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奥运精神是体现在奥运标志设计中的理念部分，而在外观设计上则是依据其理念进行图形、色彩、文字的组合变化，是理念的直观表现。因此，标志的艺术创意与奥运精神在形式上相辅相成，结合历史文化与时展，从内容上进行融合升华。2004年，希腊雅典奥运会标志使用了希腊国旗颜色的蓝色和白色作为标志主色，蓝色代表爱琴海，白色代表着希腊最具代表性的白色大理石建筑，而标志上的图案，则取自雅典市市树橄榄树，以白色勾勒的在古代奥运会颁发给冠军的圣物橄榄枝条，象征和平。雅典奥运会是“9•11”事件后的第一个奥运会，在全球部分地区接二连三受到恐怖袭击的背景下，该届奥运会的安保工作备受瞩目，从本届奥运会标志设计的要素来看，传达的信息像在告诉全世界：世界是一个共同体，和平是人类共同的呼声。而这种通过点、线、面、色的来自艺术创意的和平宣告，也正是奥运会“友谊、团结”本质思想在社会命运共同体面前的一种跨领域、民族性、国际化的精神升华。
2民族文化在奥运标志中的创意体现
民族文化是各民族在其历史发展过程中创造和发展起来的具有本民族特点的文化，包括物质文化和精神文化。饮食、衣着、住宅、生产工具，属于物质文化的内容；语言、文字、文学、科学、艺术、哲学、宗教、风俗、节日和传统等，属于精神文化的内容。民族文化反映了该民族历史的发展水平，也是本民族赖以生存发展的文化根基所在。2000年，澳大利亚悉尼奥运会标志是一个奔向新世纪的运动员形象，热情、奔放，线条厚重、随意，传递了澳大利亚人追崇自由和无拘无束的民族文化；造型上，上部是悉尼歌剧院的外轮廓曲线，它是澳大利亚最著名的标志性建筑之一，作为奥运会举办地的象征不言而喻，而用太阳、岩石塑造的头部、手，使用土著“回旋标”巧妙形塑运动员的下半身，作为澳大利亚民族文化的主要源流之一，澳洲土著文化在标志上得到显著的体现。整个标志色彩语言寓意深刻：蓝色的海港，黄色的太阳、沙滩以及红色的内陆土地，无不体现了澳大利亚独特的地理位置和浓厚的文化气息。美国历史上曾举办了四届奥运会，纵观这四届奥运会标志，即便其设计风格上是由写实到抽象的演变，但不难看出其设计元素始终贯穿着创新的基因以及自由的气息，这也印证了美国人的格言：不冒险就不会有大的成功，胆小鬼永远不会有所作为，不创新即死亡。1996年，亚特兰大奥运会是现代奥运百年诞辰，是奥运大团圆的盛事，标志整体是一个矩形，从1956年澳大利亚墨尔本奥运会以后，在设计布局上再次出现“海报式”的设计。本届奥运会标志的主体元素是一把火炬，由象征奥运百年的阿拉伯数字100以及奥运固定的标志“奥运五环”组成的火炬底部设计巧妙而稳固，熊熊燃烧的圣火由五颜六色的星星形成，象征着在奥运百年历史的卓越成就，标志中的绿色象征着亚特兰大市树月桂枝，而金色象征着奥运会最高的荣誉——金牌。在设计形式上，矩形的标志造型规整稳重，彰显着美国庄重的民族自豪感，标志大面积使用绿色，代表健康，象征着美国这个建国只有200多年历史的移民国家生机勃勃的状态。1992年，第25届奥运会在西班牙巴塞罗那举行，地处地中海沿岸的西班牙是一个阳光充沛、少雨多晴的国家。在地中海文化中，太阳、生命、大海是三个永恒的主题，标志使用的红、黄、蓝三个色块完美地诠释了该文化内涵。红色象征生命、黄色代表太阳、蓝色则比喻浩瀚的大海，三个色块结合而成犹如张开双臂奔跑的人形，充满活力，仿佛在欢迎全世界的运动员和观众，同时欢快的造型也符合西班牙人热情奔放、无拘无束的性格特征。
3传统元素对奥运标志设计的影响
传统元素，是指某个国家或地区独有的文化元素，如中国的春节、汉字、中国结、祥云等；美国的独立日、自由女神像、火鸡等。传统元素在各国各地区人们的生活中沉淀，成为其独有的或者显著的节日或事物，成为一个国家或地区代表性的文化元素。在历届奥运会标志设计中，传统元素的嵌入使标志的文化性更加凸显。2600年前，古罗马帝国以征服者的姿态，把古代奥运从希腊奥林匹克强行迁移到古罗马。1960年，象征着和平和友谊的第17届夏季奥林匹克运动会在罗马胜利举办。该届奥运会标志的主体是一个母狼哺乳两只婴儿的形象，图形取自罗马城城徽。传说母狼哺乳的两个婴儿之一就是罗马城第一任国王罗幕洛斯，而镶在标志中部黑色框的“MCMLX”字母则是拉丁文“1960”的意思，使用“母狼乳婴”图案是该标志最引人注目之处，不仅让世界走进罗马，更能以“母狼乳婴”传统图案为介质宣传古罗马的历史。1980年，莫斯科奥运会标志的主体部分，使用了象征莫斯科当地的建筑风格的几何图案。莫斯科当地的建筑荟萃各种建筑流派的风格，既浓缩了巴洛克风格，又有古典主义建筑的圆柱形和匠心独具的装饰。在标志的主体色上，继1976年加拿大蒙特利尔奥运会标志使用“枫叶红”的红彩后，本届奥运会标志使用了莫斯科“红场”的红色，俄罗斯的建筑用色非常广泛，红色、绿色、黄色，或与白色搭配。红场是俄罗斯最古老的广场，是俄罗斯重大历史事件的见证场所，在世界范围内是一个著名建筑，标志使用红色直接响应举办地的地标建筑。2016年，巴西里约热内卢奥运会…“面包山”形象的标志让人记忆深刻。巴西是一个热情洋溢的国度，从巴西的沙滩排球到足球、桑巴舞，巴西人毫不掩饰自己的热情，标志中三人手脚相连的形态传达了巴西人对参赛运动员及观众的热情欢迎，人是奥运会的主体，动态的人更是展示运动的力量感，贴切了运动会的属性。在标志的配色上使用了巴西国旗的绿、黄、蓝三色，象征着巴西茂密的丛林和丰富的矿产资源，使用国旗传统的绿色和黄色元素，符合里约绿色奥运理念和激情巴西奥运的主题。
总之，在体现奥运精神和诉求的前提下，在艺术创意上，民族文化和传统元素在奥运标志上的适量使用，是奥运标志设计的主要手法。奥运标志设计既是一个整体，也是个体，每一届奥运标志的设计其实都是各国各地区展示民族精神、传统文化的有力介质。
参考文献：
［1］汤瑾瑜.图形创意在企业标志设计中的应用［J］.湖北经济学院学报（人文社会科学版），2016（02）：60-61.
