目的是实现艺术管理的“专业化和多样性”、“高层次与实用性”的人才培养目标，提高人才培养质量。企业导师模式使艺术管理研究生培养中实现合理衔接，在高水平的理论研究与高质量的实践创新的有机结合上，消除“学术”与“实践应用”的天然屏障，在学科交叉的氛围和环境中激发学生的创造性。
结语：企业导师制是为了适应社会对高素质、高层次艺术管理人才的需求而探索出的教育模式。这种教育模式有利于学生接受实践的检验，更有利于培养社会需要的人才。充分发挥高素质的校内外导师的各自优势，共同实现研究生的培养目标，是保障艺术管理专业学位研究生培养质量的关键。在艺术学理论硕士专业学位制度不断发展的基础上，逐步提高学生的实践能力，探索出一条新的、高效的培养有创新思维和技艺高超的应用型人才的途径，是目前艺术管理人才培养的当务之急，其核心是“双导师制”能否得到很好的实施。
本文为中南大学研究生教育教学改革研究课题，课题编号：2012jg05
一、学科发展与人才培养概况
从学科内涵来看，升级后一级学科无疑要更加丰富和广泛。目前，本学科的主要研究方向与研究内容为：音乐与舞蹈理论研究、音乐与舞蹈创作研究与实践、音乐与舞蹈表演研究与实践、音乐与舞蹈教学研究与实践、音乐与舞蹈的跨学科研究与应用等。
截止2012年，全国拥有音乐与舞蹈学（一级学科）博士点、硕士点的单位共计90家（其中12所院校为博士点，其余78家为硕士点），主要包括研究机构、综合大学、师范类大学以及各类艺术院校。
2012年，全国各高等院校的舞蹈专业招生从数量上保持稳定，主要集中在舞蹈表演、舞蹈教育、舞蹈编导、舞蹈理论、音乐剧等方向，特别值得一提的是近年来舞蹈专业的高学历层次教育有所扩大，研究生学历教育以及攻读专业学位（艺术硕士）的招生数量有所攀升，舞蹈专业教育层次的整体提升趋势日渐明显，为本学科的未来发展奠定了良好的人才基础。音乐与舞蹈学专业的研究生教育涵盖博士与硕士两个学历层次，舞蹈学方面博士研究生数量较少，开设舞蹈学博士点的院校仅有两所，而硕士研究生近年来招生人数有所增加，除艺术硕士（MFA）外，还包括专业型与学术型硕士。舞蹈学的硕士研究生教育旨在培养学科理论基础扎实，掌握基本的知识体系与较高深的专业技艺，具有较好创新意识与综合学术修养，能够独立进行学术研究的舞蹈学综合人才。
在招收舞蹈专业的各类院校中，单科性艺术学院以及综合性艺术院校在人才培养方面较为注重舞蹈实践能力，综合类大学和师范类大学在人才培养方面具有舞蹈理论与实践综合方面的优势，个别舞蹈单科院校和研究机构（如北京舞蹈学院和中国艺术研究院）在专业方向设置方面较为丰富齐全，涵盖了舞蹈学研究的各个方面。
二、学术成果汇集
2012年舞蹈学领域内的学术研究在内容与研究对象方面相比以往更加丰富，涵盖范围也愈加广泛。传统的舞蹈学研究方向如舞蹈基础理论研究、舞蹈史研究、民间舞蹈研究、舞蹈作品批评、舞蹈编创理论、舞蹈表演研究、舞蹈教育研究、舞蹈人物研究等依旧是学术研究的主要内容，而一些新兴的研究领域如新媒体舞蹈、舞蹈产业与舞蹈创意、舞蹈知识产权、舞蹈医学、舞蹈管理等也逐渐进入舞蹈研究视域，为本学科的学术研究进一步拓宽了视野并增添了时代气息。
1. 科研项目
2012年国家社会科学基金艺术学立项项目共123项，其中7项涉及舞蹈史、舞蹈生态学、舞蹈文化综合等方面，相比2011年增加了3项。其中民间舞蹈研究方面有北京舞蹈学院高度主持的《中国民族民间舞口述史研究》（国家一般项目）、赣南师范学院赖丹主持的《赣南采茶舞蹈的风格特征研究》（国家一般项目）、许昌学院刘柳主持的《河南民间舞蹈史》（国家一般项目）、漳州师范学院郑玉玲主持的《闽南民间舞蹈的源流与嬗变》（国家一般项目）、新疆艺术剧院库来西・ 热介甫主持的《中国维吾尔族舞蹈发展史》（国家西部项目）、云南省民族艺术研究院葛树蓉主持的《云南15个特有民族舞蹈生态研究》（国家西部项目）。已获立项的项目中暂无国家重大项目。从立项情况来看，民间舞蹈研究与舞蹈人类学交叉研究占绝大部分，而舞蹈理论、舞蹈文化研究、舞蹈社会学研究等课题方向需要在未来的科研立项中予以重视。
2012年国家社会科学基金艺术学结项共48项。其中舞蹈研究1项，为西北民族大学才让主持的《藏传佛教金刚法舞研究》。
2. 著作/出版物
本年度舞蹈学方面的著作及出版物颇丰，除满足社会大众需求的舞蹈类视频出版物之外，也有不少理论性著作出版或再版。
在舞蹈学理论方面，比较主要的著作有资华筠与王宁的《舞蹈生态学》（文化艺术出版社），吕艺生、毛毳所著的《舞蹈学研究》（上海音乐出版社），苏娅的《中日韩古典舞蹈比较》（文化艺术出版社）等。
