欢迎来到易发表网!

关于我们 期刊咨询 科普杂志

新美术论文优选九篇

时间:2023-03-21 17:15:32

引言:易发表网凭借丰富的文秘实践,为您精心挑选了九篇新美术论文范例。如需获取更多原创内容,可随时联系我们的客服老师。

新美术论文

第1篇

外来文化想要在本地长足的发展,必须要紧紧扎根本地的文化和群众的生活,这样才能够在人民群众中开枝散叶,受到人民的欢迎。但是就目前来说,设计师们这方面还有所欠缺,不能够完全地融合时尚元素、流行文化于传统的民族文化之中,要么就乡土气十足,要么就完全舶来品,甚至弄得不土不洋,十分尴尬。

二、舞台美术设计如何创新

随着人们审美意识的提高,简简单单的舞台效果已经不能够满足人们的需求,现代的观众似乎显得有些吹毛求疵,被设计师们惯坏了胃口。但是也正是这样才会对设计者们有着高要求,才能够逼着设计师们不断地改进自己的工作,不断地进步。关于舞台设计的持续创新,每个人都有自己的想法,下面我来说说我自己的。

(一)新媒体技术的发展与舞台设计紧密结合

在新世纪,新媒体的发展获得了所有人的瞩目和赞赏,各行各业都在积极地把新媒体作为自己的宣传和营销工具,舞台美术设计自然也是不会例外。和新媒体结合得越紧密,舞台设计就越以它丰富多彩的表现形式和艺术魅力博得观众眼球。在2015年的春节联欢晚会中,李宇春一曲《蜀绣》惊艳了全国观众,精心设计与布局的灯光美术设计,大屏幕的效果,还有投影反射原理,给观众带来了美轮美奂的视觉享受。试想,要是没有新媒体技术的应用,这首歌曲可就逊色多了。

(二)设计思维要广度也要深度

改革开放给人们的思想观念的冲击是巨大的,只有不断地创新是我们还能站在世界重要位置的关键所在。舞台设计上的创新也是跟随者时代的变化而不断更新和成长的,积极地汲取外来的舞美设计经验,并且结合本国的传统文化,将两者有机结合,才能够不断地给艺术创造者们带来灵感。并且只有不断地从思想上重视创新的作用,使舞台设计满足日益提高的观众审美的需求,才能够站稳我们自己的位置,而不被外来的洪流冲走。舞台设计的创新首先来自于艺术设计者的创新思想。这有把“创新”这个种子种在舞台设计者的心里,种在中国传统文化以及具体国情的土壤上,才能长出参天大树,才能够设计出适合中国人民欣赏的美妙的艺术作品。虽然在刚开始的时候,小树苗可能不够结实,缺乏养分,但是时间长了,积累的多了,自然会最终长成,并且开出花,结出甜蜜的果实。我们不仅要在数量上大量地创造我们的艺术作品,更要积极寻求在作品立意,内涵上的突破。中国08年的奥运会开幕式就完美地体现了舞台艺术设计从量变到质变的大步飞跃,给全世界人民都带来了美妙的艺术享受和观感体验。

(三)舞台美术设计考虑欣赏者的接受能力

要想观众在观看演出的时候,能够留下深刻并且美好的印象,那么在设计的时候要充分考虑观赏者的接受能力和欣赏水平。大部分人都不是艺术家,并不都能够完全理解演出者的主要意图,因此在设计的时候多从生活方面出发。艺术来源于生活,所以在满足观众需求的时候尽量贴近人民群众的生活,使人们能够充分享受到一场文化盛宴。并且,当高雅的艺术走下阳春白雪的高台,走向普普通通的劳动群众的时候,就更要学会满足大众多元化的审美需求。这也从另一方面告诉了我们要着重考虑到观众的理解能力。来源于生活中的最真实的往往也是最能够打动人心的。设计者们可以从很多方面增强舞台设计在视觉上对观众造成冲击力,形式上选择矛盾空间、反转,也有错视、联想、正负形甚至同构图形和影子在舞台美术设计上的作用和效果。表演的内容是给观众留下深刻印象的关键。甜美的会让人快乐,悲伤的会让人难过,搞笑的会让人开心,残缺的会让人遗憾。表演的内容设计上也要尽量的来源于生活,真实而又典型,选择发生在生活中的事情加以艺术渲染,富有张力的故事情节,再加上时间与空间上的交错,会让观众融入其中。

三、总结

第2篇

因为考察中国舞美的新发展,就要面向世界,站在世界舞美的高度。那么,世界舞美呈现哪些新的发展趋势呢?笔者认为主要有以下几点。

一、多元化

多元化的21世纪,世界舞美也呈现明显的多元化发展趋势。这种多元化的发展趋势,又可以分为以下四个层面:

(一)舞美构成要素的多元化

舞台美术原本就由布景、道具、服装、化妆、灯光、音响效果等多种要素构成,并且涵盖了绘画、雕塑、工艺美术、实用美术乃至建筑、园林、音乐等各种艺术因素。而现在,除上述多元化因素之外,又囊括了广告宣传、海报制作、节目单设计等等。可谓是舞台艺术“大综合”之中的“小综合”,其多元化发展趋势,越来越明显。

(二)艺术风格的多元化

过去的舞台美术,基本上分为写实主义与写意主义两大艺术风格,而现在的舞台美术,除了这两种艺术风格外,还包括了印象派、抽象派等西方现代派的艺术风格。wWW.133229.COm其艺术风格的多样化,也越来越鲜明。

(三)纵横交汇

世界舞美还呈现纵横交汇的发展趋势。在纵向上,呈衍化特点,即从本民族或特定区域的艺术源流出发,保持传统特色又赋予时代精神。我国戏曲舞美就是民族化与现代化结合的有力证明。欧洲各国亦如此。英国、法国、德国、俄罗斯等国家的舞台美术,也都既有本民族本地区的传统特色,又融入新时代的新元素、新特点。

(四)时空造型的多维拓展

作为舞美的主要方式——舞台时空造型,也呈现出多维拓展的发展趋势。许多舞美大大加强了动态功能,大幅度地拓展了时空落点与表现范畴。或用朴素的造型形式表现深刻的内涵,或用华丽的形象构成奇特的景观,但都共同致力于将舞美由仅仅是舞台艺术局部的装饰发展到总体意念的表达。从舞台的二维空间发展到三维空间,并进一步发展为包括观演关系的演出场所在内的多维动态时空的立体化结构设计。例如音乐剧《猫》的舞美设计,就像整个剧场内外设计成一个“动物世界”,使整个天地真正变为一座“大舞台”。

二、科技化

综观世界舞美,呈现明显的科技化发展趋势。许多现代化的高科技,都进入舞台美术领域,例如电脑设计的布景、投影布景、激光布景,灯光中的电脑灯、激光灯,音乐音响的电脑调音台等等,使整个舞台美术出现了前所未有的景像,令人耳目一新。