［2］熊薇薇.奥运标志设计：创意与表达的艺术辩证法［J］.体育文化导刊，2012（10）：148-151.
新的科学技术将人类不断带入新的时代，然而艺术则不断使这个时代变得更加丰富。科学与艺术作为人类生活的物质与文化的两个重要组成部分，它们之间的关系问题固然也成为当今研究者研讨的热点了。设计艺术是两大要素的对立统一，即功能合理性所依托的科学技术和审美所依托的艺术。无论哪一种设计风格或设计产品，它的最终服务对象和使用者都是人，人的需求一端连着科学技术解决实用性的问题而另一端则连着艺术创造解决审美问题，综合起来就是设计艺术。科学技术与艺术可以说是一对双胞胎，并以实践为纽带相互影响，并肩发展。科学技术是设计的基础，而设计是科学技术实现为人类服务目标的手段。科学技术的发展水平会直接影响设计水平。科学技术的进步造就了设计的大环境，科学技术的进步与社会背景、环境状况的种种改变，都会影响着设计师的选用材料、设计风格、设计方法。随着方法、材料、工具的改变与变化，科学技术对设计活动产生着直接影响。
二、科学技术与设计艺术的交织展
2.1科学技术与设计艺术的交织
技术与艺术自古以来就是分不开的，无论是原始社会还是近现代社会，科学技术与设计都是联系紧密，既相互对立又相互转化的。设计是“艺术化的造物行为”，它与科学技术一样，都需要创新，这样制作出的物品才能够满足使用者的心理与使用需求。如西汉长信宫灯：宫灯灯体为鎏金，双手执灯静坐的宫女，神态恬静优雅。灯体通高48厘米，重15.85公斤。长信宫灯设计十分巧妙，由头部、右臂、身躯、灯罩、灯盘、灯座6个部分分别铸造组成，头部和右臂可以组装拆卸，便于对灯具进行清洗。宫灯部分的灯盘分上下两部分，刻有阴阳家的铭文，可以转动以调整灯光的方向，镶嵌于灯盘沟槽上的弧形瓦状铜板可以调整出光口开口的大小来控制灯的亮度。右手与下垂的衣袖罩于铜灯顶部。宫女铜像体内中空，其中空的右臂沉积于宫女体内，不会大量散逸到周围环境中，既防止了空气污染，又有审美价值。可以说长信宫灯非常符合现代人体工学和以人为本的概念，在环保功能与光学照明方面的设计运用。20世纪以来，科技文明的进步，使得科学与技术、艺术之间的关系密切程度提高了。21世纪后现代艺术设计要求设计师要更科学、更理性的去创造与认识一切，这样现代先进的科学技术才能成为设计师设计创造的更有力的支持与保障。所以说现代艺术设计与科学技术是密不可分的兄弟关系。比如现代一个不懂计算机技术的设计师很难展开他的设计活动，或者说不用计算机的辅助，会在速度以及效果图上落后于其他熟练操作各种辅助软件的设计师。又比如即使是在传统绘画方面，也面临着在新材料、新工艺的出现上，科学技术快速发展带来的各种问题，作为一个现代的艺术工作者，既要有返璞归真的思想也要有勇于创新的勇气，不能单一的去追求某个方面，否则就会走进思维的死胡同。
2.2科学技术推动艺术设计的发展
科学技术服务于人类的生活与生存需求，与设计的目的几乎相同，同样都是为人而设计。设计艺术需要借助科学技术创造更新、奇、异的效果。科学技术同样也离不开艺术，因为他需要艺术的外壳来包装自己、推广自己、以最快的方式得到大众的认可。所有的艺术都离不开日益更新的科学技术，有了新技术的血液注入，传统的艺术形式才能够得到继承的同时被完善和发展，从而变得更加绚丽多彩。随着经济与科技的发展，人类的生活变得更加丰富多彩了，但是由于活动的种类与规模的不断拓宽，造成了严重的环境污染和大面积自然的过度开发。所以人类开始重新思考正确的发展模式，通过创新新能源或改进原有能源技术从根本上进行治理，提高现有能源的利用效率、开发清洁能源等。在七十年代，格鲁斯在德国首先提高了再生循环处理设计思想，这种设计思想就是生态设计，也称为绿色设计或生命周期设计，这是一种新的设计观念，是将环境因素纳入设计中，进而帮助设计决策方向。如今，人们开始进入“数字化”的时代。从前的二维设计状态不断地受到三维四维设计的冲击，设计师在不断探求新的领域，而受众也在不断尝试接受新的设计状态。由于技术的支持，艺术家的思维也延续到其他领域中去寻找突破的灵感。所以说“数字化”时代的科学技术为艺术设计创造活动提供了更广阔的的造型基础，现代艺术设计也逐渐由传统设计方向向“数字化”方向转变。
之所以大力提倡发展，就是因为我们已经比国外的起步时间落后，发展的底子还很薄，而这其中关键性的问题就是文化创意产业人才的缺乏。文化创意产业被英国人认为是“穷人的行业”，之所以这样说，是因为从某种层面上理解，创意产业前期几乎不需要资金，基本上是靠人的脑力资源。后期的推广与做大完全要依靠前期的创意产品，这都依赖人的创造力。这就要靠社会这方面的人才储备，解决这一棘手问题的方法和症结自然就要向我国的教育部门伸手要人，而由于产业方向和专业要求，教育方面自然要以设计艺术学科发展为先导。我国文化创意产业的发展面临着人才匮乏的窘境，高端设计艺术创意人才奇缺，设计团队也供不应求。上海作为中国文化创意产业的中心，文化创意人才占工作人口总数还不到千分之一。这种情况与我国每年庞大的高等学府毕业生数量相比是极不协调的。然而，文化创意产业又涉及众多的相关学科知识，通过对文化创意产业人才培养的相关的高等设计艺术教育现状分析、观察和思考得出:我国设计艺术教育与文化创意产业处于严重失衡状态。对比设计艺术教育与文化市场诉求的比例增大，专业化的设计艺术队伍与合格的设计艺术人才则是相当缺乏，文化创意人才总量、结构、素质还远远不能适应文化创意产业发展的诉求。