舞蹈史论方面，王宁宁、江东、杜晓清的《中国舞蹈史（修订版）》（文化艺术出版社）将中国舞蹈史分为三个阶段，即古代舞蹈发展阶段、现代舞蹈发展阶段，以及当代舞蹈发展阶段，每一阶段皆引用具有典型意义的历史资料加以论证，既有中国舞蹈史清晰的纵向发展脉络，又有充分的横向史料展开。王克芬著中国专门史文库丛书《中国舞蹈发展史》（武汉大学出版社）一书系统介绍了我国自原始舞蹈产生开始，历经夏商奴隶制时代、两周、汉代、三国两晋南北朝时代、唐代、辽、宋、西夏、金、元、明、清的舞蹈发展轨迹，全书史料丰富，清晰地勾勒出中国舞蹈艺术传承与变异的总体史学脉络。
在舞蹈管理与创意产业方面，比较主要的有张朝霞的《新媒体舞蹈概论》（知识产权出版社）及其主编的《中国舞蹈创意产业调研报告》（知识产权出版社）。前者从新媒体舞蹈的语境、发展、谱系、创作、技法及管理等方面对新媒体舞蹈进行了全面的概述；后者通过对各地舞团，演出市场的调研考察，对中国舞蹈创意产业的发展状况进行了梳理，对研究中国舞蹈产业的发展具有一定的参考价值。
舞蹈专业类教材方面，比较主要有池福子主编的《朝鲜族舞蹈教程》（中央民族大学出版社），史敏著《敦煌舞蹈教程：伎乐天舞蹈形象呈现》（世界图书出版社）。
3. 期刊论文
2012年，随着各个舞蹈教育研究机构对理论建设的重视程度不断加强，舞蹈理论研究得到了进一步的深入发展，舞蹈学的期刊论文数量稳中有升，主要发表在《艺术百家》、《艺术评论》、《艺术研究》等艺术理论类期刊，《大众文艺》、《艺海》、《大舞台》、《艺术科技》等艺术类综合期刊，《民族艺术研究》、《民族论坛》、《民族音乐》、《艺术研究》等民族民俗类综合期刊，《舞蹈》、《北京舞蹈学院学报》等舞蹈类专业期刊，以及《艺术学院学报》、《浙江艺术学院学报》、《湖北民族学院学报》等艺术类院校学报或综合性大学学报的哲学社会科学版。
综合来看，舞蹈学类论文的研究方向集中在以下几个方面：
（1）创作批评类
此类论文通过对一部或多部舞蹈作品的细读与分析，或在形式结构、立意表达等微观方面对某一部作品进行评价，或在发展趋势、文化审美取向等宏观层面对某一时期的舞蹈作品或某一特定舞蹈种类进行分析与研究。
文化部于平在《艺术评论》2012年第7期发表的《纤纤的彩绣 烈烈的情――无锡歌舞剧院大型舞剧观后》以及北京舞蹈学院许锐在同期发表的《绣的是寂寞――舞剧《绣娘》的立意追求与意象营造》，分别对无锡歌舞剧院的舞剧作品《绣娘》进行评论，前者在对作品进行分幕细读的基础上，分析作品在情感、结构、意象方面的成功之处。后者则通过对舞剧核心立意――用艺术的完美填补生命的缺憾的把握，强调舞剧的立意对统摄作品整体意象的关键作用。
此外，中国舞蹈家协会冯双白连载于《舞蹈》2012年第1-3期的《当前舞剧创作的趋势与若干问题》对近年来舞剧创作的总体趋势进行了宏观综述，并对作品体现出的突出问题进行梳理归纳。美籍现代舞编导、教育家王晓蓝在《舞蹈》2012年第6期发表的《积极突破，还是止步不前？――中国现代舞发展备忘及其他》集中梳理了现代舞进入中国以来的发展脉络。
（2）理论（史论）研究类
在此类研究中，理论类论文通常是借助艺术学理论平台对舞蹈的一般性理论问题进行综合阐释，史论类论文则关注舞蹈史发展中的特定形式或时代特征。如北京舞蹈学院仝妍在《北京舞蹈学院学报》2012年第3期发表的《生活・直觉・艺术――兼论舞蹈审美的世俗性》以艺术学的发展视角，辅以中国古代艺术理论，着重探讨艺术特别是舞蹈以世俗间的身体端显达欢、载道的世俗性。
河南大学李在《北京舞蹈学院学报》2012年第2期发表的《拂舞的文化审美价值》与南京艺术学院张婷婷在《艺术研究》2012年第1期发表的《乐舞艺术的仪式审美特征与世俗娱乐精神》分别选取特定的艺术形式，通过其形态特征及历史演变分析其中蕴涵的艺术精神与文化价值，属于舞蹈史论类研究范畴。
（3）民俗宗教类
由于民间舞蹈常常与各民族或地区的民俗活动、宗教活动相互交织，因此民族民间舞蹈方面的研究常常与民俗研究、民族研究与宗教研究相互交叉，形成独特的研究视角。
此类论文如中国艺术研究院张素琴在《民族艺术研究》2012年第5期发表的《江苏正一道斋醮仪式中的舞蹈形态特征综述――以玄妙观和茅山道院的斋醮仪式为例》，该文以江苏具有代表性的两所道观：玄妙观和茅山道院为个案，通过田野调查，研究中国道教宗派之一正一道斋醮仪式中的舞蹈形态特征，特别是对其主要斋醮仪式加以舞蹈学和身体语言学的分析，目的在于用舞蹈学方法梳理和认定斋醮仪式殊的舞蹈形态，并进行程式性结构、主干动作的形态特点、面部形态特征的分析，进而发现道教仪式舞蹈形态“活体传承”的价值。同类文章还有西北师范大学郜鹏在《西北成人教育学报》2012年第7期发表的《玉树藏族民间歌舞艺术初探》，云南艺术学院苏蓉在《怀化学院学报》2012年第1期发表的《论“信仰效应”下的羌姆仪轨舞蹈――东竹林寺“格归堆姆”节的田野考察》，中国艺术研究院胡晶莹在《贺州学院学报》2012年第1期发表的《广西“花头瑶”成人礼仪式舞蹈形态研究》等。