现代化的声、光、化、电等各种高科技的广泛应用,使世界舞台美术真正形成一个广阔的艺术世界。

三、人性化

在人性化的21世纪,世界舞美也呈现人性化的发展趋势,这种人性化的发展趋势,又表现在以下几个层面。

(一)充分发挥舞美设计师的作用

尊重舞美设计师,使他们充分发挥主观能动性和艺术创造性。例如在捷克,就有舞美设计大师斯沃博达与威赫尔。国家对他们格外重视,不仅待遇优厚,而且分配有高级豪华的别墅。政府对舞美的高度重视,促进该国的舞美学科走在世界舞美前列,成为世界舞美中心。他们把举办国际舞美展览活动当作国际文化交流的重要方式,把舞台美术看成是人民文化生活中进行综合审美教育的一个重要组成部分。

(二)培养舞美设计新人

许多国家的艺术院校或戏剧院校,都设立了舞美系或舞美专业,大力培养舞美新人,这也成为世界舞美的一个新的发展趋势。

第3篇

这些年来,在杂技创新方面已经取得了一定的成就,收获了一些成果。这里说的创新,有节目技巧动作的创新,也有主题晚会的创新,特别是目前又开始了剧目化创新的发展趋势。以演出样式的创新为例,从过去的单体节目一个一个地顺演下来,到上世纪90年代中期,以1994年战旗杂技团推出《金色西南风》为标志性起点,各团纷纷开始搞主题晚会,杂技界把这个转型称作“总体创新”。从本世纪中期以来,以战士杂技团2004年推出杂技剧《天鹅湖》为标志性起点,很多团都推出了杂技剧。在这个过程中,很多团还不断推出了一批新节目和新道具。

1994年,战旗推出的《金色西南风》所以引起关注,是因为这台晚会确实取得了一些重要的突破。该团地处云南昆明,他们按照主题选准了西南少数民族众多的特点,把很多少数民族的文化元素,包括民间传说、民歌、民族游戏娱乐都合理地运用到晚会中,使得整台晚会产生了较强的整体感。晚会的创作成功得到了多方面的肯定,在全国杂技界产生了很大的影响。随后,全国的稍具规模的杂技团全部都开始搞主题晚会了。其中,沈阳推出大型杂技晚会《天幻》,文化部也组织了研讨会。

现在,国内制造业界正在大力推动“

另外,杂技的本体离不开杂技的基本功。当然还是要把杂技的基础打牢,要提倡真功夫。但是,我们在台上不是展示基本功,而是表演杂技艺术。特别是我们应该看到,经过几十年的发展,杂技的基本功内容也发生了根本的变化。133229.coM过去说“腰、腿、顶、跟斗”,现在已经不完全了。现在的理念是,杂技演员不仅要有高难技巧,还要有舞蹈演员的身段、戏剧演员的表演、运动员的体魄、武术的精气神、音乐的节奏感和韵律感以及较高的文化修养。《俏花旦——集体空竹》这个节目不仅获得了法国总统奖,还在春晚中获得几十万选票成为观众最喜爱的节目,这个节目最大的特点就是演员的综合表演能力得到了最大的展示,观众认为杂技变了,变得好看了。所以,要重视演员的综合表演能力,将杂技塑造成一种真正赏心悦目的艺术。

一个真正的创新节目,会带给人一种震撼,一种长时间的影响。这几年我们

第4篇

在如今的美术教学中,其相应的教学目的就是要积极打造较好的技能基础与美术知识,从而进一步培养相关学生的审美能力,从而为将来的美术事业打下良好的基础。所以,其美术教学方式与相关教学内容都必须要符合实际的教学对策与认知习惯,要让学生们更愿意去接受。其实,学生们对书本上的知识并不一定十分感兴趣,而相应的美术教师可以依据相关美术需求去择取那些学生们比较感兴趣的教学内容与学生的实际需求相符合。在相关美术教学的方法中,可以打破比较传统的教学模式,依据实际兴趣采用实用而又灵活的教学模式。例如:在进行青铜器具鉴赏时,相关教师可以提供一些古代的青铜器具模型,在大量分析其图案与背景以后,可以让学生们自己动手进行青铜器具的模型制作,这样能够让相关学生进行自我实践,从而学习到相应的知识。

二、美术传统教学中存在的弊端

比较传统的教学在通常情况下都以教师为主要中心,其通常习惯于采用个体的手工方式进行工作,从而在一定程度上开发了教学资源,同时,相应的教学设计也备受多种客观因素的制约,其主要表现如下:

(一)比较传统的教学均以基础知识为主

进行书本上知识的学习可以进一步促使学生在实际认知上的快速发展,但是,却不能够仅仅因为如此而直接忽略了其经验所带来的实际作用,如果没有相关的经验就很难掌握与理解间接性经验。在传统的教学当中并没有直接给予其经验上的重视。如果只是仅仅进行书本知识的教学,一定会直接导致对理性的过度重视,从而轻于实践的做法,这就是对结果不够重视的重要弊端之一。

(二)以教师为主要主体

教师和学生、教和学都是贯穿整个过程的基础关系,其主要包括相关教师和学生之间的关系,以及教和学之间的教学关系等。而在这种关系中,比较传统的教学中片面的教学只是强调教师与教师之间的教,在一定程度上形成了以教师为主要中心的师生关系与教学体系,这样使不利于相关学生进行学习的创造性与主动性的思维创新。

(三)打破以教案为教学模式的教学

依据比较传统的教学来说,其主要是以教案为主要依据的教学模式,相应的课堂教学主要都是按照之前的计划进行教学的,每一节课都必须要积极完成相应的教学进度,而其相应的内容与进度都要实际安排在教案中。而从相关教师的角度来说,依照相关教案进行教学目标的设立,可以在课堂上积极培养和引导相关学生的发展,其相关的教学任务也能够顺利完成。而对学生的实际掌握情况来说,学生们是否得到进步,其教学效果体现的是否明显也就无从知道了。因此,采用以相关教案为主要教学的工具,相关教案只是片面反映整个教学过程,并不是学生们的实际学习过程。

三、特定情景的体验教学

在新课改的体质改革下,相应的教师可以在相关美术教学中利用情景创设的方式进行授课。例如:相应的美术教师可以依据相关美术现象与美术作品,采用编制角色扮演与编故事的方法来进一步激发学生们的求知欲望。美术教师可以为学生们编制一些情景模式的短剧,可以让学生们去扮演一位众所周知的画家,进一步表现出其画家从刚刚开始学艺到最后取得成功,从而让每一位学生在实际的教学中去体验自身的感情,从而学习相应的绘画技能。不仅如此,相关教师也可以让学生处在某一个场景中进行绘画,例如当外面下雨时,可以让学生们直接画出在雨中的所见所闻,当外面正在下雪时,可以让学生们积极画出雪中的一些美景。与此同时,相关教师还要不断加强其美术教学的积极性,同时让学生们在实际的情景中形成审美能力与审美情趣,最终获得较好的教学效果。相关的情景教学体验主要是新课改针对相关教师的具体要求,其对老师来说是一个十分巨大的挑战,但是,进行情感式的美术教师可以获得更好的教学成果,这只是在相关的教学实践中得以实现的。所以,在实际的课程改革下,相关美术教师也要相应地探索其相应的情感体验,让学生在实际的情感体验中对美术知识与技能进行及时的掌握,从而进一步提高其相应的审美能力与审美情趣。