新时期设计艺术教育体系特征分析
世界各个知名高等设计艺术学府在结合文化创意产业飞速发展的同时，都对自身的教学课程和教学计划进行了尝试性的调整与改进。经过多年的发展与进步，作者认为设计艺术教育正逐步向理工科类的“产、学、研”一体化的方向发展。当今世界以知识为基础的竞争，实际上就是人才的竞争。但是尽管如此，设计艺术教育与文化创意产业发展之间的关系，在理论层面上还没有形成完善的具有说服力的论证性体系。西方较为开放的且又宽泛性的设计艺术教育体系与东方针对性较强且又教条化的设计艺术教育体系之间存在着明显的差异，这种差异与文化创意产业发展之间还存在着相当大的值得研究的领域和探讨的空间。纵观设计艺术学科的本质，它具有综合性、交叉性、灵活性、多变性的整体特征。因此，设计艺术学科系统与的众多学科发生着多维的、多层次的联系，它更是包括社会发展千变万化的各种诉求，也可以说，设计艺术系统是由众多的相关学科和系统支撑及联结的多维发展的教育体系。
1、双主教学模式。这一新型教学模式在保留传统的“传导———接收”教学活动开展方式的基础上，更多地为学生提供了自主思考、自主探索的机会。艺术设计是一个自主创作的过程，在艺术设计教学中，充分利用双主教学模式，能够强调学生的主体地位，使学生的自主创造能力得到有效发挥。教师要注重情景的建构，使学生能够利用已有认知结构中相关经验对新知识进行顺化，并使其根据反馈信息形成对问题解决方法的自主构思。此外，双主教学模式还强调学生间的合作学习与多媒体工具的使用，学生在教师指导下组建学习团体，通过各类信息设备的支持开展相关理论、课题的讨论，使学生间形成思维共享，共同实现知识的意义建构。
2、3P1D教学模式。当前艺术设计的教学模式主要采用教师布置课题、学生搜集资料、构思、确定设计方案、设计图展示、教师评价的顺序，课堂上教师对教学过程的把握与学生交流存在一定缺陷，利用3P1D模式能够有效处理这些问题。这一新型教学模式要注重以下几个基本点：
（1）教学中的课题选择（Project）：教师的课题的选择上可以是实际设计项目或非实际练习，教师在备课阶段就要注重对课题内容的构想，在保障课题要求符合教学大纲的基础上，选择具有可操作性与时代性的课题，并根据实事求是原则制定规范的评定标准，便于学生把握艺术设计方向。
（2）课堂教学质量（Process）：教师要注意设计具有针对性的课堂练习项目，对学生的设计创新能力和审美意识进行系统性提升，在学生课堂项目评定上，教师要根据教学目标，结合学生的自我评价与相互评价对学生作品开展点评，最大限度激发学生的教学参与热情。
（3）设计说明（Description）：教师应把学生的设计说明作为其成绩的重要参考因素，培养学生对课题认识、设计方法探索、图纸模型绘制能力，在艺术设计过程中使学生得到眼、脑、手的全面训练。
（4）课题陈述（Presentation）：教师在学生进行课题陈述的过程中要注重对其设计构思、问题处理方式、语言组织能力等多方面因素考量，结合学生设计方案为学生指出设计亮点及存在问题，在设计实践中对学生进行设计师基本素质的培养。
二、艺术设计教学理论体系的完善策略
1、与时俱进，提高艺术设计教学创新性。艺术设计是一门更新速度极快的学科，在具体教学实践中，若只关注于学生对事物形态的描摹能力，则易使学生丧失应有的个性表达与自主创新能力。因此，要建立完善的艺术设计教学体系，教师首先要对教学手段加以创新，在课堂教学中可适当地融入新型教学手段与流行设计元素，充分发挥多媒体设备在艺术设计教学中的作用，利用具有时尚元素的影视剧展示等手段向学生表现艺术设计的美学价值，从而提升学生的审美情趣与自主创造欲望。
2、推进教学目标分层化。教学活动开展前，教师应针对不同学生对具体教学目标进行有计划、有层次的设定，例如大一学生要加强对基础课程的巩固，大二学生要实现专业课程的初步入门，大三则要全面提高专业素养。在完成教学目标时，可采用多种手段辅助教学，充分利用现代信息技术，艺术设计教学内容设计尽量做到简明扼要，让学生在轻松的课堂氛围中完成对专业知识的理解。
3、建立艺术设计教学整体框架。在图形技术、色彩、传播等艺术设计基础原理方面，有必要对艺术设计教学的整体框架进行科学建造。在课程体系的设置中，务必保证课程间的相互联系，建立系统的课程体系，使对学生的专业能力与素质培养能够始终贯穿在各门课程的学习中。
关键词设计艺术工业设计社会文化
中图分类号FB47文献标识码A
“设计不是一种职业，它是一种态度和观念，一种规划（计划）的态度观点。”——莫合力纳吉（LaszloMoholy－Nagy）。“设计是包含规划的行动，为了控制它的结果，它是很难的智力工作并要求谨慎的关键的决策。它不重视把外形摆在最优先地位，而是把与之有关的各方面后果结合起来考虑，包括考虑经济、社会、文化效果。”——利特（德国乌尔姆造型学院）。设计从根本意义上讲是社会和文化思想的反映，因此设计艺术从某种角度上说，是一种对社会的理想。讨论设计艺术的发展趋势，先要看看人们对社会的理想模式，或要求、或幻象、或期望、或责任等。
随着时代的变迁，设计的观念也在不断变化。21世纪的科学技术特别是网络技术的发展，使得设计的观念不断地发展，探索未知，为后工业社会寻找新的造型语言和艺术理念，就是说设计已经不再只是用自己的方法去研究世界，更重要的是设计研究科学的双重性的调和，即科技给人和人生存方式的影响及科技给社会带来的污染和危急。设计的观念决定了设计艺术发展方向，本文即从以下角度探讨了设计艺术在未来的发展态势。
