时间:2023-03-21 17:13:37
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(一)声乐演唱侧重于练习者与演唱者的主观情感,而声乐教学理论观点则具有明显的理论性与客观性
声乐演唱本身是一种主观情感性的艺术形式,在声乐艺术发展过程中教学理论的出现主要是为了发挥声乐演唱经验的作用,保证声乐艺术的教学成果,教学理论观点虽然不具有全面性,但具有普遍适用性。声乐教学理论观点往往采用统一化标准,重点在于总结归纳以往声乐教学的经验,因此具有明显的理论性与客观性,但也存在未能够充分凸显每一位声乐学习者个性的问题。声乐演唱本身是一种主观情感性艺术,演唱者在练习以及演唱过程中只有充分投入自己的感情与心灵,才可达到理想的艺术表现效果。
(二)声乐演唱侧重于演唱者心理感受,而声乐教学理论观点则强调演唱者生理表现
声乐教学理论观点往往会过度重视演唱者声音的表现与变化形式,以及声乐发音时发音器官的表现与变化,力求各种生理表现的准确性,比如在声乐教学训练中会要求学习者呼吸气息的平稳性,口型的规范性和发音的标准性。声乐教学理论观点的主要目标是尽量使声乐学习者的鼻腔、口型、声带等得到科学控制。声乐演唱对于演唱者个人来说,一些演唱技术上的规范是必须的,但是更加强调声乐演唱者个人的内心感受,通过个人内心感受的抒发与情感的控制与运用可以达到最佳的艺术表现效果。但是,声乐演唱者若想在演唱过程中很好的抒发个人心理感受,首先要掌握演唱的各种生理技巧。
(三)声乐演唱具有灵活多变的特性,而声乐教学理论观点则比较稳定刻板
声乐教学理论观点基本都是来自于声乐演唱的实际经验,它通过对较长时间演唱的总结概括,形成一些确定性的演唱规则与原则,因此相对来说比较稳定刻板。声乐教学理论是在长时间的经验积累中形成的,因此也就有持久性,演唱方面的理论知识在较长的时间内保持不变。声乐演唱主要以演唱者为载体,随着时空情境的变化而变化的情况较多,因此在表演上会呈现及时性和多变性特征。同样是一首歌曲由不同的演唱者演唱时会呈现不同的艺术风格,同一个演唱者在演唱不同的曲目时也会有不同的艺术表现。
二、声乐演唱和声乐教学理论观点差异性的处理方式
(一)循序渐进地进行声乐演唱学习
在声乐演唱学习中,无论是教师还是学习者都应当重视实践与训练,但是不能过于急功近利,在声乐演唱练习过程中要遵守各种科学合理的声乐教学理论,并且要清楚地认识到声乐演唱与声乐演唱理论观点的差异,在声乐学习过程中充分尊重演唱艺术的精髓,在理论与实践的结合之下不断提升自身的演唱艺术水平。学习者应当明白量变与质变的关系,通过长时间的坚持与努力掌握好声乐演唱理论并且提升自身演唱水准。
(二)在声乐演唱学习过程中逐渐发展和传统声乐教学理论观点
声乐演唱不能也不可能完全遵循声乐教学理论观点,它应当追求多种多样的表现方式。声乐演唱自身的创新与发展也是促进声乐演唱和声乐教学理论观点融汇的重要动力。声乐演唱的创新和发展必会导致声乐教学理论观点的更新与变化,如此,在不断的声乐演唱实践中,声乐演唱和声乐教学理论观点的差异也会逐渐缩小。声乐演唱者应当同时尊重演唱的共性与个性,在掌握好声乐理论的基础上逐渐形成属于自己的表演风格。
三、结语
在进行声乐教学过程中,需要老师成功的塑出一个声音形象,然后利用示范教学法,传授给学生以专业的演唱技巧。在进行示范前,老师首先要针对教学的曲目进行讲解,通过理论的讲解,让学生接受到理论知识后。花较长的时间进行曲目的示范,利用老师不断地示范,让学生感受到声音的真实性,形成了一个声乐形象。真正意义上的示范,并不是让学生进行硬性模仿,而是让学生通过对声音进行深切地感受,结合前面老师所讲解的理论知识,达到实质的精神层面的认同,再通过自己的发声练习从而达到最终的声乐练习教学目标。声乐教学中的示范演唱,可以说不只是技巧的模仿,而是需要以视、听、感受几者相结合的一种技巧转化。通过对曲目练习,非常直观地感受到曲目的优美以及对曲目演唱的感悟。这也说明,声乐教学的特殊意义在于利用示范教学法,让学生深刻地体会到示范教学的教育原理以及深厚的美学法则。
二、声乐教学中示范演唱的优化处理
作业声乐老师,不仅需要掌握相当成熟的声乐技巧,还需要对于声乐理论和声乐教学方法有一定的研究。在进行教学的过程中,可以依照学生的个性特色,利用教材对学生进行培养。在这个过程中,需要重新整理出针对性的方法与步骤,让学生直观地、轻松地在老师的教学中得以声乐技巧的提高。一名合格的声乐老师,需要具有能够进行不同声部教学的能力,利用不同声部的教学,让学生感受到声乐的魅力。其次,声乐老师还需要掌握不同演唱方法的教学方式,以更多、更全面、更良好的示范,让学生体会声乐的技巧,以便学生进行模仿。需要做到这样的教学效果,声乐老师需要在掌握了声乐技巧的前提下,做好认真的备课工作。以精准的分析能力对曲目进行分析,然后针对曲目作品进行有表情地演唱,这样的教学方式,能让学生更容易对声乐技巧进行准确的理解。同时,在进行练习的过程中,还需要关注到学生在进行练习时所遇到的问题与困难,并且及时作出相应的指导,这样才能真正意义上的突显出示范教学的作用。通过这样的教学形式,能激发出学生的学习兴趣,而不是单一的依靠示范与模仿的教学形式。结合全方位的教学形式,也可以有效地引导学生进行创新。因此,声乐教学还可以借助其它艺术门类辅助声乐示范教学,这样才能使我们教学更生动、更直观、更富有色彩。例如民歌《曲蔓地》是一首新疆民歌。歌曲为多句体乐段结构。歌曲开始的节奏悠长,音乐显得悠扬,似吟似唱。第五、六小节的节奏短促,特别是强拍内的切分节奏,使音乐显得活泼而热情,典型地表现了新疆维吾尔族民歌的风格,那么,教师在给这首歌曲的示范演唱时,可以给学生表演或观看维吾尔族切分节奏的舞蹈动作(点颤)来帮助学生更好地找到歌曲的律动和感觉,这样可以让声乐课堂动起来,让学生与老师进行互动,不是传统的老师教,学生学的教学方式。利用声乐老师阶段示范,让学生进行阶段练习,让学生参与到教学中,有效地避免了老师一味教,学生难以理解的现象发生。不仅调动了课堂的学习氛围,还提升了学生的学习积极性。同时,可以结合学生对老师的评价体系,不断地提高自我素养。