四、课堂结构的改革

在比较传统的美术教学中,其相应对的教学结构主要是由相关学生的练习与教师教学以及相关知识的讲解所构成的,而在这些环节里占据主导地位的就是相应的美术教师,学生们的很多活动都是在相关教师的实际安排下直接完成的。而在比较传统的教学模式下,教师只是单纯的教而不知道教育学生怎么学,其已经不能够充分地满足实际课程的需求。所以,相关美术教师就要依据相应的教学特征,积极改变比较传统的以教师为主导的教学模式,积极建立起以相关学生为中心的询问、欣赏以及讨论讲解等新课堂结构,充分发挥学生在实际教学中的重要作用。而相关美术作品的欣赏也是整个教学中的重中之重,其最终的目的就是进一步提升学生的审美能力,进行询问就是让学生形成问的习惯,此时也可以进行教师问;讲解是说美术教师针对一些问题进行有针对性的讲解;讨论就是说在整个学习的过程中,学生们可以对一些比较具体的问题进行讨论;而训练则是说要进行以学生为主导的课堂性教学,这也是相关教学中的重要环节,其会贯穿在整个教学的体制中。以进行学习的学生为重点的教学方式可以进一步让学生自主地参与到整个美术教学中去,进一步加强其美术学习的意识,积极调动学生探究与体验美术的积极性,从而最后让学生自主地爱上美术学习。

五、美术对相关教学的水平提高

相关的高中美术教师可以十分恰当地将美术术语与美术语言让学生进行美术鉴赏,而美术术语与其相应的语言主要包括相关作品的形状、材质、色彩以及空间等多种,相关教师可以采用自己的想法对美术术语与语言进行解释和描述以及分析。美术语言的相关传授是整个美术知识的重要工具,而教师是否可以采用十分生动、形象和准确的语言将美术知识直接传达给相关学生则是衡量教师语言水平的主要标准。当美术教师给予教学时,必须要依据相应的情境进行不同语言的表达,可以直抒胸臆,也可以委婉蕴蓄;此外,教师情绪必须表达得恰当,尽量做到真情流露,避免矫情造作。例如:在与中国的花和人物相关的教学中,由于相关内容有很大的不同,因此相关教师相应的语言表达与情感流露也存在着很大的不同。在人物画像中,其主要表达的是相关人物的神情,而在相关的花鸟画中主要表达的则是花草的相关绘画技巧。比如:在朱耷的鹌鹑图中,相关画家主要以鹌鹑进行自喻,特意将鹌鹑的眼睛夸张化,使其眼珠又黑又亮,直接顶在眼眶的上角,利用白眼看人充分表现出其冷峻孤傲与昂首向天的气质。因此,相关美术教师要利用美术知识恰到好处地将感情与语言充分地流露与表达出来。一旦相关教师将语言的形象生动性以及丰富的情感直接表露出来,那么相关美术教学的丰富生动性以及相应的活力才能够充分地表现出来。在高中的美术教学中,其语言必须充满诗意与激荡的情感,同时也要相应地蕴含一定的哲理,从而让相应的美术知识更加哲理化,更加情感化。

六、结语

第5篇

1.培养学生的实践能力

中职美术课程是一门实践性很强的学科,要培养学生的创新能力不仅仅应该停留在理论知识讲解层面,而应该放眼于课外活动实践,在丰富多彩的实践活动中培养学生的观察能力和习惯,激发学生的想象思维。细致的观察、丰富的想象是创新思维的基础,而教师的任务就是提供和创设丰富多样的实践活动,吸引学生注意力,激发他们的学习兴趣,使得他们能够自主地进行想象、思维,通过创造美术作品的形式将他们在生活中的所看、所想表现出来。这要求教师在教学中应该注重将理论和实践教学放在同等重要的地位,在对学生进行美术基本理论知识讲解的同时,让学生懂得美术的基本表现手法和技能,提高他们对美术艺术作品的鉴赏力。另外,在教学条件允许的情况下,可以开展丰富的教学实践活动,例如:让学生出去写生、开展美术作品展等方式。教师在实践中还要注重对美术作品的技巧和风格进行分析,一方面提高他们的美术鉴赏力,另一方面还可以丰富创新思维,提高其实践动手能力。

2.提高教师的创新能力

教师是中职美术教学的具体实施者,在培养学生创新思维和创新能力中起着非常重要的作用。教师自身的创新能力和创新意识很大程度上影响着教学中学生的创新思维的形成。因此,教师一方面应该努力提高自身的专业基础知识,在原有的专业基础之上,可以通过中职美术论坛、校园网等平台挖掘美术资源,进行自修,不断提升自己的创新能力和创新意识;另一方面应该及时更新教学理念,在实践中探索和钻研教学方法,突破墨守成规的教学方式,在教学实践中大胆尝试新的教学方法,尤其要注意在教授美术专业知识时应该体现人文性和科学性,努力激发学生美术创作兴趣,拓展学生创新思维,从而培养学生的创新意识和艺术创新精神。

3.完善教育评价体系

科学合理的评价体系能够调动学生的学习积极性,激发学生的创新潜能。首先,教师应该分层次的对学生进行个别评价。根据每个学生的先天素质、个性特点和智力水平有针对性地做出评价,保证每一个学生能在美术学习中充分体会到成功的喜悦,树立他们的学习自信心,让他们更加自动自觉地参与到美术学习过程中来。特别注意,不应该用统一的标准对学生进行衡量,从而过于限制学生的思维及其创新潜能的发挥,导致学生在美术创作中失去自由,最终对美术创作失去兴趣。其次,在教学评价中应该鼓励学生探索和创新,教育学生尽量避免重复,注重对学生个性的保护和培养。

二、小结

第6篇

(一)缩短时间,提高教学效率

技术就是时间,时间就是效率。新媒体时代的到来对于美术教学最大的冲击,在于打破了传统的教学机制,将新的技术从深广度上融入美术教学的每一个角落。比如,教师借助多媒体制作课件、讲授内容,不仅可以从量和质上提高所授的知识,还能打破传统的黑板式书写方式,更为轻松的把握教学内容。如一幅画的步骤展示如果借助多媒体,可以使画这幅画的完整步骤准确精细地展现在学生面前。甚者,当学生注意力不集中时,还可以适当插入些音乐或有趣的画面活跃课堂氛围。这些对于课堂效率的提高都是有着良好作用的。

(二)转换角色,变学生为教学主体

此外,新媒体对于美术教学的又一突破,在于使课堂教学方式更为灵活。以往的美术教学和其他的学科一样,都是老师讲授学生认真听讲;进入新媒体时代后,师生角色发生了很大变化———课堂不再是机械的教与授的关系,更多的是一种讨论式的、学生作为主体的教学模式。学生成为主体之后,教师的主要任务就从传统的“一人讲”转换为“一人导、大家论”,同时,美术教学进入新媒体时代后,学生也可以借助网络等辅助工具自主学习、深入研究,于课堂中的主动位置就逐渐凸现出来,其开拓意义显然是深远的。