1设计艺术的发展必须适应科技的变革
人类的价值和思维方法的改变都是漫长的，但是一个国家的社会经济状况的发展思路与政策必然会极大地影响其发展。控制人口的增长和保护生态环境已成为我国必须坚持的基本国策。丹麦的设计师福林特（NielsPeterFlint）的设计观念能给予我们许多启示，他怀疑西方的物质享乐和消费注意价值观，主张从工业文明的物质享乐转变为非物质的过程，强调服务和无处不在的信息交换，他甚至向往东方的天人合一的思想。现在他正专心于“衍续”（sustainable）产品和建筑的观念设计研究，并开设了一家以自己的名字（flint）命名的商店，专门出售“衍续”产品。
可以看出，工业设计的关键问题之一就是处理好设计观念与社会经济的关系，因此，设计与社会经济形成互动的关系是设计艺术发展的大趋势。
从社会经济的角度讲，工业化是现代化的实质。英国的工业化开始发生于18世纪，西欧、北美的工业化都始于19世纪，到本世纪中叶进入成熟的高度工业化阶段；而其他一些地区，工业化的进程大都始于20世纪；对于广大发展中的国家来说，则始于第二次世界大战以后。因此工业化是一个世界化的进程，而且至今这个进程还远没有达到终点。工业化带来的是工业文化和工业文明，其本质是追求物质化。西方在达到高度工业化的过程中，一方面生活达到了一个新水平，另一方面也目睹了工业化带来的一切负作用。西方的许多学者提出，从工业化的物质文明向非物质文明转变的关键因素是信息技术。21世纪的设计观念是，从有形的设计向无形的设计转变；从物质的设计向非物质的设计转变；从产品的设计向服务的设计转变；从实物产品的设计向虚拟产品的设计转变。
人类社会发展是呈现螺旋式的上升，后现代主义提出的科技与艺术的融合这一问题将在信息时代的设计中得以解答。随着计算机技术和网络技术的飞速发展与信息产业在经济生活中占的比重日益增大，从事具体的工业生产的人数在逐步减少，而从事信息业和服务业的人数在迅速增加。人们的需求重点从物质领域向精神领域转移。我们的社会从过去的“硬件社会”向今天的“软件社会”转化，人类已步入了知识经济的时代。
新的技术又一次彻底地改变了我们的生活和思维方式，工业时代生产规模的庞大、集中、标准化向后工业时代的小型、灵活、多样化发展。产品的个性化和文化特色成为生产的重点设计的含义发生了质的变化，两种文化之间的对立走向融合，使得传统的功能主义的设计思想随着环境的变化而变化。在产品设计中，产品的形式与功能已没有必然的联系。
随着信息社会的发展,单纯的科技主义文化已不能满足人类的精神文化需求。设计已变成了一种融合科技与艺术的综合学科。新的设计形态已出现在我们的生活中，设计的产品也成了一种时时变化着的东西，通过这种产品设计师与顾客进行互动式的交流。例如多媒体设计、虚拟空间的设计和网页设计，它们的传统形式已不复存在，纸张、油墨、装订线已变成了各种电子线路，更为重要的是它们已不像一份报纸、一本书那样摆在我们面前纹丝不动，而是在屏幕上闪烁着各种光芒，变换着各种造型，每当你按下一个按钮，将会出现一幅新的场景与新的文字，它们将按照你的要求，提供给你不同的功能：查寻资料、浏览网站、了解产品、发送文件。在这里，任何一成不变的思维方式和衡量标准都显得毫无意义，设计师同时也是艺术家，它将充满感性地去探索未知的世界，为人类创造一个更加合理的生存空间，在更高层次上使人与自然和谐相处2设计艺术的发展必须符合社会文化背景
设计离不开庞大的哲学思想，离不开悠远的民族传统，因为那是孕育它的土壤。儒、释、道是中国传统文化的三大要素。每一个中国人所受的教育均以这三种为基础。倘若对这些基本思想缺乏深入了解，但却试图透过设计来传递这种思想概念，结果就会如同水中捞月一般。
在人与自然的关系这一概念上，东西方的哲学体系有基本的差异。在西方而言，特别是自文艺复兴时期起，人类已被视为大自然的主宰，甚至可以控制大自然，因而导致后来兴起的工业革命，以及各种卓越的科技发明。可是，在东方来说，人类往往视为大自然的一部分，并且不断努力寻求与大自然的协调。我们这个以西方为主导，竞争激烈的消费社会，往往欠缺安稳；而东方哲学体系所灌输的和平安静思想正好弥补了这方面的不足。例如在中国的传统艺术中，空间构成的意识、生命力的节奏与韵律、线面的有机结合，诗中有画、画中有诗的意境……这种种充满活力的造型，体现出人与自然和谐相处的理想境界，而它们恰恰是承载东方文明的载体。这些造型不是单纯的再现已知事物，也不是纯粹的主观的幻想，而是以科学思维所不能替代的直观感受在未知的人类的精神世界和外部世界中的探险。它记载了我们的祖先在漫长的岁月里为了生存的勇敢行为，以及由此产生的深刻的审美观和哲学观，因而这些造型是富有生命力的、是永恒的，是整个人类的精神财富。
先进世界资讯发达，社会及文化发展渐成一体化。当代设计艺术的发展趋势必然立足于本土文化和思想基础，将精髓融汇于现代思潮中，丰富我们的生活，成为一个多极化的现代国际文化体系。
伴随着西方工业文明的思维方式和审美体制的逐步瓦解，经济发展的中心从西方向东方转移，已有学者预言21世纪将是亚洲的世纪，以儒家文化为基础的东方文化价值观重新焕发了新的生机，把握住历史的契机，站在新的高度对中国传统哲学观、美学观的再认识是中国设计走向世界的道路。