三、结语
一、要多读书,提高自身的文化修养
文学的中介是语言,对语言的认知、反应、归纳、表述———即驾驭语言的能力如何,直接反映着个人的文学素养。要想使自己的演唱声情并茂,感人至深,首先,必须使演唱符合歌词的内在要求,必须要有着较高的文化修养。好的文化修养都是从一定的文化底蕴中所产生出来的,高尔基说过:“读一本好书,就是与许多高尚的人交谈”。读书是提高个人素质和修养的重要途径。多读书,读好书,在读书的过程中我们通过了解书中的知识,可以对问题进行多方面的认识和思考,在读书中丰富自己的知识层面,在积累的过程中思想才会不断地进步。思想是行动的指南,思想有多远,行动就能走多远。在读书学习的过程中会逐渐完善个人素质修养的,有了正确的思想基础,就会有明确的行动方向。思想既要继承也要发展,要与时俱进,适应时展的要求。
二、多听多唱,提高自身音乐修养
学习声乐的过程中,多听多唱对声乐的学习起着关键的作用,只有多听音乐才能更全面地了解音乐,才能更好地把握音乐,多听多唱不仅对歌唱者的乐感还是音准、节奏等方面都有着很大的影响,而且有助于提高歌唱者对音乐的兴趣爱好。好的音乐具有五大功能:一是声,好的声音传入耳朵被大脑感知作用于人体;二是情,音乐可以直接的表达人的情感,向人类诉说着感情中的喜、怒、哀、乐等,直接作用于思维和人的肌体,产生养生健身效果;三是意,同样的歌词,不同的旋律和节奏,所表达的音乐情感是不相同的,音乐具有着多样性,根据作曲家的经历和个性等因素的不同,对作品的理解也不同,同样的音乐在不同的演奏者或演唱者的二次创作中所表现的音乐意境也是不相同的;四是速,在音乐中节奏的快慢和对音乐情绪的波动控制,对、思维与反应产生有着非常直接影响,快而强的音乐使人听之欲动,感觉有力或振奋,安静又祥和的音乐则使人心非常绪平,雄壮有力之乐使人精神倍加抖擞;五是音波,即音乐所产生的音波,也会对人的生理反应产生不同的影响。所以,多听能体会出乐曲独特的表达方式,多赏析各类音乐作品,对声乐演唱着也是非常有益的,不管是中国作品,还是外国作品,古代的还是现在的,在欣赏不同音乐的过程中,带来的体验是不一样的,但都有着相同的对音乐的共鸣,逐渐达到“未成曲调先有情”的境界。俗话说:“拳不离手,曲不离口”,“冬练三九,夏练三伏”。在学习声乐的过程中,一定要坚持自己的目标,和所规定练习的计划,只有坚持不懈的思考和练习,才能真正的掌握声乐所需要的技巧,在不断的练习和思考的过程中,才能巩固并完善声乐演唱所需要的技巧,在巩固技巧的同时,才能将技巧更好的运用到声乐的作品中,将作品反复的练习,熟能生巧。技术、情感、表演等相结合才能使声乐的演唱更加完整。
三、了解作品的内涵需要文化与艺术修养的配合
把握一首作品的内涵,首先要了解作品的创作背景以及作者所要表达的感情,这就需要具备一定得文化素养。怎样通过演唱来表达出来,就要要求演唱者具备良好的艺术修养,两者结合才能完美的诠释作品。早在春秋时代,孔子就主张礼乐教化人民,追求大同世界。老庄主张回归自然,回归人的本真境界。提高自身素质,树立美好形象,依靠的是人的自觉性和顿悟性。一个人只有在内心深处有追求真、善、美的渴望,有自觉接受教育、改正缺点的愿望,才有可能改变自身形象,提高自身素质。以人为本的自主创新精神,是科学发展观的本质和核心。科学永无止境,探索永无止境,思想解放也永无止境。科学的最基本态度之一就是探索,这对声乐演唱者也是至关重要的。作为一名声乐演唱者,具备一定的文化素养是有益并且必要的。它不仅可以使声乐演员对音乐作品进行细密的赏析、正确的理解和精湛的表演,并且能够更好地理解作品的文化背景和艺术内涵,从而使声乐表演更加传神,生动,产生强大的艺术魅力和情感张力。
四、结语
在声乐学习和演唱过程中,由于歌唱者会口干舌燥,心理的紧张和不自信,跑调等现象,屡见不鲜,因为这类现象也让很多人不但没有发挥真正的实力而且还失常发挥。当然紧张和不自信也是声乐演唱中最常见的心理现象,主要由于歌唱者的心理素质较差、歌唱与发声的基本功不扎实引起的,但是有一部分学习者台下准备很充分,声乐基本功也很好,一到上台就紧张,这就证明学习者的心理素质较差,因此在日常的声乐课中,我们就要注意培养学习者的心理状态,愉悦地歌唱。同时我们也必须要认识到选择了声乐这项事业,就要做到上台给观众表演以及教书育人的心理准备,对于上台紧张的人来说应多给予表演锻炼的机会,进行反复的舞台实践,了解舞台、适应舞台,充满自信,充满表现欲望。我们尤其要注意自己的首次登台,要准备得十分有把握,哪怕演唱的曲目再小,我们也要表演得完整,把学到的东西发挥出来。歌唱与发声的基本功不扎实在舞台演出也会引起紧张。有的学习者自认为自身嗓音条件良好,只要唱出来,高音上得去就行。结果在舞台上就容易失误,失误次数多了,人一上台就会容易紧张和不自信。这些是声乐演唱的大敌,作为歌唱者,必须逐步克服这些心理因素。
二、如何培养健康良好的歌唱心理素质
(一)苦练声乐基本功
在声乐学习过程中,我们不但要全身心投入也要在条件允许的情况下随时随地地练习,也只有这样全身心地投入才能获得歌唱的灵感和进步。只有平常投入和忘我地练习,在舞台上才充满自信而有感情地演唱。我们要知道舞台上的辉煌一刻是建立在台下的刻苦努力的基础之上的,所谓“台上一分钟,台下十年功”,就是这个道理,因此我们需要在科学方法的指导下刻苦地训练才能获得扎实的声乐基本功。扎实的基本功和技能,对每个歌唱者的影响是非常重要的,不仅能让歌唱者获得持久的艺术生命,同时也是准确完整表达音乐作品的前提。歌唱者必须有扎实的基本功和技能,这是声乐事业的基础也是歌唱者的必修课。苦练声乐基本功和技能,能促使歌唱者建立健康的歌唱心理,克服紧张心理,建立适当的自信,也是歌唱者声乐事业坚实的根基。