二、新媒体时代美术教学的创新策略

(一)以先进教育理念为先导

辩证唯物主义哲学告诉我们,先进的理念对于事物的发展具有促进作用。新媒体时代,要让美术教学真正走上创新之路,首先必须以先进的教育理念作为先导。就美术学科而言,新课标指出了一系列具有建设意义的指导,比如建立了分阶段的教学目标,突出了美术课程的视觉性、实践性、人文性和愉悦性,注重激发学生的学习兴趣,关注社会生活,培养创新精神等等。这些先进的美术教学方面的指导理论,对于明确美术教学的性质,准确认识美术学科的特点、学科目标,指明本学科在未来几年乃至几十年的基本走向具有鲜明的预见和导向意义。当然,这些先进指导理论的成功践行,需要我们一代代教师具备先进的眼光与卓越的胆识,跟上时代的步伐,站高望远。倘或一味抛开上述基本思想,关起门来搞一套,很有可能导致美术学科走弯路,对于学科的长远发展是不利的。

(二)重视培养学生创新思维

美术教学的创新之路还依赖于学生创新思维的培养。百年大计的根本在于教育,教育的落脚点是培养适应社会需要的人才,而人才最主要的特质就是具备创新精神。创新精神是一个民族发展的不竭动力,关系到一个民族是否能够长久屹立于民族之林。就美术教学而言,教会学生提高审美鉴赏能力的同时,更要关注学生创新思维的培养。比如欣赏元代著名画家王蒙的《秋山草堂图》,萧瑟淡远的意境由画而生,这是每一个具有一定审美累积的学生都能感受到的,但教师的导向不应该仅止于此。仔细观察整幅画面,画的篇幅不大却很好的体现出山峰俊俏挺拔的姿态,其奥妙在于很巧妙地通过山脚下堂宇小巧玲珑的体态,反衬出整个山峰之延绵不绝。而更令人拍案叫绝的是山上树木稀疏地点缀以及一棵顶高的松树与山峰遥遥相对,几个看似互不相干的景物叠加在一起就形成了宁静致远的千古名画。教师如果引导学生如此品味一幅画,让学生在欣赏时能够“入乎其内、出乎其外”,无形中就会在学生心灵深处埋下创新的种子。

(三)培养平等多元的师生关系

最后,要真正实现创新,美术教学的实践过程中还必须建立平等多元的师生关系。换句话说,过往的老一套教学方法应该逐渐改进,教师角色的绝对认同应该得到历史性的颠覆———教师更多的是引导者而不是知识的掌控者,唯师独尊的传统局面在不自觉中已经发生重大变化;而学生应该在平等的师生关系中学会与教师探讨问题,而不是一味的“接受知识”。只有这样,学生才能真正成为学习的参与者、谋划者和主体,才能从实处把创造性思维融入每一个学习者的内心,教师有责任让他们知道:知识是活的,是富有创造性的,与知识同行去探求未知的领域才是学习的使命。当然,教师和学生的平等不可能是绝对的平等,而是指二者人格以及对于知识的追求两者是没有高低之分的。这就要求教师在处理和学生的关系时要把握好“度”,老师以学生为本,学生尊重老师,这才是理想的师生关系。

三、总结

第7篇

[关键词]艺术批评;媒介;媒介批评

随着当代传媒技术的迅猛发展,媒介技术已经全面渗透到艺术活动的全部过程中,无论在艺术作品的创作、艺术传播,还是在艺术欣赏过程中,技术因素与艺术元素始终交织在一起,二者之间已经形成一种“互化”的关系,即艺术被技术化,技术被艺术化。尤其在新媒体艺术蓬勃兴起以后,媒介不仅为艺术提供技术支撑,而且显示出支配性地位。可见,技术性已经逐渐演化为艺术的本质特征之一。艺术与媒介的高度融合对艺术作品的内容、形式和风格产生的影响,引起了艺术批评家们广泛关注。评论新的艺术形态,要采用与之相适应的批评模式,因为“只有当研究对象与具体理论模式相统一时,才会获得其他理论模式所不能取代的意义解释效果。”从而揭示出艺术现象中蕴含的普遍规律。批评家们深谙此道,他们自觉从媒介视角进行艺术批评实践,媒介批评应运而生,并在网络媒介时代迅速发展为一种被频频使用的艺术批评方法。媒介批评,以其对新的艺术形式解释评价的可操作性和有效性,取得了传统艺术批评方法不能取代的地位。wWw.133229.cOm

媒介(单数medium,复数media,也被译为媒质、媒体),最初用于传播学,后来逐渐广泛用于其他学科。在美学和艺术学中,“媒介”主要在技术层面被使用,组成审美媒介、媒介文化、媒介批评、新媒介/媒体艺术等专业术语。通常,“媒介包含两方面的要素:一是包容媒质所携带信息或内容的容器,如书(甲骨、竹简、帛书、纸书)、相片、录音磁带、电影胶片、录像带、影音光盘等;二是用以传播信息的技术设备、组织形式或社会机制,包括通讯类(电报、电话、传真、电子邮件、可视电话、移动电话等)、广播类(布告、报纸、杂志、无线电、电视等)和网络类(如国际互联网、vod随选视讯)三大类。”其中,与艺术有关的主要是第一方面和第二方面的广播类和网络类等媒介要素,我们在这里姑且称之为审美媒介。当媒介与艺术发生关联后,这时的媒介便是审美媒介了。

本文中所谓的媒介批评,即从艺术符码的存储和传达的技术和传播视角,对艺术作品进行的分析和评价。媒介批评的对象除艺术作品外,还包括大众文化,因为大众文化涵盖的“通俗诗、报刊连载小说、畅销书、流行音乐、电视剧、电影和广告等”都属于艺术范畴。

但是,作为艺术批评方法的媒介批评与传播学中的“媒介批评”不同,传播学的媒介批评是指对新闻传播媒介活动的批评,与社会学家们指责利用控制媒体形成的话语霸权去操纵民意,以此限制公共民主性政治活动的批判也存在差别(如布迪厄的媒体批评)。作为一种艺术批评新方法,如同精神分析批评把精神分析学和心理学理论运用于文艺研究一样,媒介批评从技术的层面,将传播理论运用于艺术批评,从其他学科吸收理论资源,带有明显的跨学科性质。

在漫长的媒介与艺术结合的演变过程中,从原始社会的工艺媒介、口头语言,到奴隶社会的书面文字、再到近现代的报刊杂志、影视广播,直至今天的互联网,每一种新媒介的发明,都标志着人类文明的一次革命性剧变。在媒介发展史上,每个时期都有占主导地位的媒介形态和运用该种媒介创作的艺术形式。如工艺媒介时代,彩陶、青铜器、衣饰和器物等在原始社会各个部落间都起到了文化思想的传播与交流的作用。工艺媒介时代的“艺术品”是为实用制作的,与今天为艺术而艺术的艺术家创作和为满足大众精神需求批量生产的艺术产品不同。那时,“艺术品”的制作目的主要是为了生存,只是附带起到了交流思想和传播信息的作用。