（4）艺术教育类
此类论文的研究视点主要集中与舞蹈教育教学的观念、方法、意义以及如何在不同教育层面中更好地发挥自身优势等方面。这一类研究在开设舞蹈专业或艺术专业的师范大学、职业学院以及各级专业舞蹈院校中较为集中，数量也远远超出其他种类的舞蹈研究论文。
如云南艺术学院于景春、吴绍良在《民族艺术研究》2012年第2期发表的《地方高师院校舞蹈学专业课程设置问题及对策研究》在分析地方高师院校舞蹈学专业就业形势、舞蹈课程设置出现的问题及其成因的基础上，提出针对此类院校的舞蹈课程设置建议。同类论文还有首都师范大学张烨在《现代阅读（教育版）》2012年第1期发表的《在规则中寻求创新――舞蹈人才应用能力培养探索》、广西师范大学陈东云在《大舞台》2012年第3期发表的《高校舞蹈教育理论的探究与实践》等。
（5）舞蹈科学及其他
随着舞蹈生理学、舞蹈解剖学等舞蹈科学与交叉学科的推广普及，相关领域的研究也开始增多，如沈阳音乐学院王伟、朱玉红在《吉林省教育学院学报》2012年第10期发表的《对舞蹈运动损伤及运动体能康复训练的思考》以及西北师范大学潘芊如在《读者欣赏（理论版）》2012年第1期发表的《中国艺术治疗发展初探》。
此外，随着文化产业的发展，知识产权问题也在舞蹈界引起了广泛关注，如哈尔滨师范大学江毅在《艺术研究》2012年第1期发表的《关于舞蹈知识产权保护的思考》就目前舞蹈创作的版权与侵权等问题进行了探讨。
三、学术交流
2012年舞蹈学方面较为主要的学术交流活动集中在创意、赛事、教育等方面。
在女性主义者看来，“性别”（sex）与“社会性别”是两个不同的概念。前者指男、女性的生物特征，具有先天性；后者指特定文化环境对男、女性内涵的认定，它们规范着人们的社会行为。比如，人们往往要求男性具有一定的社会地位，要坚强而自信，要求女性应温柔、爱好整洁、能操持家务等。任何个体在成长过程中都不可避免地受这些观念影响，从而被塑造为符合社会所要求的样子。法国哲学家波伏娃（Simone de Beauvoir，1908-1986）常被引用的名言说的正是这个道理：“女人并不是生就的，而宁可说是逐渐形成的。”
在传统的父权制（patriarchy）社会中，男性被放置在优先地位。从受教育机会到职业选择，从收入分配到社会分工，女性处处受到压制。这正是女性作曲家被边缘化的社会根由。因此，一些学者不满足于仅收集、整理与女性作曲家相关的史料，还期望通过对作品及与之相关的社会语境的解读、分析来批判父权制。其中，代表性学者有苏珊・麦克拉蕊（Sllsan McClary，1946-）、玛西亚・希特伦（MarciaJ，Citron，1945-）、露丝・索莉（Ruth A.Solie，生年不详）、苏珊娜・库西克（suzanne Cusick，生年不详）等。她们富于批判性的著述，使得女性主义音乐研究逐渐发展为批判音乐学（Critical Musicology）的重要一支。
据《新格罗夫音乐与音乐家词典》介绍，女性主义音乐研究可分为两类：其一，受人类学影响（anthropology-influenced）的、关于音乐行为的研究；其二，针对音乐作品的分析式（analytic）或评论式（critical）研究。前者偏重于以客观态度审视、描述特定语境中女性音乐家的行为及生活境遇，如创作、表演、职业选择、家庭生活等，带有社会学色彩，本文称之为描述型研究；后者偏重于阐释音乐形态中隐喻的社会性别观念，研究者积极提出对作品意义、价值的见解，不避讳、甚至鼓励作品解读的主观性，本文称之为阐释型研究。
为了更好地说明上述两类研究的差异性、各自价值及内在关联性，深化对女性主义音乐研究方法的理解，本文将选取两部风格迥异的著作――分别是美国莱斯大学音乐学系教授玛西亚・希特伦的《社会性别与音乐经典》及美国凯斯西储大学（Case Western Reserve University）音乐学教授苏珊・麦克拉蕊的《阴性终止――音乐学的女性主义批评》（下称《阴性终止》），就其主要观点、研究方法、学术旨趣等方面做出比较和评述。之所以选择二者，一方面在于它们分属描述型研究和阐释型研究，为本文论点提供了良好例证；另一方面是因为它们在女性主义音乐研究中皆属质量上乘之作，并在学界产生了广泛影响。《社会性别与音乐经典》成书于1993年，偏重以社会学方法描述19世纪以来西方女性作曲家面对的种种社会限制，对其文化根源做了鞭辟入里的分析，藉此获得了国际妇女音乐联盟（International Alliance ofWomen in Music）所设的宝莱・阿德曼奖（PaulineAlderman Prize）。