(二)加强艺术实践
歌唱的自信是建立在我们平常的多练习多聆听观看与多思考的基础上的,没有一个正确声音概念,就算多加练习效果也是不明显的。多听多看能提高对声音辨别能力,多想也有利于自己声音跟别人的区别,所以找到原因和差距以后多练,这样进步就非常快了。拓宽自己的声乐视野,对声乐的发展是不可低估的。所以四者缺一不可。无论是声乐比赛中还是在平常的声乐学习中,都存在着竞争。因此我们要学会辨别分析自己和别人的优缺点,从而学习别人的优点克服自己的缺点。在比赛中才会心里有底,才能知己知彼百战百胜。在声乐学习过程中有很多盲目自信的学习者,对自己的水平没有一个正确的认识,对声乐没有一定的认知,自信是好事但不能盲目自信,自信是要让人舒服的自信。在声乐学习中学习者应给自己正确定位,找出问题,分析并解决它。在具备了声乐演唱水平后,就需要较多的舞台实践和较多的实践经验,才能慢慢驾驭舞台,才能建立自信。优秀的歌唱家都是在不断的舞台实践中逐步培养起来的。在舞台实践中歌唱者也应该遵守循序渐进。一开始可先选择一些非常熟悉的人作为自己的观众,例如先面对家人或是亲朋好友,他们是熟悉的人,在心理上相对会比较放松、不紧张,在感情上他们会鼓励你,容易让人建立自信心。歌唱行为在很大程度上取决于信心。总而言之在实践过程中应坚持四多,多听多看多想多练,知己知彼,不过于盲目地自信或者自卑,应该平常心对待,也应多加强艺术实践增强自信。
(三)艺术修养和审美
一、艺术作品的生产过程
马克思在运用唯物史观分析人类社会形态的过程中,提出了艺术生产理论。艺术生产理论把艺术创作、艺术作品、艺术鉴赏这三个相互联系的环节,[1]作为一个完整的系统来研究,深刻揭示出艺术作品与欣赏者、对象与主体、生产与消费之间的相互依存、相互转化的辩证关系。
艺术生产理论中的“艺术创作”环节指的就是一度创作。对于歌曲来说,一度创作是曲作者通过丰富的生活生产体验产生乐思,形成歌曲创作的灵感,最终谱写成歌曲。与艺术生产理论中的“艺术作品”环节相对应的是二度创作。在原作的基础上,演唱主体通过分析和理解,真实再现曲作者的创作思想,再加以创造性地延伸,最终通过演唱表达出作品更深层次的内涵。二度创作是演唱主体赋予作品以新的生命力的过程。艺术生产理论中的最后一个环节——“艺术鉴赏”,则是观众对艺术作品的评价和欣赏。在这个过程中,观众潜移默化地提高了自身的审美修养和艺术鉴赏力,对于培养健全的审美心理建构起到了积极的作用。因而,这一过程又被称为三度创作。艺术教育的意义正是于此。
音乐活动中一度创作是对生活的提炼和概括,二度创作是对一度创作的补充和丰富,三度创作则是将一度创作的结果还原到生活,推动新的一度创作完成。艺术课堂的说、唱、演、奏、舞、画等活动都是在创作中进行。一度创作、二度创作和三度创作三者相互作用、互为联系,形成了一个完整的闭环。
二、做好二度创作的“四要”与“四不要”
声乐演唱中,二度创作是关键一环,通过演唱主体对艺术作品的再次呈现,将词曲作者与表演者、欣赏者在不同时空不同维度紧密连接起来。因而,二度创作需要演唱主体从歌曲的本质内容开始,认真研读,反复揣摩,掌握歌曲的精髓,将其内化于心,外化于声,既有对原唱的形似神似、形神兼备,更贴有自我独特个性的标签。即使是由原词曲作者或原唱者多次演唱同一首歌曲,每次也会有不同的心灵体验。很多歌手都表示,对于同一首作品,每次演唱效果都会不同。因此,做好二度创作对于演唱一首歌曲来说显得尤为重要了。建议从以下四个方面做好二度创作。
做足唱前功课——熟读歌谱的音符、节奏、歌词、表情术语等,为歌曲演唱的二度创作打好基础。识谱、读谱、背谱是演唱主体必备的基本音乐素养。通过听歌来模仿和学习歌曲是非常有限的。演唱前,需要认真研究歌谱,掌握歌曲的全貌,分析谱中的调性、音符、节奏、段落等基本要素,这样就能在练习前做到胸中有数。接下来,还需要大声朗诵歌词,掌握咬字与吐字的韵律。有的歌谱还会标记音乐表情术语,了解各种常用音乐表情术语,对于准确地唱好歌曲是有很大帮助的。
理解歌曲内涵——了解歌曲创作背景,分析歌词情感变化,产生“心灵共鸣”,更加准确、深入地了解歌曲作者的创作意图与歌曲的艺术内涵。每一首歌曲的背后,都有一个鲜为人知的故事。例如,1999年,贵州某景区发生了缆车坠毁事故。一个名叫潘子灏的孩子的父母在缆车坠落时双手将孩子托起。孩子得救了,而他的父母双双失去了生命。歌手韩红知道这个故事后,非常感动。她领养了这个孩子,并创作演唱了歌曲《天亮了》。这样的歌曲创作故事还有很多。这就需要演唱主体在熟读歌谱的同时,还要深入了解歌曲的创作背景,走进歌曲作者的内心,以独创性的行腔形成声情并茂的演唱,触发自身与歌曲作者之间的“心灵共鸣”,同时也为歌曲演唱的二度创作做好情感铺垫。
适时调整改进——根据不同演出需求,对歌曲的演绎形式进行适当调整。参加不同的演出,对歌曲的需求也随之发生变化。例如,有的节目将独唱改为对唱或重唱,应与合作者设计好分句、声部和表演动作。或者把独唱歌曲与其他歌曲整合为联唱节目,应挑选歌曲的部分进行重点练习,熟悉前后歌曲,做好与其他联唱节目的连接。
三、实现二度创作的主要手法
英国著名戏剧家、诗人莎士比亚曾说过,一千个读者眼中就会有一千个哈姆雷特。意思是每个人有不同的经历,对事物就有不同的看法。每个人对同一个事物的看法也会各有不同的见解。声乐演唱的理解与表达也是因人而异的。尽管实现二度创作的路径不同,最终判断的标准都是唤醒歌曲新的生命,表演富有感染力和影响力,达到启迪心智的作用。