口语媒介时代,歌谣、神话和史诗是这个时代的主要艺术形态。最初的言语艺术作品,就是依靠口耳相接流传下来的。口语的诞生,是人类自然进化的结果,不需要科技的力量,口语媒介的存储性和传播性都很低,很多口头文学作品因此而失传。

文字媒介时代,带来了语言艺术如诗歌、散文以及传奇的兴盛。文字媒介的传播性较之前两种媒介形态有所增强。用刀笔刻录在石头、兽骨、纸张、绢帛上的文字利于长期留存,文学作品在时间流逝中依靠人力或驿马的携带传播开来,因此,这个时期的文字在更大程度上起到的是媒质的作用。

手工印刷媒介时代的主要艺术形式是白话小说。文字和图画的一次制版,可以被反复印刷多次。手工印刷与刀笔刻写相比,大大加快了文学的传播速度,也促使该时期的文学作品的代表性体裁发生了相应的变化,在篇幅和数字上有显著增加。手工印刷媒介的发明,开创了媒介技术的新纪元。它向我们预示:下一次媒介技术革命不会遥远。

大众媒介的时代到来显示出媒介的强大威力。在大众传媒时代,电影以先天的传播优势和巨大的媒介商业利润,宣告了文学传播霸主地位的终结。手工印刷时代结束,机械印刷,如报纸、杂志、书籍等机械印刷媒介形态和电影、广播、电视等电子媒介成为主流传媒。从这个时代开始,人类认识到媒介对人类进步的巨大意义。

网络媒介时代,代表艺术是数字艺术或新媒体艺术。由电脑、因特网、网站三部分构成的网络媒介是基于数字化技术的媒介,它们将人类艺术的传播推进到网络传播时代。在这个时代,网络与传统媒介进一步融合,从而改变了传统的艺术传播方式。例如:新型恶搞作品要借助电脑先进技术——融导演、编剧、音响配置、图像处理于一身的多种制作手段。在网络时代,与技术息息相关的艺术种类越来越繁复,如音乐、舞蹈、文学、电影、电视、新媒体艺术都需要用媒介制作、负载和传播。网络媒介时代的技术,不仅生产使用价值,也生产着精神价值,是美的技术。

总之,技术与艺术由初期的结合到对立再返归统一,技术与艺术的发展经历了合——分——合的历史演变过程。远古时代的艺术是精湛的手工技艺,是通过经验获得的熟练操作技巧。手艺人或者说工匠就是所谓的艺术家。从文字媒介时代到手工印刷媒介时代,艺术与技术分流,在工业革命时期,它们仿佛势不两立。从大众媒介时代开始,技术与艺术又交融在一起难分难解。尤其进入“网络时代”以后,掌握媒介技术的使用方法,成为艺术创作的前提。在这两个时代,艺术是技术与艺术的结合,是科学性和人文性的结合,技术理性中包含了感性因素。尤其是新媒体艺术,打破了艺术与技术的界限、生活与艺术的界限、创作者和欣赏者的界限。各种新兴的电子媒介技术,形成了复杂的媒介环境,媒 介技术对艺术的审美效果产生显著影响。

有何种媒介,就有何种艺术,一种艺术形态还会形成不同的艺术思潮和流派,这时,批评家们建立的批评理论不仅仅是一种,而是针对各种电影思潮和流派创立不同的批评话语。比如:针对电影这种艺术形式,形成了德国表现主义、俄国形式主义、法国印象主义等电影流派。绘画上的立体派、超现实主义、抽象主义等艺术流派。文学上如象征主义、表现主义、超现实主义、意识流文学、荒诞派戏剧等流派。新的艺术批评理论如象征主义、表现主义、直觉主义与意识流、存在主义和荒诞派等等。无论如何,艺术批评家至少要建构一种针对某一类艺术形式有解说力的艺术批评方法。

当代西方艺术批评发生了两次历史性转移,第一次是从重点研究艺术家转移到重点研究作品;第二次是从重点研究作品转向重点研究欣赏者的接受。后一次转移,不能不说与大众传媒的发达,艺术作品走进千家万户有关。解释和接受美学家们认为,艺术作品的意蕴不是作者设定的,也不是唯一的。艺术作品只有通过观者的解读,才能成为艺术品。但是,理论家们忽略了达成从艺术家到作品再到读者接受的两个转向之间的中介,即艺术家是利用媒介(从大众传媒时代起是利用媒介及其技术)创作艺术作品,再利用媒介把他们的作品传播给读者。如作家的构思和生命体验用文字媒介的形式物化为艺术作品,存储在书中,然后利用印刷媒介把艺术品传达给读者。这个完整的过程用图示意,即:艺术家媒介及其技术艺术作品媒介及其技术读者接受。媒介是艺术创作的原材料,是存储艺术信息的容器;也是传播作品的通道。毋庸置疑,在媒介时代,艺术批评的第三个转移则为“重点从研究读者和接受转移到重点研究作者——读者、传播者和数码化技术。”这是一次媒介技术带来的艺术批评的转移,这条与新闻传播学平行发展的艺术批评的媒介研究路径,被传播学研究者称为“界外批评。”而后者,叫作“界内批评”。其实,媒介批评是从西方艺术理论的语言论转向之后的文化研究中分离出来的一种新的批评范式。

媒介批评从发端至今已将近一个世纪,随着科技的进步,艺术作品中媒介成分含量增加,媒介已贯穿艺术活动的全过程中,如时下热映的电影《阿凡达》运用3d合成摄像机(3d fusion camera)、虚拟呈像摄像机(virtual camera)和传统摄像机(traditional camera)同时拍摄,通过网络传输影像数据,在远离拍摄现场的城市里由计算机完成影片的后期制作。《阿凡达》是利用计算机媒介技术制作的一个范例。如果没有今天高端的媒介技术,我们就看不到这部充满立体感的超现实场景和人物的精彩绝伦影片。对于这部影片,如果艺术批评家不从媒介技术的视角评论它,他们又能对这部影片言说什么呢?在媒介主宰艺术的时代,以往的艺术批评方法对当代丰富复杂的研究对象已丧失了描述、解释和评价的能力。作为一个批评者,如果要真正地理解和介入作品,就必须从媒介楔人作品。如果批评家在媒介时代仍固守着传统的艺术批评方法,用旧方法去解决新问题,他们过时的钥匙打不开新造的锁。批评的原则要遵守,批评的技巧要训练,批评的范式要随着科技的发展而更新。

从媒介的视角评论艺术作品,必须打破以往仅仅从作品的形式和内容或者作者的经历以及读者的接受方面对作品所作的优劣程度鉴别,给作品的制作技巧以应有的评价。艺术理论工作者不应对新出现的艺术形式保持沉默与束手无策,理论应跟上艺术创作的步伐,及时对艺术家的创作给予指导和评断,从而推动艺术创作的发展和完善。

艺术批评家还担负着提高欣赏者的理解能力和认识水平的职责,要达到这一目标,艺术批评就必须发生媒介转向,这是在当代科技背景下,艺术批评发展的必然。批评家不仅要结合作者的学识修养和艺术经历把作品纳入具体的历史语境中,还要依托作品产生时代的媒介语境鉴赏作品,“恰如克拉克在《观画》一书的献词中所言,正是弗莱教导了整整一代人如何观赏绘画作品。”难道我们当代的批评家不该象弗莱那样教导读者们如何欣赏新媒体艺术吗?