英国音乐学家莉迪亚・戈尔（Lydia Goehr，1960-）曾指出：本书十分成功地呈现出女性音乐研究的最基本课题，其给出的答案也将具有持久的价值。《阴性终止》则早已为我国学界所熟知，成书于1991年，是最早运用女性主义批评理论阐释音乐作品文化内涵的专著之一。直到今天，虽然人们对本书毁誉参半，却无法漠视其对英美音乐学研究中重形式分析、轻内涵解读的传统思路的犀利批判及在研究方法论上带来的新气象。美国学者克莱尔・迪泰尔斯（Claire Detels）曾说：“在她（麦克拉蕊）出版此书中各篇论文的五年来，文化批评和性别研究已从一个无人问津的领域变成了音乐学会议和刊物上常被提及的显学。”
一、描述型研究个案评析
先来看描述型研究个案――《社会性别与音乐经典》。本书欲回答的核心问题是：为什么在西方音乐文化中，女性作曲家的作品往往无法成为经典，常处于边缘地位？为了回答此问题，希特伦将注意力集中在19世纪，因为“该时段正是一系列习俗逐渐兴起和确立的日子，它们孕育了相互关联并在下一个世纪最终成为经典的曲目。”在充分收集史料，了解当时主流社会性别观念、女性作曲家创作、生活状况及音乐评论、音乐出版业状况的基础上，作者主要从三方面展开叙述，力图重构其时的音乐生态景观。
1.音乐经典如何产生，由谁来认定？
希特伦指出：在人文艺术领域，经典的形成是一个漫长的历史过程，它“体现了某主流文化群体的价值系统，正是这个群体创造或维持着经典曲目库”。换言之，经典是主流文化群体通过评价活动筛选出来的，与该群体的阶级、种族、性别、政治倾向等特征关系密切。主流群体的价值观具有权威性，渗透于社会生活诸方面，也渗透于经典形成的每一环节，从音乐创作、表演到接受、出版、评价、研究、教育环节，皆受其所控。具有影响力的表演者、团体选择上演什么，大众、出版商偏爱什么，评论家、音乐学者推崇什么，音乐教师以什么为教学内容，都有其背后的倾向性。他们的选择将使一部分作品得以突显，久而久之步人经典行列。那些被排除于经典范畴之外的作品只能暂处于边缘地位，等待着被发现。
在西方音乐文化中，所谓的主流文化群体即欧洲社会中上流阶层的白人，他们拥有一整套指引生活的价值观念，其中直接导致女性作曲家被边缘化的便是男尊女卑思想。希特伦指出，在19世纪，西方社会业已建立起来的父权制中充斥着一些蕴含不平等因素的二元论观念：首先，男性往往与文化性、精神性、理性相联系；女性则与自然性、身体性、非理性相联系。“在西方话语中，文化实际上被置放在自然的对立面。文化处于优势地位并与男性相关，自然则处于劣势地位并与女性相关。文化包含知识和人类所建立的社会结构，自然则暗示纯粹、未经开发的智力状态”。由此，男是文化层次的精神性劳作，如艺术创造，女是自然层次的身体性劳作，如生育与家务。同时，女性的身体在相当一段时间中被认为是神秘且必须加以控制的。希特伦相信，这种男性控制欲根源于四方面，一是当时人们对女性生理结构不了解；二是人们相信女性无法如男性一般凭理性行事；三是男性对女性生育力的敬畏（即便是男性也由女性孕育）；四是男性对女性的恐惧（男性可能因此被耗尽）。
另一对二元观念为：男性常与公共空间相联系；女性则与私人空间相联系。19世纪，欧洲人普遍认为两性分工应是男主外女主内，女性与家庭可画等号。“这里包含了抚育子女、繁衍后代和自然性。由于家人是家的核心，妇女与私人空间有关。然而，她的家庭权威是有限的。她可能在孩子面前有权威性，却并非家庭的首脑。她从属于（男性）。这里暗示着某种被动而非主动的与世界之间的关系，这是因为丈夫因其处理家庭之外的事务而获得了权威性”。女性即便要从事音乐活动，也常被限制在家庭音乐教育场合或沙龙中。
2.女性作曲家的“作者身份焦虑”（anxiety 0fauthorship）
上述二元观念不仅为男性所推崇，也内化于每一位社会化了的女性意识中，成为一种自我限制，当她们期望以音乐创作为事业时，便会表现出矛盾心理。希特伦认为，19世纪的女性作曲家往往对自己的创作者身份缺乏信心，这被称为“作者身份焦虑”。她以门德尔松的姐姐范妮（Fanny Hensel，1805-1847）为例。范妮早年曾接受良好的音乐教育，酷爱创作，但当她考虑是否要以真名出版自己的作品时，却陷入了犹豫。1836年11月22日，在她给门德尔松的信中透露了这种心态：“关于出版的事情，我现在就像是一头站在两堆干草中间的驴。我必须承认对此事我持中立观点。一方面，汉塞尔（Wilhelm Hensel，1794-1861）支持此事，另一方面，你反对。在其他事务上，我当然会完全遵从我丈夫的意愿，但唯独在这一点上，你的同意十分重要，没有你的同意我可能不会做任何此类事情。”可见，范妮让自己依附于男性，失去了独立决断力。而门德尔松就此事给母亲致信道：“我想我毋需多言，如果她决定出版些什么，我会尽全力帮助她并消除这里产生的困难。但我不会去鼓励她出版作品……她作为一位女子并不适宜如此，而应照料她的家园……”很明显，门德尔松所信奉的仍是“男主外、女主内”的思想。