经过归纳总结,进行声乐演唱的二度创作主要有深度情感表达、改变演唱方法、创编歌词陈词、设计曲风节奏这四个手法。各手法之间是相互依存、互为联系,共同作用形成二度创作。
(一)深度情感表达
情感是艺术创作的内在生命和灵魂,没有审美情感就没有艺术。每首歌曲被赋予的情感是不同的,有表达爱国之情的,有歌颂美好生活的,有描写亲情友情爱情的,也有宣泄内心情绪的,等等。演唱的最高境界是感动观众,但首先要感动演唱者自己。当演唱者完全融入歌曲的意境时,其情绪和声音随着歌曲的变化而跌宕起伏,令观众的情绪也随之起伏,收获了美的体验。因此,演唱种类各异的歌曲,需要演唱主体具备一定的情感阅历,能够与歌曲产生情感上的联觉,真正理解和领会歌曲深含的意蕴[3]。对于相关情感上未曾经历或经历不深的演唱者,需要多阅读文学作品,观看不同门类的艺术表现形式,增强自身的人文素养,运用假想或移情的方法,揣摩歌曲韵味,逐渐走进歌曲的内心。深度情感表达是最为常用的,也是见效明显的二度创作手法。
(二)变化演唱方法
歌曲的演唱方法不再囿于原有的传统唱法。随着现代流行唱法发展,流行唱法又细分为布鲁斯(blues)、摇滚(Rock)、爵士(Jazz)、RB、Hip-Pop、民谣等多种表现形式。因此,在改变演唱方法方面,具有较大的发挥空间。比如平安、黄石磊、黑鸭子组合等,用通俗唱法重新演绎美声、民族唱法的经典歌曲,激发出歌曲新的活力。国内各卫视举办的歌唱选秀类节目中,很多歌手也将传统的流行歌曲改编为布鲁斯、摇滚、爵士等,为歌曲增添了神秘色彩。
(三)创编歌词衬词
一首歌曲往往是因其朗朗上口的旋律而深入人心。在二度创作过程中,借助歌曲原有的曲调,根据演出的需要重新改编歌词或衬词,也是一种很好的表现手法。创编歌词衬词,既保留原曲的整体风格,又能“接地气儿”,与观众产生近距离的互动。被称为“急智歌王”的台湾流行歌手张帝,常在现场用现有的歌曲即兴填词,创作出符合现场气氛的歌曲。一般来说,选择旋律较为简单的歌曲,适合做歌词衬词的改编。
(四)改变曲风节奏
这一点在本质上是与“改变演唱方法”相通的。为追求炫酷的表现效果,在歌曲中融入更多的音乐元素,或将几种不同风格的歌曲进行整合,在不同歌曲中切换演唱,增强表演的新颖度和演出效果。在实际应用中,还需视歌曲内容、演出场合、受众群体等因素谨慎使用这种方法。
关键词:声乐演唱 教学 研究 体会
一、 声乐教学是美化“嗓音乐器”、“去伪存真”的过程
声乐教学不同于器乐教学,其困难之处在于,声乐学习的过程也是制造嗓音乐器的过程,而每个人的自备“乐器”各有差异。声乐教学是一门特殊的学科,声乐教学不同于在乐器上进行看得见、摸得着的技能教学,声乐教师必须凭自己的听觉对学生施以不同的教学,学生只能凭“感觉”用意识调节来接收教师的教学方法,由此可见其抽象性、困难程度。
一个学生优美的音质绝不是声乐老师给他创造出来的,而是天生的。这就好象是在泥沙中淘金,声乐老师充当的角色就是淘金者,通过一道道工序,把沙和一些杂质去掉,从而得到金光闪闪的金子。即通过种种训练方法,有计划地去除学生身上阻碍了美好声音产生的不该有的杂质或其它因素,把学生优美的音质挖掘出来。每个声乐老师就是制造、美化嗓音乐器的工程师,乐器做坏了可以重做,而人的嗓子一旦唱坏就无法再重新更换。作为一个声乐教师,要爱护学生那两片薄薄的、细嫩的声带,有计划、有目的地对学生这个“毛坯乐器”进行打造、调整、美化,让他能发出辉煌的、响亮的、动听迷人的声音。
二、关于气息问题
气息在歌唱中是相当重要的,在教学中怎样去解决这个问题是很难的,笔者在十几年的学习、演唱、教学的实践中,一直在探索与研究。笔者认为运用腹式吸气法为最好,即把气吸到以肚脐眼为中心的下丹田。以胸腔口为界,以上称为“正点”,以下称为“负点”,吸气要在“负点”以下吸,不能在“正点”以上吸。首先找对叹气的感觉,叹到哪就在哪里吸,吸到哪就从哪唱。把吸进来的气通到横隔膜以下,也就是让气息从胸腔里下到腰的周围,使整个胸腔保持空腔状态,以不至于把气提到胸腔而挤压喉头,影响胸腔的共鸣。把气顺利吸到腰的周围,使腰的周围扩张,并“保持”这种状态,使吸气肌肉群与呼气肌肉群形成一种相互对立的力的“对抗”。也就是要控制住气息,腰周围胀起来,小腹稍有力,两肋扩张,即要用腹肌顶住扩张的横隔膜,形成腹肌与横膈膜的“对抗”。
吸气要吸得快,吸得深。所谓深呼吸与深的气息支持,指气息要吸到肺的底部,沉到腰腹部的感觉到底,在叹的基础上放松,让气息下来。吸气宜少不宜多。把闻花式的呼吸(感觉用鼻子吸气加上嘴张开)、下支点吸气法(在中山装第四个扣子的地方吸)、哭泣式的呼吸以及稍加活动后的呼吸运用到歌唱中。笔者在教学中主张口鼻同时吸气,快、深,这样易打开喉咙,要开着喉咙吸气,不发出吸气声音。歌唱过程中的吸气阶段,笔者认为是绝对不能单从其字面上将之理解为只要很好地把气吸到位就行了,其实,歌唱过程中的吸气除了把气很好地吸到位,同时它还要求在这短短的吸气过程中,必须同时打开腔体,建立好歌唱状态,感情也要到位。总之,要达到“精、气、神、行”刹那间合而为一,达成一个良好的歌唱协调性。很多人喜欢在唱的过程中再不断地去调整,这固然重要,但笔者认为唱前的调整到位更重要,其实到实际歌唱时再去调整,在笔者看来更象是到战场上了再去磨刀。呼气过程就是用刀的过程,如果到用刀时才发现刀还没磨好,很显然很容易让自己处于被动的局面。多动脑子,把很多的声乐要求融合在吸气当中去完成,或许这样做声乐能力会进展得更快些!另外,笔者觉得良好的自然呼吸状态要配合合理的用气方法。其基本感觉是后腰两侧要哼开,具有较强的支持作用。这种哼开保持较明显的特点大约有两种:一是发声过程中伴随着哼和哭的感觉,使后腰有一定的扩开感,紧而不僵;其次是在准备歌唱发声前,就将后腰带处脊椎的两侧轻轻扩开,然后开始发声歌唱。这种呼吸的用气状态使歌唱者能够自由控制声音的强弱。原则上讲多吸气不如少吸气,少吸气不如带感情下的自然吸气。吸气决不能过满,过多,僵硬,紧张等。