设计是文化的设计，而不仅仅是流行的色彩与块面的罗列与拼凑。对西方现代设计思想的借鉴是在传统审美基础之上进行的。在设计实践中对中国传统绘画中的构图原理和平面化特征以及画面中各元素之间力的平衡的研究是发展中国设计重要内容之一。在传统绘画的构成中讲究“经营位置”，也就是说在平面化的效果中注重各部分的和谐与完整，各种元素之间力的关系力求达到平衡，即各种元素的力度包容在整幅画面中，“内容即使繁杂，也统一于意境”。同时，对传统构图中的“立与破”的辩证关系和传统笔墨效果的吸收与借鉴也是重要的课题。
3设计在未来的挑战之一是持续发展的可能性
从长远角度看，最好的生态产品将会成功并控制市场。现代社会中越来越多的问题困扰着我们。自然资源迅速减少，环境污染公害增加，这些不稳定因素导致西方工业经济衰退。保存资源、保护环境和生态要求成为迫切要解决的问题，例如探索新方法解决垃圾处理，以减少污染，节约原料；改善产品结构，使其可修理；使用无废料的太阳能；节约用水设计等。
格鲁斯（JochenGros）于1975年提出“有意义的功能”理论，设法跳出自然科学思想的目的理性，倾向于人文科学思想方法，尤其是知觉心理学，它在德国首先提出再生循环处理设计思想，这种设计思想即生态设计。
在工业文明的发展过程中，人类中心主义的过度扩张造成了严重的环境问题，这促使人们重新思考人类社会的发展模式。在探索的过程中人们提出了可持续发展的思想，认为当代的发展不应该损害后代的发展权利和机会。目前，追求人类文明的可持续发展已经在全球获得广泛的共识，许多国家都根据本国的实际情况制定了体现可持续发展思想的发展计划，《中国二十一世纪议程》就是我国可持续发展战略思想的集中体现。与农业和工业经济相比，知识经济是以科技和信息作为经济发展的原材料，是建立在人类智力或智能充分发掘与利用基础之上的，不会对自然资源采取掠夺式的开采和应用，进而产生对人类生存环境的破坏，相反，它要利用科技手段去保护和改造自然环境以维护生态平衡，追求经济效益。社会效益和生态效益的统一使自然环境更有利于增进人类的健康发展，从而使现代人类社会进入可持续发展的轨道。
变革是持续不断的，设计也是在不断变化的。我们要探讨设计艺术的发展趋势，必须明白设计是一个边缘学科这一本质，在人类科学与文化都在进步与革新的时代，对于作为艺术与科学、物质与精神、人与环境和谐之纽带的设计艺术，变是永远不变的原则。
参考文献
1V.C奥尔德里奇.艺术哲学[M].北京：中国社会科学出版社，1988
对于电影《艺术家》中的黑白色彩，其在艺术表现中的传统手段对人们的心理暗示具体表现在:黑色代表了沉默、严肃、神秘、悲哀、恐惧、死亡、黑夜、诡异、阴郁、压抑等，而白色则是纯洁、淡雅、明快、冷清和寒雪以及快乐的代表。通过对黑白色调进行分析，对人们了解电影《艺术家》所蕴涵的情感内涵和象征意义具有一定的帮助。在电影《艺术家》中，不论是场景设计，还是字幕以及情感表现等方面所呈现出的色彩，都是以黑白为主，使得人们只有进入到结构层面才具有审美价值。可见，迈克尔导演给人们呈现出的电影《艺术家》通过艺术地控制光影，选择色彩来构成节奏，运用色彩来营造独特的审美心理，引导观众自然而然地进入创作者营造的心理环境。同时，影片中除了对声音效果的巧妙运用，其场景的设计给人们带来的视觉效果也极为娴熟。例如，乔治独自看电影，投在屏幕上的影子弃他而去;乔治在片场遇见佩皮，二人斗舞，一上一下，并通过画面的斜切清楚地反映出双方的地位心态变化，使影片中的视觉表现力得到发挥和激发。
二、美术设计在电影《艺术家》中的应用
色彩设计在影视作品制作的过程中能够彰显影视作品的画面美，通过不同的色彩搭建和融合，可以展现出不同的画面美。例如，在电影《艺术家》中，通过以黑白色彩为主旋律的色彩搭配，为影片的整体情感带来浓厚的悲凉之感，从而为主人公乔治在影片中的表现定下感情基调，给人们一种职业标志或者暗示，引人入胜。同时，在美术设计制作过程中运用色彩来表达主题或者效果前，应该先充分了解色彩的基础搭配，通过一种色彩组合的搭配来达到所要带来的视觉效果和意欲表达的思想感情。例如:冷色系带给人们一种清新、高雅而宁静的感觉，而暖色调则给人一种热情、温馨的感觉。然而，电影《艺术家》在美术设计中所运用的黑白色调的搭配却略显幽默、怀旧和戏剧化。通过《艺术家》的黑白搭配的色彩搭配，使影片的主题充分表达出来，从而达到不同的视觉效果和心理暗示作用。虽然色彩的搭配设计对影片的主题和情感表达具有积极的影响，但是要注意的是，在影片制作时色彩能表现出更深层次的感情效果。因此，为了更好地烘托出故事情节，我们在将色彩运用到对影片的美术设计中时，往往要根据影片的主题、情节内容及其场景的变化来调整色彩。在电影《艺术家》中所选用的黑白片却恰到好处，既使影片的戏剧性和主题表达展漏无疑，又给影片定下了喜剧性的感情基调，并利用影片的黑白效果引发观众的怀旧情怀，达到影片实现高票房的目的。在电影制作时对美术设计中色彩的选择要合适，因为通过不同亮度的衬托和颜色的和谐组合才能达到高质量的作品要求。例如，电影《艺术家》为了突出作品的主题，可以通过主流和复古特色的黑与白的颜色搭配，在影片中美术设计还采用了调节色彩亮度的处理，从而实现对影片的社会背景以及所要表达的情感的有利衬托等。因此，色彩的选择的正确与否直接关系到影片主题的表现效果。