当一位女性真正走上职业化道路，她便更须面对作曲家和家庭主妇身份的矛盾，许多人不得不晚婚或放弃创作。希特伦援引了一些实例：如法国女作曲家、钢琴家查米娜德（Cecile Chaminade，1857-1944）为了专心创作，在44岁时才步入婚姻，嫁给了比她年长20岁的出版商卡本奈尔（Louis Carbonel，生卒年不详）；英国女作曲家克拉克（Rebecca Clarke，1886-1979）在58岁时与钢琴家弗里斯金（JamesFriskin，1886-1979）结婚，后停止创作；美国女作曲家克劳福德（Ruth Crawford，1901-1953）在事业上升期与民族音乐学家西格（Charles Seeger，1886-1979）结婚，出于抚养子女或受丈夫影响等原因，她放弃了作曲事业，转向美国民间音乐研究@。照顾家庭与抚育孩子的压力使许多女性作曲家难以全身心投入创作。
3.男性接受者审视下的女性作曲家
除了从创作者角度剖析职业女性作曲家的限制因素，希特伦还从接受者角度展开论述。她认为，接受行为反映着特定语境中的群体评价标准，其实质即人们如何评论音乐。自1800年以来，正式书写的音乐评论在经典形成过程中起着至关重要的作用，它们影响并塑造着大众趣味。然而，“评论家群体几乎都由男性构成。女性的稀少意味着女性声音和女性观点的缺失……男性话语构成了职业音乐评论的基础”。造成这一现象的原因在于，“评论家角色隐含着精神性、智慧和仲裁者的内涵：其认识论根基在于向他人传播知识。这让人们回溯至上帝的概念，上帝是最高权威的代表。然而，上帝是一位男性，由此，女性无法获得传播知识所必须的伦理根基……其结果便是鲜有女性评论家出现”。
当男性评论家审视女性作曲家时，他们像一位“智慧却具有权威性的父亲”（wise yet authoritarian father），女性作曲家则被赋予“从属性质的、小女孩般的形象”（subservient，daughterly figure），她们往往与“天才”及“原创性”等美誉无缘，还可能获得让人无所适从的评价。希特伦列举了两则关于查米娜德的评论，其中一则说到，她的作品“强劲而富于男子气，或许太富于男子气了……对于我来说，我非常遗憾，找不到一丝女性本质中所具有的优雅和柔美”；另一则却说，她的音乐“如此具有女性化的优美和优雅，却令人惊讶的浅薄且缺少变化……所有的女性，当她们从事音乐创作时都是肤浅的”。以上两则评论相互矛盾，使被评论者陷入左右为难的“必败”（no-win）窘境。一些女性作曲家为了避免不佳待遇，尝试采用男性名字出版作品，如美国作曲家布罗夫（EdithBorroff，1925-）曾说：“在我获得了作曲专业学位后，我发现我作品的表演和出版都与我的性别有不可分割的联系：所有以我真名署名的作品都被拒绝了……相反，有两部以男性假名署名的作品却被接受了。”这无疑是对男性主导的评论话语的讽刺。
从以上介绍可见，描述型研究较突出的特点在于：不关注音乐形式结构分析，不关注音乐形式中蕴含了怎样的内涵，更乐于叙述音乐之外的社会、文化生活细节和特征。在叙述过程中，描述型研究始终以丰富的事实材料为依托，重事实、讲依据，较好地避免了研究者的主观随意性（当然，所谓事实材料，既可以是史料，也可以是通过实地调查、统计而获得的现实材料，可根据研究对象而定）。如在回答“女性作曲家为何被边缘化”的问题时，希特伦细致描述了音乐世界中不同角色――包括女性创作者和男性接受者、表演者、评论者、研究者、出版者的价值观念、心理定势及互动行为，将彼此不对称的权力关系自然而然地呈现于读者面前，引发其思考。这种思路也具有鲜明的社会史研究色彩，扎实稳健、可信度高。
二、阐释型研究个案评析