笔者在教学中还强调学生注意:(1)唱高音时,小腹应该有力量往里收,后腰用力顶住,这样声音出来很结实。但不要因为收腹,把气推出去,应该把声音坐在气上。(2)收腹和扩张双肋可同时做,气好象在腰里换。(3)不要张嘴,双肋就往内吸,反而感觉向外扩。(4)在发音以前提前吸气,为的是打开喉咙,口鼻吸气,同时作好位置的准备,然后唱,要使声音持久、动听,关键在于你能否掌握好吸气。
三、关于“哈欠”状态的运用问题
“哈欠”也是我们生活常常要做的动作。歌唱中的“哈欠”状态和一个人在疲劳或困倦时打哈欠是一样的。笔者在学习声乐的十几年期间,得益最深提高最快的是跟一位83岁高龄的老太太学习声乐时,她反复并一再强调我做到歌唱时保持、加强保持半打“哈欠”的状态,笔者在歌唱的实践中拼命努力地去做这种“哈欠”的状态。经过一段时间的训练,使笔者解决了多年困扰着我的喉咙紧,歌唱带着“喉音”,声音下不来,上不去的难题。也解决了声音不通,下不来胸腔,上不去头腔,卡在喉咙里所导致的声音挤、压、白,并出现小抖,有似羊叫般的尖、刺耳的难听的声音。并且使声音变得圆润、通畅、动听起来了。所以笔者在教学中也强调学生做到半打“哈欠”的状态,也收到了一些效果。
我们闭口打个“哈欠”,喉咙里面状态是打开的,软颚是抬起来的,这符合科学发声状态的感觉。歌唱是中是要保持喉咙里面有这样状态的。它可以使声音垂直、掩盖、通畅,容易调整好气息和位置的关系,找到合理的共鸣状态。所以教学时要求学生用打“哈欠”来体会喉咙里面的状态,并保持这种状态来歌唱,转换母音时不能改变“哈欠”状态,这样就能获得竖的、上下贯通的、浑厚而圆润的声音。
但是,要注意的是“半”打哈欠,即要求不能把打“哈欠”打过头了,产生了僵硬的声音。打哈欠时加上放松或叹气,练习中把小舌头抬起来歌唱并保证每个字都是这种状态。
笔者在自己演唱实践与教学训练学生中的体会是:(1)打“哈欠”分两个阶段:前阶段是鼻子、嘴巴打开,深吸气。喉结最低的时候,喉头最开。后阶段,往外吐气时,喉结开始上。(2)颌关节打开:上颚往上抬,上下颚要松开,下巴放松,象是挂着,想使劲也使不上。打“哈欠”的目的是为了开喉咙。(A)使声音全面放出来;(B)使喉结保持在下面,声音就稳定,不会出现小抖。体会一下下巴轻轻放在桌子上,打开嘴巴。(注意:唱歌时任何时候都要往上唱,抬上颚,不要往下压下颚。)(3)唇周围的肌肉,唇角等,都该保持放松状态,不紧张,里面打开带动外面,不能外面带动里面,否则就会紧张,位置也不到位。咬字好象在耳朵中间地方出来。(4)唱中声区,与高声区颌关节的张力不同,要根据音高向上调整。
四、关于如何唱高音的问题
笔者在学习声乐的开始四五年里,高音一直只能唱到G2,再往上高半个音只能勉强上去,A2是无法唱上去的。原因有多个方面,我所从师的老师大多都是女的,女的唱高音的感觉与方法同男的不一样,也就是说我还没有真正学到男高音的演唱技巧。
后来,笔者跟一位男高音唱美声的老师学习声乐,笔者的高音的演唱能力才开始突飞猛进,一下子就能够唱到C3至D3。笔者也掌握了一些解决男高音如何唱高音的技巧,即在打好演唱基本技巧的基础上,运用“关闭唱法”与“咽音唱法”。
“关闭唱法”是男声发高音时一种最巧妙的技巧。女声不像男声那样需要。“关闭唱法”就是歌唱时不能在所有的整个音域中,用同样的方法唱,是在气息上升至上颚与头腔共鸣区时,运用腹肌向里收缩,横膈膜向上与胸肌配合来维持强力的气压,软颚与小舌均提上,然后以极缓的速度将气运至头腔区,将音色变暗转向头的中区与后部,再转向前送出,使之发出一种金属质的有力而动人的共鸣。
“关闭唱法”是一种精心的声乐技术,要细心地去体会。笔者记得自己在初学时根本找不到这种感觉,因为以前女老师教我的是用她们女声的真假声结合的混声唱法,而在实际的男声演唱中假声是很难唱出来的,要么太虚要么太真声了,往往真假声脱节而没法混起来,所以笔者认为男声在唱高音时不能借用女声的混声唱法,而应该换种方法。笔者在男老师的反复示范以及他所谈的自己的演唱体会后,经过了很长时间的试验与练习、揣摩,才初步掌握了这种演唱技法。“关闭唱法”说白了就是母音转换,唱到高音区时把母音变窄,如把a变成ao再变成o再到ou再进一步变窄成u 。关闭并非关住,它是在唱高音时把声带靠拢,母音就变窄了。笔者最切身的体会是唱高音时首先要把声音拢住往上挪到头腔,母音从大变小,声音变暗,有如掩盖的感觉,改变音色,使明亮的音色变成晦暗色往前额、头顶送,使声音听起来好像被一层轻纱罩住似的,就好象上面有一只碗,复盖着高音一样。也就是唱高音时,上颚向上提,软口盖升高(打哈欠状),引导气息进入头部的共鸣腔形成一个象教堂那样的圆顶空间,让气体充满这个空间,籍着强力气压的支持而发出一种整体的铿锵有如钟鸣、充满生气的动人的音色。“关闭声”是真声到头声的中间衔接部,主要是头部各腔的掩抑微妙的关系。
其实我们中国民族唱法中的假声就是不自觉的运用了关闭唱法,如京剧唱法,比西洋所谓的这种运用“关闭唱法”所唱的音还要高几度,它在把气息、声音上升至头腔时,还渗进了假声,在很高位置的假声点上把声音放大唱出来,这种京剧的含有“关闭”元素的唱法,我们应该好好去研究并在演唱实际中借鉴、运用,只是这种京剧唱法发出来的声音没有西洋运用“关闭”唱法发出来的声音浑厚、洪亮、动人、持久、铿锵有魄力。