从20世纪初期至今这个科学技术发展最快的百年间,涌现出了许多从媒介角度评论艺术作品的批评家。他们的批评实践是不约而同的,在批评家们生活的时代,还没有“媒介批评”这种艺术批评维度,但无人能否定他们的批评不是媒介批评。在西方艺术批评史上影响较大的媒介批评理论主要有:洛文塔尔(leolowenthal,1900-1993)的文艺传播批判理论、本雅明(walter benjamin,1892-1940)的机械复制时代的艺术论和麦克卢汉(herbert marshall mcluhan,1911-1980)的媒介美学等。

洛文塔尔是最早从媒介传播的视角研究艺术的艺术传播理论家,他“从传播角度出发进行文艺研究,同时又从文艺角度出发进行传播研究。”他把文艺与传播结合起来,作为主要研究对象,试图从媒介人手,考察大众传播时代的艺术特征,寻找大众传媒时代的艺术与媒介的关联,从而揭示艺术转型的奥秘。洛尔塔尔敏锐地发现:只有“从传播的角度,把对文艺本质的探讨放在传播这一基点上,把文艺传播作为文艺自身的存在方式、作为本体存在的范畴来研究,才能深刻认识文艺的本质。”艺术作品在传播中被欣赏和消费,在鉴赏主体的一次次解读中作品的内涵被领悟,“传播”已成为艺术的一种存在方式。

一种理论体系的建立,创造的不仅是它的内容,而且包括它的形式。一种理论要具有创新性,除了内容上的新意外,还必须用新的概念和范畴表达这些内容。洛文塔尔为了增加其艺术传播理论的有效性和说服力,他提出了两个具有原创性的范畴:“‘传播力场,和‘理解力场”,并赋予其独特的内涵。洛文塔尔的艺术传播理论,不仅仅是内容上的创新,而且具有方法论意义上的可操作性。他在20世纪20年代前即着手从媒介传播的角度研究艺术,科技和艺术的发展证明了他的艺术传播理论的前瞻性和开拓性。

本雅明在其《机械复制时代的艺术作品》中论述了印刷术和照相术的复制功能取消了艺术作品的原本,艺术作品唯一性消失。复制技术也取消了传统绘画和雕塑艺术的神圣性和唯一原本的珍贵性,笼罩在传统艺术作品上的“光晕(aura)”熄灭了。但是,作为新者,本雅明的美学和艺术理论一方面直接指向对资本主义发达工业社会的批判,历数印刷技术和摄影技术的诸种“罪状”,惋惜传统艺术“光晕”的消失;另一方面,他接受了马克思的艺术生产理论,把艺术创作看作和物质生产具有相同规律的特殊的精神生产,认识到复制技术对艺术生产力的推动作用。他推崇建立在现代技术之上的“第七艺术”——电影艺术,给予摄影和电影等现代艺术带来的“惊颤”效果以高度评价。这两种观点统一于本雅明的艺术理论中,从表面看来似乎是矛盾的,其实,这正体现了本雅明以辩证和发展的眼光看待媒介技 术的进步对不同艺术形式产生的影响。

实际上,复制技术并不能宣告所谓“原本”的不复存在。电影、电视、照片的复本与原本是完全相同的,可以说,每一个复件都是原本。复制不仅没有导致原本的丧失,相反,倒是有利于艺术的普及。本雅明或许认为艺术欣赏只是少数社会精英们的专利。艺术需要进入民间,满足广大民众的精神享受。复制技术、传播媒介担负着开辟艺术通向世俗化之路的重任。

在工业革命稍后的一个时期内,技术化的艺术意味着美学上的失败,因为那个时代的媒介技术不像当代这样发达和强大并取得了在审美活动中无可替代的作用。如果说艺术具有一种特殊的调解功能,那么,在现代主义艺术发展阶段,艺术尚不能调和人与自然、人与社会和人与科技之间的对立。现代主义科技发展只能满足人们的物质需要,科学尚未发展到在满足人们的物质需求的同时也满足人们的精神需求阶段。

第8篇

一.美术教师进入新课程应该具备的基本素质

我认为新课程改革再怎么改,再怎么“新”,也不能脱离了教师这一最基本的要素。如果教师没有具备一个教师的素质,怎么能进入课程,又怎么能去实施新课程呢?就不可能发挥新课程所带来的优势,这不是可笑致之。特别对于一个美术教师来说尤为重要,因此作为课程改革中的美术教师基本素质面临新课程的挑战。

1. 树立以学生发展为中心的教育观念。基础教育课程改革首先强调转变教育观念,传统的教学比较习惯于教师中心、书本中心、课堂中心组织教学,在一定程度上脱离学生的生活经验,忽视了学生的发展需求,如我小时候美术最常用的一种方法就是让你一味的去临摹。但在如今的新课程下能行吗?这不是误人子第吗?所以美术新课程要求教师立足于学生的生活经验组织教学活动,注重学习过程与学习方法,调动学生积极的情感体验,使他们内在的发展需求和美术教学相吻合,实现学生身心全面健康的发展。

2. 构建超越学科的生态型知识结构。美术教师大都具有美术专业知识和积累了一定的教学经验,对强调学科知识的常规教学胜任自如。美术新课程却更强调学生的综合能力培养,强调美术课程与社会生活的联系,强调培养人文精神和审美能力,等等这些要求促使我们美术教师要紧随社会发展,学习与美术课程相关的其他新技术、新知识,学习促进学生思维和人格发展的教育教学方法,形成开放状的生态型知识结构,真正实现教师与新课程共同成长。

3. 掌握教师和学生共同发展的互动教学方式。在美术新课程中由于贯彻新的教育理念,格外关注学生的身心发展,因此带来美术课堂丰富多彩的互动教学。为了让学生学得更主动、更积极,美术教师要根据实际不断创设新的教学情境,营造适合学生成长的课堂氛围,满足学生发展的需求。同时,互动教学活动将不断促使教师更新自己的教学方法。在美术新课程中,教师将是一个开拓者和创造者,多样化和选择性的课程要求使美术教师只有在教学中不断地完善自己,在课程改革的实践和探索中不断提高思想素质和业务能力,才能为自己走进新课程提供最基本的、最有利的保障。与新课程同行的美术教师将拥有和展现教学的青春活力。

   二.美术新课程下教师角色的转换

大家一直都在谈:教师不再是一个主导者,是一个引导者;树立以学生发展为本的新观念,既要做“严师”又要做“人师”。可往往在课堂中难以人为,于是苦思冥想,最后不了了之。那究竟怎么转换呢?