与前者相比，麦克拉蕊《阴性终止》的最大不同点在于：不满足于音乐之外的社会史实叙述，欲揭示音乐形式之内蕴含的性别内涵。麦氏在全书开篇便系统介绍了女性主义音乐研究的核心课题：其一，研究不同作曲家如何刻画男、女性别特征；其二，研究音乐理论史上人们如何赋予终止式、和弦、调性等因素以性别内涵，如将强拍终止式、大三和弦、大调式视为阳性，将弱拍终止式、小三和弦、小调式视为阴性；其三，研究音乐过程与性别、特征的联系，如将奏鸣曲式第一主题视为阳性，第二主题视为阴性，圆满的解决则是对阴性的抑制；其四，研究评论家对音乐风格的性别化比拟，如视肖邦为女性化的，视贝多芬为男性化的。其五，研究女性音乐家如何通过作品质疑男性主导的音乐传统。本文以为，这五方面不仅可视为女性主义音乐研究的核心课题，更可作为女性主义音乐阐释的具体方略。书中，麦克拉蕊正是运用着这些方略对文艺复兴以来一系列音乐作品的性别内涵进行深度阐释，包括蒙特威尔第的歌剧《奥菲欧》、比才的《卡门》、柴科夫斯基的《第四交响曲》、贝多芬《第九交响曲》、理查・施特劳斯的《莎乐美》，甚至流行歌手麦当娜的作品等。因篇幅所限，本文仅重温三例。
1.西方传统与当代音乐作品中的性别内涵
在“古典音乐的性政治”一章中，麦克拉蕊剖析了歌剧《卡门》各角色的性格命运及音乐特征，揭示出两对矛盾关系：其一，贞女与的冲突。剧中女配角米凯拉的音乐“简单、抒情、甜美……节奏天真不含肉体性”。卡门的音乐则是具有异国色彩的哈巴奈拉舞曲，其摇摆的节奏和半音下行的旋律着霍塞和观众的欲望，也冲撞着追求严肃性的欧洲古典音乐传统。其二，“恶女”与父权制的冲突。所谓的恶女即卡门，其之所以恶，是社会性别观念认定为恶。霍塞则是父权制的代表，其音乐总体上循规蹈矩，“专注于崇高的情怀而不是身体”。但在《花之歌》中，霍塞跨越了理性的边界，充分表达了对卡门的。让他无法接受的是，卡门不但拒绝了他，还利用了他。走投无路的霍塞刺死了卡门，这是他回归父权制行为模式的写照，似乎要以暴力重掌控制权。歌剧结束在象征阳性的大三和弦上，这意味着父权制的胜利，但并未终止在起始调上，又暗示着不完满，因为霍塞最终也毁灭了自己。
通过分析蒙特威尔第的牧歌《仙女的悲歌》（Lamento della Ninfa），麦氏引导读者关注西方音乐文化中塑造的疯女人形象，并对其文化意义做了剖析。此作品结构为三段式，两端由男生三重唱演唱，稳健而富于理性，中段的悲歌加入女高音声部，此段讲述一位被爱人遗弃的仙女在悲痛的回忆中陷入疯狂。麦氏认为：仙女富于隋感性的声部虽构成中段的亮点，却总是“被男声三重唱小心中介：他们引进她、总是伴随着她直到结束，然后以简短的小结尾让作品安全关闭”，“他们为她的第一句话加上‘她说’……当仙女结巴时，他们完成音乐的句法单位，确保理性连贯不因她而损失……最后，他们以两个自满的c大调终止式带我们回到安全、规规矩矩的现实”。麦氏有三点解读：其一，在欧洲文化传统中，往往将女性与疯癫、精神病联系起来，因为女人被认定为非理性的动物。其二，此作品中的男生三重唱既像疯女人形象的呈现者，又像听众的保护者，他们确立着父权秩序的框架，犹如“疯人院窗上装着的栅栏”，确保听众“安全观看她的痛苦……并获得美感享受”。其三，疯女人代表着反抗理性社会的力量，但她实际上是男性的创造物，是男性自身矛盾的外在投射，因为男性也不时渴望摆脱理性的控制。
从美国现代作曲家范德费德（Janika Vandervelde，1955-）的钢琴三重奏《创世纪II》中，麦氏又解读出两层深意。首先，作品表现了自然与人类文明的冲突。作品以类似分娩时胎儿心跳的固定音型起始，它由钢琴演奏，创造出循环往复的意象，隐喻大自然无始无终的更替。弦乐声部起初与固定音型和谐共处，随后第一次躁动起来，推向，撞击着固定音型确立的秩序。这意味着人类不满于活在当下，开始了无止尽的求索。麦氏说：“17世纪由宗教改革、殖民地扩张、人文主义、哥白尼与伽利略的科学革命、笛卡尔哲学，以及许多其他因素促成的广泛危机，将文化的理想从稳定与平衡改成了对过度、个人主义的肯定。”当固定音型再现时，已然支离破碎，然而，弦乐声部又一次展开了无情攻势，这一次夹杂着20世纪音乐语言，犹如当代文明对自然界的又一次冲击，固定音型被彻底瓦解，音乐达到第二次。此后，躁动渐渐平息，音乐在寂静中结束，好似人类重返胚胎，一切如梦。上述分析透露出对人类现代文明的忧虑，着实发人深省，但麦克拉蕊并未止步，将作品与性别问题联系起来。她相信，钢琴声部的固定音型营造出一种女性化的持续意象（image of pleasure），而弦乐声部的进取、强势和暴虐则营造出男性化的欲望意象（image of desire）。在男望不断膨胀并最终走向毁灭后，一切又重归创世前的宁静。这里隐含着以女性思维拯救男望的内涵。
2.为赋新词强说愁？