林俊卿博士的《“咽音”练声的八个步骤》一书,也分析了各种唱法的优劣。林俊卿在没有学习”咽音“唱法以前,学了多位老师经过了多年的学习,只能唱到f2到g2,后来向一位男高音歌唱家学到了意大利传统“秘方”——“咽音”发声法,直到现在还可以连续用真声哼响亮到C3到E3的音几百次毫不感到费力,而在低音部,仍可以把lowC的音唱响。对于“咽音唱法”,唱高音时在口腔的后半部恰当地建立和改善一个适宜的歌唱腔体,充分利用口腔的歌唱共鸣,对咽部作特殊姿势的调节所发出的“咽音”,音色带上了金属般的脆亮成分,声音变得比较美妙动听,富有致远的穿透力和表现力。“咽音”也就是发声器上端的会厌周围组织全面收缩形成细小的 “发音管”共鸣室造成的,唱高音时歌声带有铿锵结实音色的声音。我认为平时在练声中只有运用“咽腔哼鸣法”,多用a e母音进行训练,并加强咽腔肌肉群的训练,才能获得动听的“咽音”。
在实践中领悟到无论哪种唱高音的方法都要用腰部的力去唱,即把气吸到腰的四周,感觉到前后腰部膨胀起来,然后把气闭起来,张开口,用力把腰及肋骨向里一收,胸部向上一挺,感觉到压力压住了上颚,运用腹肌的收缩来增加压力(到了a2就要用腰力了),再运用上一些“关闭唱法”和“咽音唱法”,高音就容易唱上去了。
不管运用什么唱法唱高音,还是要每天抽出一点时间练声,加强科学的练习、练习、再练习,反复训练,不断琢磨,不断提高。就象跳高运动员在训练跳高时,教练教你怎样去跳,比如背越式,跨跃式,你在知道了技巧后还是要拼命地去练跳,使你的大小腿肌肉群得到训练具备一定的弹跳能力,才能够越过目标高度。唱歌也一样,你掌握了技法以后,还是要练,使参与歌唱的咽腔、胸腔、头腔、腹肌等肌肉群得到良好的训练,建立起良好的中低声区以及正确的换声区系统,才能够唱出一定的高音。平时要加强身体锻炼,慢长跑等有氧锻炼可以提高肺活量,杠铃、哑铃等无氧运动锻炼全身肌肉群,发达的胸肌与腹肌可以提高唱高音的能力。
五、关于歌唱声音的方向与如何传远问题
我们唱歌的人都希望声音能传远,使很远的听众能够听到,声乐老师要求我们练习时往里吸,往里唱,不要往外唱,同时要求声音不能进进出出,出出进进。声音要先拢住再往头腔上挪,向上前方前额的部位集中,在头顶外部向前方飘荡,这样声音就可以传得很远了。也可以这样去做,声音在硬颚与软颚之间的垂直正上方,即咽音后点,往上方两个方向走。一个是自咽音点象海豚顶球一样往眉心前上方(面罩点)方向从里往前上方成四十五度角穿透斜飞出前额直向上前方运动;另一个方向在咽音点往头顶上方直插云霄。
参考文献:
[1]赵伯梅.唱歌的艺术[M].上海:上海音乐出版社,1997.
摘 要:声乐是我们情感传流露、传达内心声音的独特表现形式,声乐演唱与情感的表现密不可分。在声乐演唱中,情感是声乐的“灵魂魅力”,是声乐的感染力所在,也是歌唱者心语的表露。本文在描述声乐与情感两者的联系的前提下,探究在声乐演唱中如何进一步地表达声乐者的情感,做到相映得彰。
关键词:声乐;演唱;情感
声乐演唱具有独特的演唱魅力,不仅仅是通过富有感染力的歌声来表达,更是通过富有震撼力的语言来传达歌唱者内心的情感,所以,作为声乐演唱,必须包含和传达音乐中的情感内涵。歌唱者的演唱,是个理解的过程,是个获得的过程,更是个表达情感的过程,所以作为演唱者想要感染观众,那么必须让自己的内心声音和作品情感达到完美统一。
一、情感对于声乐演唱的重要性
(一)情感概念
真正深入人心的声乐演唱,除了具备过人的演唱功底之外,还得深刻地理解和把握声乐演唱的灵魂———歌唱者的情感内涵。情感是反映客体和主体的联系,是人类对客体是否符合自己的需要而产生的个人倾向。情感表现有包括两方面;一是基本情绪的表现;二是精神特征的表现。情感是以一定的认识为基础,它源于生活体验,源于社会实践。声乐演唱的过程是演唱者表达深情实感的过程,是演唱者根据自己对作品的领悟,运用自己的聪明才智,通过演唱表现出来的。所以,演唱者要想达到深入身心,打动观众,必须能对生活有所领悟,拥有丰富的生活体验和情感体验,带有感情地去演唱,真正达到“人曲合一”的地步。
(二)情感表现是声乐演唱的灵魂
每个声乐演唱都有自己的情感表现,它是指演唱者对音乐作品和情感内涵进行诠释和表达的状态。在声乐演唱的过程中,情感是重中之重,是声乐演唱的“灵魂魅力”。演唱者想要先声夺人必须得情感“先行”才能深深地打动观众的内心。声乐演唱不同于一般的艺术形式,它是音乐和演唱的完美统一,是演唱者内心深处情感的流露,具有强大的情感冲击,给观众带来心灵上的冲击,更容易深入人心,感人肺腑,令人流连忘返。 所以,声乐演唱是情感表达的特殊形式,情感表现是声乐演唱的灵魂。声乐演唱要表达演唱者的情感,就是“以声传情”、寓情于声。然而,一些演唱者忽视了情感表现,一昧追求歌唱技巧的提升,这是万万不可取的错误做法。实际上,在演唱中,声音只是情感表现的载体,打动观众的不是优美动听的声音,而是演唱者传达的情感魅力。 在演唱中,演唱者的情绪尤为重要,它能够深深地打动观众并深入人心,正是演唱者带着符合音乐内容的情绪去演唱的结果,让观众在不同的时刻有不同的感受。演唱者要想打动观众的内心,必须正确地诠释音乐作品,把握作品的情感变化,在适宜的时机表现出来,激发观众自身的情感,声乐演唱要达到完美的地步,不仅要有高超的演唱技巧,更在于细腻的情感表现。
二、如何在声乐演唱中做到声情并茂
(一)掌握作品的背景内容
1明确作品的时代背景。生活是艺术创作的源泉,所以每一部声乐作品都与自身的时代背景密切联系,就是说它体现了某个历史时期的改变和局势。演唱者要想真正地理解作品,必须了解作品在哪种环境中创作的。作曲者在不同的作品中赋予不同的情感,如喜悦、痛苦、难过、称赞、想念等情感,即使是同样的感情基调的几个作品,演唱者凭据什么来准确地区分其中蕴含的感情呢?这就需要演唱者通过各种方式,例如查阅文献资料、上网查询等方式分析和比较作品的时代背景。而演唱者要想在适宜的时刻恰当地表达自己的感情,必须对作品的时代背景、音乐要素了如指掌。