1. 班级授课制从西方传入中国已一百多年历史,教师在课堂教学中,一直都扮演“知识传授者”的角色。表现在美术课堂教学中教师重视对知识的传授,主观上重视教学的结果,在教学方法上重视讲授法、谈话法,师生交流的方式是单向的,缺乏师生互动的交流过程。按新课程标准的要求,教师将和学生一道打破课堂的宁静,经常走下讲台、走出教室,利用学生生活中的美术教学资源,与学生共同观察、讨论、感受和体验。在课堂中教师和学生之间、学生和学生之间的信息及时交流,建立起平等和谐的、互动共生的师生关系。我在讲授《我喜欢的交通工具》一课时,设计制作了一个样图游戏环节,让学生根据自己的需要选择合适的几何图形拼出交通工具,要求与众不同。最后,学生都拼出了不同的交通工具,从而对本节课所学的内容十分感兴趣。又讲到《帮小鸟找家》一课,我先让学生想象:假如我们生活的世界没有树会是什么样子?学生们经过回忆、联想后回答:没有树,小鸟就没有家了,我们呼吸的空气就不新鲜了,良田就会变成沙漠……然后,组织学生表演短剧——“帮小鸟找家”,孩子们的想象力与表演能力得到了充分的发挥。这样可以培养学生主动思维,同时也可以培养学生有独立解决问题的能力,并培养了他们的良好品德,学会关心别人,关心生存的环境,加强孩子们的责任感。

2. 在美术教学活动中,让教师成为学生学习的促进者。素质教育提出要面向全体学生,让学生全面发展。这并不是要让每个学生或学生在每个方面平均发展,而是要研究学生的差异,以便找到因材施教的依据,找到适合不同学生的教学方法。美术新课程标准中有一个基本思想: “义务教育阶段的美术教育应努力体现义务教育的基本特征,保证每个学生接受美术教育的权利。义务教育阶段的美术教育要让全体学生参与美术学习,使每个学生在自己原有的基础上有所发展。”(引自《全日制义务教育美术课程标准(实验稿)》)在我们的美术课程中,首先要让每一个学生都能参与到美术学习活动中来,然后教师要积极关注学生的发展需求,想方设法促进不同基础的学生都能有所进步。

美国人本主义教育家罗杰斯曾说:“教师必须是促进学生自主学习的促进者,而不是传统的只注重‘教’的教师。”美术教师首先应该做一个积极、善意的旁观者,在学生遇到困难的时候,你总站在他的身边,或轻轻点拨让学生茅塞顿开,或真诚鼓励使学生充满自信。

三.改变教学方法

一个方法得体会让人终身受用,一个方法的失败会让人遗憾一辈子。新课程的实施不得不改变一些已有的教学方法,不是说这些方法不好,只不过适应不了这个前进的社会。于是把原先的一些较好的教学方法保留下来,但必须补充新鲜的“血液”。

1、 注重多媒体在教学中的应用。

二十一世纪是知识的世纪,需要更多、更优秀的人才。以提高民族素质为目的的教育必须紧跟时代节奏。鉴于传统的课堂授课方式的局限性,教学手段需要更新,现代媒体教学融入课堂已成为必然。一方面,传统的美术教学模式中知识的传授,素质的培养主要以教师的讲解、学生练习、巩固为主。理性知识太多,感性材料太少,不能充分发挥学生认识的主体性。另一方面,时代在发展,需要有“发展的眼光”。运用立体的,动态的、连续的、全面的表示方法反映美术教学过程,多媒体教育已越发显得重要。它通过利用现代媒体的形、声、色并茂,表现手法丰富多样,富于变化的优越性,达到优化教学过程,提高教学质量的目的。多媒体教育中,运用课件教学不失为一个非常有效的教学手段。教师在课前运用计算机把课件做好,上课时只须将学生带到多媒体教室。电脑展示的画面色彩丰富,有动画效果,有故事情节,有优美的音乐。学生的学习积极性将被最大限度的调动起来,使美术课堂真正做到寓教于美,美中育人。于是我就自学了几个制作课件的软件,实现自己能亲自制作,如我制作的《卡通画》、《千变万化的线》、《想象中的船》等课件,在运用中使学生感受到什么是“美”,让我明白传统教学过程中教师的口头讲授方法,不能满足学生的所需。而现代多媒体教育技术具有形象直观性,声像同步性,画面的动态选择性和时空的可变性等优势,使学生对于学习美术的信息来自各方面,呈现出令人难以想象的效果。

2、 构建符合素质教育要求的课堂教学模式。

示范--模仿教学模式是美术教学中必不可少的。教师首先通过示范提供给学生该绘画过程的感情认识,同时要注意引导学生参与观察、思考和分析,领会其中的道理,亦可展示可行(或可试)的几种方法,让学生边思考、边选择、边模仿、边体验。如在讲授《水墨画的笔墨技法》时,对于课中涉及到的中锋、侧锋、逆锋、拖笔等内容,单单通过口头表述恐怕学生难以领会,只有通过教师的示范,让学生认真观察、思考、同时伴以适当练习,才能达到较好的教学效果。特别要注意的是必须避免简单的缺少学生参与的师讲生听和机械模仿,尽量弥补该模式可能造成的认识活动的不完整性。

尝试--指导教学模式。尝试有的教师认为这是数学课中最常用的,美术课不需要这种方法,其实这是培养学生创造力的一种最有效的方法。在教学中先让学生(个人或小组)自主尝试来学习绘画方法,教师的指导分析贯穿在学生尝试学习的实践活动之中。让学生边学习教材、边尝试绘画、边商讨、边探寻方法。在学生尝试绘画和教师针对性的指导(有时包含部分的示范)的基础上,再经过进一步的实践活动来完善并获得技能和得到体验。在《美丽的热带鱼》、《树叶贴画》的课中,让学生根据制作图自己动手操作,教师的指导贯穿在学生动手过程中,让学生自主尝试,可培养其独立能力。在此值得注意的是,教师要不断激发学生尝试绘画的兴趣,使其具有挑战性;并不断鼓励学生持续尝试的勇气和信心。

3、 正确对待学生的差异。适应每一个学生的特点,在适当的时间以适当的方式对其进行有针对性的帮助,体现因材施教的原则。在安排学习任务及各项教学环节中,要尽量考虑学生的差异,分别让不同的学生都有机会在各自特长的方面表现其领先的优势,让他们有机会“露一手”,并给予积极的评价,以使他们树立起自信心。如在教学漫画中让学生有 4个作业选择,分别是:(1)根据生活中的趣事画一张漫画;(2)为理想中的自己画一张漫画;(3)为喜爱的卡通动物或者人物设计一个完整的故事。(4)选择自己最喜欢的卡通画并且临摹一张。学生不用再为一道不愿做的作业烦心,他们可以自由选择难度大还是难度小的作业,心情肯定愉快而又轻松。