麦克拉蕊的音乐阐释不乏精彩之处，她将音乐形式分析与社会、文化批评联系起来的思路，着实为读者提供了理解音乐的新途径，但有时也难免有“为赋新词强说愁”之嫌，特别在分析纯音乐作品时更为明显。美国学者皮耶特・图恩（Pieter van den Toorn，生年不详）向我们展示了一个细节：麦氏在“爬下豆梗走开”一章中对贝多芬《第九交响曲》的阐释曾被其本人修订。此章节最早以论文形式发表，后在收入《阴性终止》时，作者删去了一些过激用语。在原版中有如下叙述：“贝多芬交响乐为风格史添加了两个维度：侵犯性的骨盆撞击（assaultive pelvic pounding）（如《第五交响曲》末乐章和《第九交响曲》‘消极’的第三乐章之外的其他乐章）和性暴力。《第九交响曲》第一乐章的再现部是音乐文献中最骇人的时刻，当精心准备的终止式受挫，被抑制的能量最终在无从发泄的犯让人窒息的、凶残的狂怒（throttling，murderous rage of a rapist）中爆发。”美国音乐学家塔鲁斯金（Richard Taruskin，1945-）曾以“令人愤慨”（scandalous）来形容他对这段话的感受。或许连麦克拉蕊自己都觉得这些用语十分不当，于是在修订版中删去了“侵犯性的骨盆撞击”、“性暴力”、“无从发泄的犯让人窒息的、凶残的狂怒”等辞藻。上例说明，阐释型研究虽在一定程度上鼓励个性化的音乐理解方式，却也并非毫无底线的任意行为，一味求新求异、生拉硬扯而无视作曲家本意及作品背景的阐释是经不住推敲的。其实，麦氏也知晓，音乐艺术――特别是纯音乐――的涵义往往没有唯一答案，女性主义的音乐解读也不应标签化。她曾说：“调性与奏鸣曲的典范之所以有效且强韧，部分原因来自它们的张力有多种解读”，奏鸣曲式中具有他者身份的第二主题、副调“不一定总被僵硬诠释为女性――它可以是身份的障碍或威胁，为了叙事关闭必须被清除或征服”。也许，麦氏的某些极端言辞是一种刻意选择，她欲以明知故犯的论述策略唤起人们关注那久被忽略了的音乐中的性别隐喻。
三、殊途同归
上文重温了两本著作的主要观点，意在呈现其研究方法上的差异，然而，二者仍有四点不可忽视的共性。
其一，二者在主要运用某一研究方法时，均不约而同地结合了另一种方法，即在进行社会史描述时结合些许音乐阐释，或是在解读作品时关联历史材料。比如，希特伦专设一章对查米娜德《c小调钢琴奏鸣曲》（Op.21）第一乐章中的性别内涵做了分析。她认为，奏鸣曲式的第二主题一般被视为阴性主题，查米娜德却赋予该主题双重性格。起初，“它那‘安静’的呈现，抒情的特征，较柔和的力度（mp）和较稀薄的织体似乎显露出女性特征。但是，持续的主调，其他声部进入后出现的有力的功能和声，及鲜明的赋格段又显露出男性特征。这种结构和性别特征上的模糊挑战着19世纪所理解的奏鸣曲式观念”。希特伦为何要在自己偏于社会史风格的研究中带入阐释性因素？本文以为，这是其全书构思不可或缺的一环。因为，全书各章的内容分别涉及了影响音乐创作、表演、接受过程的诸种性别因素，由此，在创作环节中，一位女性作曲家的反惯例意图似乎是不可忽视的，此意图在没有明确史料（如作曲家书信、创作笔记等）证明的情况下，只能通过作品阐释方式触及。而在麦氏的叙述中，经常会出现作品阐释与社会史描述自由切换的情况。如在对《卡门》的分析中，麦氏剖析了霍塞性格中的矛盾性――理性与感性、心智与肉体之冲突，随后话锋一转，便开始了社会史描述：“1870年代法国的许多领域爆发了这类无法解决的矛盾：帝国主义扩张的限度和反效果逐渐浮现，女性和劳工阶级都组织起来争取他们的经济、政治和文化权利……”这似乎在暗示个体矛盾与社会矛盾的联系。此后，话题回归，麦氏总结性地评价道：“《卡门》成功以最动人的方式戏剧化了上述每一种议题。”这种自由切换在《阴性终止》中比比皆是，构成麦氏所说的“不正统的散文形式”，有时候多少让读者跟不上其思维节奏，但细细琢磨起来却回味无穷。
其二，二者皆相信音乐可表现社会历史信息。希特伦曾说：“音乐，如它的姊妹艺术一样，产生于特定的社会语境。它以多种方式表现（express）着它产生于其中的文化的基本假设”，“各种重要的社会参数，如权力、阶级、性别皆铭刻于作品之中。”麦氏则指出，老一辈音乐学者多关注音乐形态分析，甚少触碰音乐意义问题，此问题长期以来成为研究禁忌，如同蓝胡子公爵城堡中那扇不许被打开的第七扇门。而她偏要突破传统，自比蓝胡子公爵城堡中的朱迪斯，期待以女性主义批评作为打开禁忌之门的钥匙。为了让自己的研究获得扎实的理论基础，麦氏从法兰克福学派哲学家阿多诺（Theodor w.Adorno，1903-1969）处寻找理论资源：阿多诺把音乐视为“一种媒介，个人自由意志与社会循矩压力的中产阶级矛盾，在音乐中以越来越悲观的方式上演。他的解读剥去传统音乐学家珍惜的完全秩序与控制，不间断地专注于历史性的人类两难挣扎，而非着重于超越真理。在他笔下，德奥经典中被认定为非再现的器乐音乐，却成了整个文化最敏感的社会气压计……我若没研究过阿多诺，就不能进行本书呈现的任何工程”。