2研究作品的深刻内涵。声乐演唱和一般的艺术形式不同,因为它有自己的歌词,还要通过人的声音对其进行诠释。歌词是声乐演唱特有的,是经过艺术处理的通俗语言。歌词是优美生动的语言,与重音、轻音、节拍、节奏等音乐因素一起组成了音乐语言。歌词是作品情感传达的根据,诠释歌词就是通过演唱者的演唱来进行的,所以演唱者必须反复推敲、琢磨歌词内在的含义,结合自己的生活感悟和演唱技术,凭借自己的聪明才智,让自身与音乐融为一体,浑然天成。演唱者要使演唱有更好的感染力与震撼力,必须把自己的感情融入到歌曲中。
(二)提高声音技巧的训练
1吐字与情感表现。良好的吐字方法有助于作品情感的表达。其中,吐字有各种各样的方法,例如喷口吐字法、报音吐字法、切分吐字法等。在演唱时,歌唱者要想更好地表达音乐的形象,必须根据不同的情况使用不同的吐字方法。
2气息与情感表现。在演唱中,演唱者的呼吸控制在情感的表达中占有不可忽视的地位。在歌唱一首歌曲中应该合理控制呼吸点,从而让歌曲更有震撼力。另外,要控制气息连贯还得掌握演唱的速度。演唱者只有仔细地理解歌词内涵,合理把握作品的速度、节奏,合理调整呼吸,才能正确把握歌曲的演唱速度。
改革研究生招生环节笔者认为研究生的招生考试应该先考专业课,对专业较差的学生进行淘汰。专业课通过的学生再参加全国统一的文化课及公共课的考试。这样可以让学生把重点放在专业课的学习上,也可以招到声乐基础、演唱条件好一点的学生。避免出现考生在本科学习其他专业,只是由于基础课出色才被录取,导致研究生培养过程中困难重重的尴尬局面;声乐专业是实践性很强的专业,录取时应考虑学生的声乐歌唱能力、表演能力、科研能力、实际教学能力等综合素质和声乐专业发展潜力。入学考试可以降低理论科目的分值和所占的比例,与理论专业的研究生区分开来。研究生的所学专业应该有一定的连续性。本科,研究生甚至是博士生所学的专业应该是一致的。在招生的时候应该对学生的本科专业有一定的要求。
优化声乐研究生教学的目标和内容1.区分不同类型研究生的培养目标。目前高师声乐研究生分为学术硕士、教育硕士、艺术硕士三种,笔者认为不管哪种都要遵循声乐教学规律,培养的方向要因人而异,培养目标因不同层次需要而不同。有的学生在歌唱表演方面具有很高的天赋,可以作为专业型的人才来培养;有的学生声乐条件一般,但是乐感和素质尚可,可作为学术型的人才来培养。艺术硕士要注重艺术实践,音乐会的演唱要出色;学术硕士要注重论文写作,提升学术水平;教育硕士要注重师范功能。2.声乐教学内容要多元化。高师和综合大学培养的声乐研究生应该在一专多能的基础上思考并总结声乐演唱及教学的规律、理论并加以传承。在声乐技能技巧方面,高师的学生比不上专业院校的声乐演唱专业的学生,但是作为以师资培养为目标的高师声乐教学,追求的不是演唱高难度的声乐作品,而是追求掌握科学的演唱方法,作品的涉猎范围能够广而全。在研究生的技能训练方面,高师的声乐硕士除了声乐技能外,还应具备一定的伴奏能力,可以在培养方案中加入钢琴课,或者钢琴伴奏课;研究生的英语没有涵盖专业术语,很多研究生看不懂专业的英语文献,可以在研究生的英语中开设专业英语术语课程。另外,建议开设心理训练等方面的课程,通过心理暗示来帮助学生在表演上、教学上起到更好的效果;笔者认为加强学生的教学能力和提高文化素养也是极为重要的,建议在课程培养方案中加入声乐教学法、教学理论,甚至是中文课、哲学课、美学课等文、史、哲的课程,使得研究生的知识层面要高于本科生。还应该注重培养研究生的研究能力,让他们学会提出问题、解决问题并反思问题,通过知识的积累和不断的实践,完善自己的研究方法。研究生的培养还应该考虑市场需求,为当地的经济和文化建设培养所需人才,注重学生各种能力的培养。3.声乐教学质量要提高。在研究生阶段,学术硕士一般开一场音乐会,艺术硕士开两场。毕业音乐会要求学生的演唱风格要多样化,不能只有一种类型,应展示出对不同风格作品的驾驭能力。美声唱法的学生应演唱意大利语、德语、法语歌曲和中国民歌,民族唱法的学生应演唱戏曲和地方小调。音乐会应该有一定的规格,应注重学生歌唱艺术的表达能力,培养学生的乐感,而不是纯粹的技术。对美声唱法的学生应加强语言训练,让他们深层次地学习意大利语、德语和法语,而不只是注重语音训练。这样学生才能真切理解歌词的意思,舞台上准确地表达作品,在交流的时候更加自然。民族唱法的学生要求更多地继承传统和创新,努力学习中国优秀的传统声乐文化,并在唱法与作品上进行大胆的尝试与创新。研究生的专业课可以用声乐理论的教学和研讨性的教学来补充简单的“一对一”的教学模式。这样可以避免学生知识单一、视野狭窄的情况。4.搞好声乐研究生的艺德、师德教育。艺术硕士毕业后主要去文艺团体当演员,文学硕士和教育硕士毕业后主要是入校当老师。作为一名艺术家只有具备优秀的艺德,才能被广大人民的喜爱,才能创作出伟大的作品;作为一名教师,优秀的师德是立身之本。很多的文艺团体、院校采取以老带新的做法,引导新人更快地适应工作岗位,但是这都是研究生毕业走上工作岗位之后才开始的。如果在研究生期间就开展师德教育,那么在一定程度上可以避免研究生走上工作岗位上的不适,减少工作中出现问题的几率。
加强对研究生导师的培训与遴选目前,硕士研究生导师遴选的标准不一致,有的学校标准比较低,建议国家出台导师遴选的标准和条件:如对导师的职称、获奖、论文等方面有具体的要求,这样有利于整个师资队伍的建设。由于扩招比较严重,中国的教育已经进入到一个大同的状况,导师的质量不是很令人满意,老师的素质有待进一步提高。建议对导师实行岗前培训,组织老师们进修。对海归导师加强中国文化的培训,特别是中国声乐文化、中国音乐文化知识的补充。对于资深的老师,建议学校能送其出去充电,更好地提高业务素质和教学能力。很多导师都表示既要辅导学生举办音乐会又要指导学生的毕业论文,压力太大,建议学校实行双导师制,一位老师指导学生的音乐会,另一位老师指导学生的论文。笔者以为:硕士生导师的学术水平、道德修养和工作态度直接影响着研究生的成长。他不仅向研究生传授知识、培养研究生各方面的能力,对研究生的性格、修养、态度等各方面都有直接的影响。每个导师学有专长,互相之间可以弥补对方的不足,跨学科、跨专业及交叉学科的导师可以培养出知识更加全面、能力更加完备的研究生。