另外，影片在制作过程中对不同的环境氛围中的美术设计也有所不同，而色彩对比度在影片中运用的恰到好处是影片成功大卖的先决条件。例如，电影《艺术家》不论是在影片中的场景设计、人物形象，还是字幕等任何情节，都充分体现出色彩对比度运用的优越性，因为在《艺术家》中对色彩对比度的处理为影片的视觉表现力提供了巨大的优势，使得影片的怀旧气氛更加浓郁，从而使影片的吸引力瞬间加大。不仅如此，美术设计中的色彩应用在影视作品场景设计中的重要作用主要体现在强化色彩的视觉冲击力。色调是影视作品中主要的色彩倾向，它所构成的和谐统一的基调可以给人们带来深刻的印象。在刻画场景的过程中，根据场景主题的要求不同所设计出的色调也会有所不同，不同的色彩基调能够展现出不同的风格和魅力，使人们通过色彩的差异性轻而易举地解读出作品的主旨和内涵，从而使人们对电影中情节产生不同的联想。例如，不同于有，电影《艺术家》在场景设计中所采用的黑白色彩基调给人以复古的感受，从而使人们对电影情节发展的关注度加大。可见，色彩功能在影视作品中的运用会给人不同的心理影响。美术设计在电影《艺术家》中的色彩应用不仅使人们在观赏影片时不由自主地产生喜悦的心情，而且色彩基调所带来的复古画面也给人们怀旧的视觉冲击。可见，在电影制作中我们可以看到许多的画面，而这些画面大都是利用美术设计来完成的，而且通过利用色彩功能的美术设计，才能为影片营造出有层次感和空间感的氛围。电影《艺术家》在美术设计中对色彩搭配和选择以及色彩的对比度、饱和度的高要求，从而实现了画面的逼真和影片主题的表达效果。利用电影中的美术设计所采用的色彩对比能造就特定的色调，从而突出情节和内容，渲染作品的主题和画面美。因此，在电影制作中对美术设计的应用具有至关重要的作用。
三、美术设计的色彩元素在电影制作中的重要性分析
通过对美术设计在电影《艺术家》中的色彩应用分析，不难发现美术设计中的色彩元素的搭配、选择、对比度等对影片的成功大卖都具有不同程度的重要性。因此，只有色彩功能被充分应用到影片制作中，才能从某种程度上牵动观赏者感情的变换。因而，色彩被人们赋予了一定的象征意义，因为色彩营造出的气氛深深地影响人们，给人们以心理的暗示，从而使人们在影片中看到不同的色彩搭配时会不由自主地想到它所代表的深层意义。正是因为色彩元素所营造出的氛围不同，才能烘托出不同影片的主题相异和情节变化所突出的不同情感。因此，色彩功能设计对于影片主题的表现及其内容的丰富有着重要的意义，可见，色彩在影片制作中是一个不可忽视的重要部分。美术设计和应用对影片的整体风格的定位也有一定的作用;随着人类思想的进步和科技的飞速发展，影片制作过程中大都采用数字绘画技术代替了传统的绘画美术设计，然而，不论科技如何进步，绘画设计都要遵循美术设计中起决定性作用的因素，色彩所给人的影响力;由于色彩对人们的知觉有一定的影响，影片中不同的色彩可以使人们在观看时产生兴奋或沉静感，从而会在心理上有一定影响，随之会引发一系列的情绪反应，例如，电影《艺术家》中的黑白色彩元素通过对所有画面的斜切，完整地体现出色彩对比度运用的恰到好处所带来的极具幽默感的情感体验。因此，在电影制作中把握好对色彩的运用对作品的主题和情感意境的表达都有着重要的影响。
四、结语
中国民间美术博大精深，从汉字、中医、武术这样的“国粹”到各地的代表性文化，再到各地各乡的习俗、风俗。“艺术设计以其特有的表现方式传达着某一个地区的人们的文化价值观，同时也展现着该地区的文化特质及民族精神。”中华民族的民间美术博大精深，其中很多生动的设计元素，能够给予设计师巨大的灵感和启发，使得极具风情的民间美术在艺术设计中得以呈现和传播。我们所处的内蒙古有着独特的地域优势，可以十分便捷地从本地获得艺术设计教学所需的各种条件：人文地理、历史典故、遗迹古籍、文艺项目、博物馆、各种校内外实训基地、民间艺术家和学者、专家等这些都是只有内蒙古才具备的特色教学条件和资源。我们地方院校应该充分利用这些资源，有针对性地为学生增加各种民间美术课程，如历史典故、风土人情、传统工艺等内容，并且根据今后的职业需要，向学生传授具有民间美术特色的设计理念和设计技能。在地方院校艺术设计教学中结合具有区域特色的民间美术，是针对本地教学模式单一的格局而提出的一种有益尝试，也是针对地方人才市场的需要而对民间美术资源的深层次开发和利用。
二、将蒙古族民间美术审美教育的共同性引入艺术设计教学
我区丰富、灿烂的民间美术资源是一座巨大的艺术宝库，但大多数原生态形式并不适合被直接利用，必须经过筛选、解构，再用现代设计的理念对其中的元素进行重构。笔者认为应以民间美术的典型性为教学重点，唯有这样才能做出兼具民间美术特色和现代审美要求、兼具实用性和技术性的设计。所谓典型性即所选择的教育资源应具有审美教育的典型性。草原民族在漫长的草原游牧生活中，形成了蒙古族独特的审美：他们产生了“对天神的崇拜，对蓝色和绿色的钟爱，对辽阔景象的憧憬，对动物灵性的感悟等”情感，也形成了独特的思维，“追求与苍天的呼应，思维境界自然率真，艺术格调自然质朴，群体性、参与性、应对性及宗教神秘性融入其中。”因此，在艺术设计教学中，教师不仅要让学生理解地域特色文化中的造型观念，还要分类去看、参照着看。比如从艺术形式分类角度，建筑类、服装类等等；从造型特征角度，单单是马就有多种形态。还有最关键的一项就是“临摹”，在临摹的过程中学生们熟悉了基本绘制过程，加强了形象的记忆力、理解力，为获得多方面的想象创造了条件。将蒙古族民间美术审美教育引入艺术设计，不是简单的继承传统，而是“取其精华，弃其糟粕”，用发展的眼光审视民间美术。引入过程可以概括为如下两个步骤：一是“知其然，亦要知其所以然”，深入了解内蒙古民间美术的精华和其蕴含的思想内涵；二是找到民间美术和艺术设计二者相互转化的通道，从民间美术中精炼代表元素，再将代表元素用现代艺术设计的理念转化为全新元素。这一全新元素既能体现现代设计理念，又能表达传统民间美术思想；既开拓了艺术设计取材的眼界，又满足了现代人们返璞归真、崇尚本源的心理需求。