第9篇

1立体与平面的对立——立体的演播室与扁平的接收屏

随着新闻播报手段的现代化,新闻演播厅不再局限于“一桌一椅”,而是向着设备立体化、布局综合化的方向发展。如央视四套《海峡两岸》栏目在主播镜头位采用了液晶屏幕背景墙加圆形演播桌的布局形式,深圳卫视《军情直播间》栏目则设置了圆环形液晶背景墙,并将天棚、地板都设置为可控电子屏幕。这种虚拟演播间的设置对栏目的美术设计提出了新的要求。一方面,新闻演播室本身属于舞台的一种,而舞台美术必须涵盖现成审美的需求,特别对那些有现场观众参与节目的新闻演播室来说,这些舞台设计就要一方面满足现场观众的舞台审美需求,另一方面满足电视机前广大观众对审美的需求。所以,这需要立体的、多层次的舞台设计。然而,新闻演播厅现场很难在平面化的电视屏幕上展现其立体的效果,也就很难使电视观众得到现场观众所能体验到的身临其境的感受。

2立体与平面的统一——电视平面屏幕展现出的立体空间

虽然电视屏幕是平面的,但是通过精心的舞台美术设计仍然能够使电视观众最大限度地体验到现场观众才能体验到的新闻布景气氛。虽然舞台美术从结构布景的角度分为立面空间(与舞台平面相垂直或接近垂直的布景)处理和平面形象,但无论是直接服务于现场观众视觉的立面布景,还是传统意义中主要服务于电视屏幕的平面布景,都是电视新闻演播厅的一部分,都应该在布局、色调、光影等美术层面上达到协调统一,并最终体现出庄严大气、权威可信的新闻演播间的氛围,使舞台美术在立体与平面两个层次上都对观众产生视觉冲击力。

二、平面电视凸显立体演播间的设计策略

1整体设计及造型

要想使平面的电视屏凸显新闻演播室的立体,美术布景设计的核心就是现场空间的排列和划分,通过排列组合、区域划分使不大的新闻演播室形成多层次的立体感。因此,有的栏目在舞台正后方电子屏幕前树立纵向标题板,标题板下方以近大远小、近实远虚的圆点增加了有限空间的纵深感。标题板两侧也以过渡形式增强立体感。以半弧形将演播桌两侧向镜头过渡,不但能够进一步增加演播室的立体感觉,还能使电视观众有置入直播间的视野错觉。在整体造型上,液晶背景墙-纵向标题板-主持人及嘉宾-演播台-圆形低台共同形成了演播室内的多层次效应,虽然演播间从液晶背景墙到最前方的低台只有2米多,却给观众以多维度、高纵深的感觉,这需要从整体布局到具体细节的环环把握才能实现。

2色彩

不同的趋向性决定了栏目的色彩定位。央视新闻频道选用蓝色作为主色调,蓝色代表“冷静”与“知性”,央视新闻频道代表的是国家新闻频道,通过色调体现自身客观、冷静、知性的栏目形象是十分恰当的。色彩是一个栏目美术设计的灵魂,多数新闻栏目都以冷色调作为主色,如蓝、黑、灰等,并以低饱和度和低纯度的渐变色调强化受众的心理感受程度并增加视觉冲击力,通过色彩产生视觉纵深效果。色彩的选择不是固定的,同样为新闻栏目的淄博电视台《时事直通车》则采用了红色基调。这是因为该栏目以国际政治性话题为主,红色能够给人以脉搏加快、思想跳跃的感受,使观众在收看过程中情绪更为振奋和激昂。无论采取哪种主色调,新闻演播室的美术设计都不可能采用单色调,通常会通过渐变色、混合色的方式突出演播室的中心区域并形成纵深感。新闻演播间的纵深感和层次感还可以通过色彩对比和色彩调和等方式实现。色彩对比是通过不同色彩的明度、纯度差异实现的,主要包括同时对比和连续对比两种方式。

3光影

人对光线具有天生的敏感性,从舞台美术角度来看光线也是设计的一个重要元素,电视新闻演播间的光线设计能够使观众的注意力更集中于编导想要表现的位置。仍以淄博电视台《时事直通车》为例,通过光影的变化,液晶背景墙的上方最暗,逐步向主持人及嘉宾变亮。低台的台标为整个演播厅中心,通过高光加以突出。演播桌及嘉宾位置亮度次之,再次为主持人位置。这种灯光的差异安排使电视新闻演播间在色彩变化的基础上又产生了光影的变化,进一步增强了演播厅的层次感和纵深感,既突出了新闻演播室内的重点目标也增强了电视屏幕的立体效果。

4角度

电视新闻演播厅通常是六面墙构成的,其与戏剧、晚会的四面墙空间的美术设计有着较大的不同。很多电视新闻的拍摄也将天花板和地板作为拍摄目标,如进行仰拍、俯拍、全景推进及后拉等,这些情况下天花板和地板都会进入电视画面。这就需要电视美术工作者在进行布景前务必做到全方位、无死角的美术设计。如《新闻联播》每次结束时都会拉伸摄影机到高位,原本看不到的演播厅地面情况一览无余。其设计为鹅黄色淡色系反光地面,既显得整洁大气,又能通过地面反光感受到拍摄不到的顶棚灯光,是通过摄影机变化角度来体现不同的电视画面效果的最普遍范例。

三、从立体到平面的栏目设计流程

第一步:简洁而有层次地整体设计。电视新闻的发展要求不再只满足于正面近景的取景位,而是多角度、远景及近景交替地进行拍摄,这要求新闻演播间的美术设计也必须全方位地展现空间感。在电视新闻节目播出时,观众对直播间内各个位置的关注程度也是有区别的。处于演播室的中心位置最为突出,前区(低台、演播桌)比后区(液晶背景墙)突出,左翼(主持人所在地区)比右翼(嘉宾所在地区)突出。在进行设计时就要有意强化这些突出位置的美术设计,使之具有节奏感和层次感。

第二步:根据栏目定位确定主题色彩。电视新闻栏目的基调通常为“庄重”、“权威”、“正式”,因此在主题色彩的选择上通常也以能够表现这些内容的颜色为主。通过同一颜色渐变或多色彩的交替、重复来形成视觉上的节奏感,再灵活地运用面、线、点之间的穿插、结合、转换和分割,就会产生节奏感,再将具有节奏感的色彩在新闻演播间内进行连接就会为电视观众带来富有生命力的色彩律动。

第三步:设计图纸。通过演播室的现场勘察,将整体设计创意和颜色布景从演播室勘察结构的二维结构图设计为三维实景空间图,在设计过程中对演播室的宽度、长度、高度、灯光及摄像机位置都进行测度。要带着较为成熟的设计与栏目编导进行沟通,带着导演对设计风格、整体样式及设计内涵的认同和提升意见对现场进行再次检测,以保证设计的实用性和预期效果的可执行性。在制作效果图时要考虑到多项影响指标,包括灯光、色彩、角度等,制作的效果图包括平面图、多角度立体图、色标图表等,必要时还要拿出色标样本,特别是要重视通过多角度的拍摄效果图来检验立体到平面设计的可行性,并预测舞台美术设计效果。这一过程需要灯光师、编导的共同参与。

相关文章
相关期刊