关键词:音乐心理学,声乐演唱,心理状态
在科学发展的今天,心理研究的范围很广,涉及各个学科。心理学在音乐领域中的应用,始于1883年德国很有影响力的哲学家、心理学家斯图姆夫写出的《音响心理学》,这篇著作,使他成为致力于音乐心理学研究的先驱。博士论文,音乐心理学。当今,心理学和音乐实践相结合的心理研究工作,被越来越多的音乐心理学研究者所重视。他们试图从心理学的角度来阐释音乐表演现象中的问题。
一、音乐心理学的研究在歌唱实践中的作用
我们在表演活动中经常会怯场,这是一种过份的紧张感觉。各种歌唱比赛的实践证明:比赛成绩的好坏一定程度上取决于歌唱者的心理因素。有些实力很强的歌唱演员平时训练,演唱水平很高,一旦参加比赛,往往会出现精神紧张,状态失控的现象,这些由心理障碍带来的危害,使歌唱者苦不堪言。
歌唱者的发声功能不仅是发声的各个组成器官精确配合的结果,而且是高级神经活动的一种特殊形式。歌唱的呼吸、共鸣、发声、语言等彼此间的精密配合,就是依赖神经系统的协调作用。心脏、血液、肌肉、嗓子等生理器官和神经系统有着密切的关系,人遇到某种情境时,所出现的身体上的反应,如发抖、逃避引起这些反应所起的内导就是心理状态。
声乐表演需要稳定的心理、清晰的头脑和全身心的投入,当人不知所措时,血压会升高或下降,头脑模糊不清,甚至原先背熟的歌调都会忘记,唱什么和该怎样唱全然不知,声乐表现还需要坚强的意志,必胜的信念和面对大众的勇气。想逃避的念头一出现,在演出前就已经埋下了失败的种子,水平的发挥受限就成为必然的结果。
因此,针对歌唱者在学习、表演中出现的各种心理障碍或心理压力,我们应该建立积极的自我控制能力,增强稳定心理状态以保证在歌唱表演中的技术水平得到正常发挥。
二、引起心理紧张的原因
1896年,德国心理学家冯特提出感情的三度说:兴奋与沉静、紧张与松弛、愉悦与不快。声乐演唱前的期待之感,常常是歌唱者产生紧张之感,而当演唱刚结束,则会在其可见产生松弛之感。就声乐演唱而言,引起心理紧张的原因,有以下几个方面:
(一)、歌唱者的舞台实践因素。目前的歌唱教学基本上是一种“封闭”式的教学方式,平时基本上是习惯于面对教师一个人练唱,即使在正规的音乐院校学习的学生,除了定期的考查或考试外,平时也很少有舞台演唱的实践机会。如果演唱者控制、调节自己行为的情绪、行为的能力较差,那么一上台就会打破正常的生理机能的活动规律,出现诸如心律加快、收缩压升高、胸闷、气粗、尿频、出汗等现象。
(二)、过去有过失败的经历。美国心理学家沃斯说过:“不好的开头会阻碍和影响今后”有一些表演者在以往的表演中有过失败的经历,所以很容易对自己产生偏离正常的观点,态度和信念而使他陷入一种不适当的自相矛盾的情境之中,于是他们一直守着焦虑、紧张的干扰,严重影响了今后的发挥。
(三)、不安全的恐惧感。这里包括:1、歌唱表演中的技术因素。歌唱者如果尚未掌握纯熟的演唱技术,对作品的音准、节拍、节奏的掌握没有充分地把握,与伴奏的配合不够和谐,特别是对于作品中的难点,比如高音演唱还没有足够的把握等,在这样的情况下,带着很重的思想负担上台演唱,就必然会产生舞台心理障碍。2、歌唱者生理变异(健康)因素。人的嗓音器官比较娇嫩,任何生理上或者心理上的变化,如伤风感冒、心情不好、思虑过度等等,都可能在嗓音器官上有所反映。而作为歌唱者,一般对自己的嗓音状况都比较敏感,稍有不适,就会对自己的演唱感到担心和焦虑,从而失去平时的演唱自信心。3、专家评判、教师审定,歌唱者面对专家演唱时,心里怦怦乱跳,专家、教师是内行,歌曲中的任何表现都逃不过他们的耳朵,歌唱者一想到会被剖析,就不会自信,因此产生不安的感觉。
三、良好心理素质的培养
首先,演唱作品时,演唱者应积极投入到作品所要求的艺术表现中去。集中注意力、酝酿感情,使自己深深地沉浸在歌曲的情感之中,充满丰富地想象和联想,这是演唱前及演唱过程中最佳的心理状态。博士论文,音乐心理学。曹日昌在《普通心理学》中指出:“一个人对于某一对象注意越集中,那么,对于其它对象也就觉察得越模糊”。可见,把注意力集中在歌曲的情感内容上,既保证了演唱情感的正常发挥,又抑制了各种外界因素的干扰和紧张。其次,以平常心态对待歌唱表演。在演唱之前,尽可能的将注意力转移到与表演、比赛无关的活动上。这样,在歌唱时可使心理压力减小到最低限度。博士论文,音乐心理学。第三、树立稳固的自信心。运用表象法,回忆以往表演成功的原因,使其成为增强自信心的动力。博士论文,音乐心理学。比较法,看到自己的优势,发挥自己的特长,认清别人的弱点。通过比较,设法纠正心理上的错觉与认识上的偏差,对自己充满自信。博士论文,音乐心理学。最后,对于演出中出现的某些不足以及意想不到的失误应有一定承受能力。博士论文,音乐心理学。多唱、多演、多实践。声乐是一门实践性很强的艺术,经常参加演出实践,能锻炼自己的适应能力。
综上所述, 如果我们在声乐学习提高演唱技巧和艺术表现的同时,能够充分注意到良好歌唱心理的培养,建立起歌唱者必需的舞台演唱自信心,不断提高自己的心理素质,创造良好心态去适应各种可能变化的演唱环境,那么歌唱者的表演就会显得成功。这说明他已经从表演心理上获得了解放,而这种心理状态正是向声乐表演艺术迈出的可贵一步。
参考文献:
[1]俞人豪.音乐学概论[M].北京:人民音乐出版社,1997.
[2]赵梅伯.唱歌的艺术[M].上海:上海音乐出版社,2001.
[3]邹本初.沈湘歌唱学体系研究[M].人民音乐出版社,2000.