三、艺术设计教学中对内蒙古民间美术的传承与创新
1.转变思想，对民间美术科学地传承与创新
黑格尔说，艺术的要务不是收集，是创造。因此，艺术设计学习的终极目的便是创作。艺术设计在走向世界的同时保持民族风格是目前艺术设计的发展趋势所在。这是一种超越和升华——民间美术通过艺术设计的形式得以继续流传和发展，艺术设计则因融入了民间美术而增强历史感和厚重感，两者相得益彰。在教学中，教学双方都要对艺术设计和民间美术有清醒的认识，二者的本质是相通的，仅存在表现形式的差异。我们要将民间美术最本质的、最本源的东西挖掘出来，再将其应用于艺术设计之中，依照这样的思路才能既继承了民族特色，又通过艺术设计表现把民间美术文化精髓传承下去。民间美术是本源，是地下水；艺术设计是地表水，通过利用二者共同性的方法，是把地下水抽取到地表上来，让地下水不断补充地表水，这样地表水可以不断的有新鲜的内容推动其向前发展。依据本源的特点选择不同的方法进行研究则事半功倍；若是本末倒置必会误入歧途。
2.采用多种教学方法，吸取内蒙古民间美术精髓
1．综合性
传统艺术设计活动仅围绕着社会文明、文化等方面，设计题材内容相对单一，这限制了现代化艺术领域创作的变革趋势。新时期艺术思想强调了题材的广泛性，提出艺术设计也是一门综合性极强的学科，可以从多个方面开展相关的设计活动。数字时代艺术设计更具综合性特点，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。
2．主观性
艺术是被创造的，设计师是艺术的创造者，坚持主观思想表达是数字时代艺术设计的基本要求。数字技术是艺术设计的辅助工具，设计者才是新艺术的缔造者，艺术设计贵在创造活动与实践，是设计者自身综合素质的体现，如：表现能力、感知能力、想象能力。设计师可以结合有关的艺术题材，从背景文化、地理、历史、人文知识等方面，结合个人主体思想或艺术理念展开设计。
3．创造性
随着时代的变化与发展，艺术设计更是呈现了多元化趋势，“创新”是艺术领域永恒的主题，只有创新改革才能塑造出更多的作品。从创造性思维角度出发，数字艺术设计是对生活方式的一种创造性的改造，不论是在商业活动中的信息传达里的应用，还是日常生活的行为方式中的应用，数字艺术根本目标就是让人类获得各种更有价值，这也是数字时代艺术设计的新思想。
4．科学性
艺术是一门内涵深刻的学科，并不是所有创作设计都能称之为艺术，科学理念也是影响艺术设计的新思想。一个好的产品不是的设计者的纯自我的表达，是有严谨的科学精神在里面的，是一个合理统筹的一个有目的的活动。面对数字化发展时代，艺术设计的科学性要求更高，除了从专业领域展开设计外，还要把自己的观点和观念通过科学的调查、合理的流程归划一步步的完善出来的。
5．技术性
数字时代本质上是科技变换时代，依赖于科学技术才能创造更多的艺术作品，科学理论应用于艺术设计也是不可缺少的思想认识。各种材料的研究、电脑技术的应用、数据的整理、工业化的生产以及产品的销售等等，都是艺术设计不能绕开的问题，这类设计活动与人们社会实践是密切相关的。合理应用高端科技辅助艺术设计思想，才能实现数字时代的科技化价值，塑造出更加独特的艺术作品。
二、数字艺术设计思想的应用形式
数字时代开辟了艺术设计领域的新时代，数字技术融入传统艺术设计是必然的发展趋势，这些都依赖于新型设计思想的综合应用。数字艺术设计方案中常常会涉及到多方面内容，无论是设计师或者技术人员都要注重新思想的应用，把最先进的艺术理论、题材、内容等融合起来，创建更加符合现代化的艺术设计体系。本次结合常见艺术设计内容，对艺术设计新思想应用情况进行阐述。主要应用形式包括：
1．广告设计
内容包括广告策划与创意，文案、广告经营、媒体研究、摄像与摄影、 广告设计、市场调查等课程。广告设计是数字化艺术的主要内容，主要适用于新闻媒体、广告公司、市场调查、信息咨询等行业，对艺术设计的数字化水平较高。因而，数字艺术设计阶段要采用高端科技辅助广告设计，利用三维模型技术体现出广告创作效果，将设计方案借助模型体现出最终的效果，这是数字时代艺术的新概念。
2．室内设计
内容包括室内空间设计、室内陈设设计，可用数字技术为室内空间进行详细地规划，自动筛选出最佳室内布局方案。设计师借助数字媒体展示，事先规划出某个空间设计方案，从数字艺术角度编排建筑物结构，全面系统地认识、理解室内设计的特征和规律。此外，数字艺术对室内设计的多个设计环节和表现形式和创意，能够具备较完备的多角度施工效果图的绘制及模型制作能力。
3．网页设计