其三，二者皆不遗余力地质疑男性话语霸权。前文对两本著作主要观点的概述已然说明了这一点，值得进一步提及的是希特伦对当前音乐史教学的批判。一方面，长期以来音乐史教材都采取了“伟大作曲家”、“伟大作品”的编纂模式。它不仅将某些作曲家、作品神化，更重要的是这些大作曲家多是男性。另一方面，音乐史教材的分期（如文艺复兴、巴洛克、古典主义等）多为男性视角下的产物。希特伦援引音乐史家琼・凯莉（Joan Kelly，1928-1982）的观点：文艺复兴虽被视为人文主义兴起的进步时期，对女性而言却未必如此，此时的女性多被限制在家庭中，处于从属于男性的地位。而希特伦本人则认为“古典主义”范畴也无法概括当时女性的音乐活动，“当时的女性积极创作利德歌曲。但把这种行为视为‘古典的’并硬以大约1820年作为一个人工切割的终点则有些不妥当，因为类似的创作行为至少继续了三十多年。”当然，希特伦也看到上述现象有其客观原因，即历史上有关女性音乐家的记载、评论大大少于男性，她们多在私人空间活动，作品大多未被出版。如何才能在历史研究中增大她们的比重？希特伦认为，社会史研究将对此有助益。“社会史以特别群体的经验为研究起点。它关注各种阶层，而非仅仅是上流阶层，关注日常生活经验，而不仅仅是重大事件。对于女性而言，或许关注她们的生育经历，她们在家庭结构中的社会变动性，她们在经济结构中的参与性，她们的创造性活动，或是她们与宗教实践的关系……音乐史领域的女性研究将从这种方法中获益”。为了实现这种研究，希特伦鼓励学者们从回忆录、日记、信件等中搜集材料，在散碎的历史信息中重构女性音乐家的生活及她们为反抗男性霸权所付出的艰辛。
其四，二者皆具有反主流、反本质主义的后现代意识。质疑主流观念，彰显被边缘化事物是后现代思想中一个侧面。主流意识形态往往被视为压迫者，非主流者则被鼓励发出自己的声音，争夺一席之地，甚至解构主流文化。希特伦和麦克拉蕊正是此种观念在音乐学领域的践行者。如麦氏不接受当时占据美国音乐学界主流地位的形式主义研究，积极探讨尚属禁忌课题的音乐意义问题；她致力于从女性视角理解传统经典作品，颠覆约定俗成的解读方式；她提倡加强对被边缘化的流行音乐的关注；她将柴科夫斯基《第四交响曲》与作曲家的同性恋经历相联系等。希特伦则批判主流音乐史的编纂模式，提倡以女性音乐社会史研究为必要补充。以上观点皆在不知不觉中解构着音乐学研究的惯性思维。此外，二者还从后现代思想中获取了“反本质主义”的思想武器。反本质主义者否认永恒真理的存在，认为一切关于事物本质的叙述都是叙述者的主观构建，必然导致认识的片面性和知识霸权。在反思“是否存在女性独特的音乐风格”时，二人一致给出了否定答案。麦氏曾说：“尽管我们执迷于音乐风格的分类……去编纂何谓‘女性音乐’的独特风格，但是这种单一的东西并不存在，正如同没有普同的男性体验或本质一样。”希特伦则说：“在音乐中，似乎没有本质主义所谓的女性风格……没有一种风格是由女性生物学固有特征所赋予的。我们难以相信每一位女性都以同一种风格创作……”上述观点是合理的，正如我们不能简单接受社会关于男性和女性的刻板印象一样，也不应简单断言女性音乐风格有何固有不变的特征，真实情境中的每一位女性作曲家都是特殊的。法国哲学家茱莉亚・克里斯蒂娃（Julia Kristeva，1941-）曾将女性主义的发展划分为“女权”、“女性”、“女人”三阶段。在女权阶段中，女性在政治、经济、职业等多领域追求与男性平等，具有精神解放的意义；在女性阶段，人们更强调性别差异，强调女性不同于男性的心理体验，甚至导致“逆向性歧视”，即否定男性；在女人阶段，人们开始注重男、女性的互补与和谐关系。上述转变实际是从激进转向平和，从抽象转向具体，从乌托邦转向现实的过程。在现实世界中，男女的先天差异难免在一定程度上影响着二者的社会分工，但每一位女性仍有选择的权力，并应当对自己的选择负责。如果她决定成为职业作曲家，那么，除了克服创作的艰辛，还不得不面对母亲与作曲家身份的矛盾。当然，她仍有可能二择其一，放弃成为母亲的权力。假若她选择了兼顾二者，便要付出超于常人的努力，也可能从中获得超于常人的收获，恰如希特伦提及的那位匿名创作者所言：作为一位母亲，我“必须持续地与外界发生关联，这似乎与每日创作的隔绝状态相悖。但是，积极地与外在生活近距离接触，增强了交流的渴望，更需要消除各种诱惑并变得更为直截了当。较少的工作时间意味着更清晰、更迅速的决断，更紧凑的工作和更有力的承诺，去除其他无意义的行为……抚育孩子与作曲颇为相像，奋斗、等待、观望、反应、寻找线索，以及许多精彩的时刻让这一切变得如此值得”。
或许，女性主义音乐研究的归宿并不是仅仅重构历史或阐释作品中的性别内涵，而是在引发音乐世界中每一位男性和女性对两性权力关系的反思之后，启发他/她们找到适合于自我需要的、构建良性性别关系的行为方案。