网页艺术设计包含着主观和客观两方面的因素，在确立了网页主题之后，首先要明确和熟悉设计的对象和构成的要素。网页艺术设计涉及的具体内容很多，可以概括为视听元素和版式设计两个方面，两者都不开数字技术的综合应用。一般来说，网页设计主要服务于商业化运作，利用互联网科技辅助网页制作与编策，从视觉、听觉等方面提升了网页的吸引力，这是艺术设计创造性的主要表现。
4．环境设计
物质生活水平不断提升，人们对生活环境质量要求越来越高，利用数字技术辅助环境设计也是一种科技化方式。在中国，所谓的“环境艺术设计”就是指景观园林设计、室内设计、建筑装饰设计和装饰装潢等。计算机动态展示是环境设计的先进科技，按照设计者要求选用动态模拟器，为设计师提供方案预演过程，对建筑环境、园林环境等提出更多可行的意见，进一步提升了艺术设计成效。
5．版式设计
是指书籍正文的全部格式设计，与艺术设计也存在着密切的关联，强化了书籍版面的视觉效果。数字版面设计体现了综合思想的应用价值，对整个书籍相关内容均展开一系列的设计活动，除封面、环衬和扉页之外，前言也包括在其中。另外，数字软件可取代人工编辑操作，对书籍的版心、天头、地脚、内口、外口等要素，按照标准比例进行自动化边坡，从而提高了书籍整体的编排质量。
三、未来艺术设计师的新要求
艺术设计是不断创作的过程，任何一类艺术设计都要经过详细的编排，融合先进艺术设计思想及题材，才能创造出更加优越的艺术作品。数字时代是艺术领域的必然趋势，数字艺术设计必将打破传统艺术设计思路，改变过去艺术创作领域的不足之处。另一方面。新时代艺术设计在广告、室内、网页、环境等方面的应用更加广泛，其对设计师的创作要求也在提升。
1．勇于革新
艺术创作的流程是从无到有，从一张空白的画布上开始，艺术家将自己的观点或感受表达在作品创作上。数字时代是艺术创作的新领域，革新思想是艺术设计不可少的，这要求设计师具有革新精神，不能满足于现有的艺术设计成就。例如，充分利用数字技术平台进行创作，提高艺术思想带来的不同风格，把创新性与主观性思想综合起来应用，用创新实现艺术方案的最优化。
2．符合大众
艺术设计目的是准确的向受众传递信息，设计师的作品不仅仅在于视觉享受，更需要让作品中所传达的信息准确的被受众所理解和接受。社会群众是艺术设计的“欣赏者、使用者”，一切艺术设计均是服务于社会大众。无论是传统时代或数字时代，艺术设计思想都要满足大众的审美要求，与群众审美艺术观念相结合，这是现代艺术设计最基本的理念要求。
3．持续创作
一个艺术家通常都是具有天赋的，艺术天赋应当长时间应用于设计实践。对于设计师来说，从最开始的时候，艺术家都要经历学习绘画，不断创作来发展自己的艺术特长。对于当前数字化时代，设计师要坚持探索之路，从不同题材实施艺术创作活动。采用最新技术辅助艺术设计活动，体现出数字时代艺术设计新思想的创新价值，把数字产品与艺术理论紧密地联系起来。
四、结论
其一，社会方面。随着经济全球化进程的加快，企业间的竞争越来越激烈，创新成为企业发展的根本动力。企业在培养与选拔人才的过程中，不仅重视人才的专业知识素养，还重视人才是否拥有极强的创新能力。因此，在艺术设计教学中开发与培养学生的创意思维是时展的需要。在艺术设计教学中开发与培养学生的创意思维，不仅是促进我国社会经济发展的需要，同时也是我国各高等院校提高自身水平的需要。学生创意思维的开发与培养离不开教师的正确引导，这就对教师本身的创意思维提出了严格的要求。因此，各大院校在发展的过程中纷纷加大了对艺术设计专业教师培养的投入，培养了一支又一支拥有创新意识的优秀教师队伍，为艺术设计领域的发展提供了强大的动力。其二，学生方面。艺术设计是一门综合性极强的学科，艺术设计者要具有综合素质，如表现能力、感知能力、想象能力、创造能力等。创意思维是设计者打破设计瓶颈的有力武器，是设计者突破理论束缚创造艺术的必要条件。如果设计者在设计过程中仅遵循设计的基本原则，按部就班地进行设计，那么设计出的作品是达不到优秀水平的，不会得到欣赏者的认可，这样就大大降低了设计作品的市场价值。艺术设计讲求的是一种创造，并没有固定的条条框框，其实质是设计者对设计理念的一种升华。因此，设计者如果想在设计领域有所发展，就必须不断创新，将创意思维融入设计的整个过程。正是由于创意思维对于艺术设计者有着至关重要的作用，因此各大院校在艺术设计教学中加强对学生创意思维的开发与培养是学生未来发展的必然要求。
二、我国高等院校艺术设计教学中开发与培养创意思维存在的问题
其一，缺乏对学生创意思维培养目标的定位。教学目标是教师课堂教学设计的重要内容，直接影响教师教学的侧重点，对于学生能够学习到哪些内容起着关键性的作用。对于艺术设计专业教学来说，其教学目标的定位同样十分重要，影响学生学习的开展情况。如果在艺术设计教学过程中缺乏对教学目标的定位，那么将直接影响对学生的培养效果。通过对我国各高校的艺术设计教学现状的研究不难发现，目前艺术设计教学的目标在于培养实用型人才，注重对艺术设计理论和技巧的教学，但是忽视了对创意思维的开发与培养。由于缺乏对学生创意思维培养目标的定位，培养出的设计人才大多创新能力不高，其设计作品水平有限，很难满足社会发展的需要。其二，对学生个性思维培养不足。艺术是形象把握与理性把握的统一，是情感体验与逻辑认知的统一，是审美活动与意识形态的统一。艺术设计对审美有着极高的要求，这就对艺术设计教学提出了严峻的考验。教师作为教学的主导，对于学生的引导与教育非常关键。鉴于艺术本身的特殊性，艺术设计专业教师需要加强对学生个性思维的培养。然而从目前我国艺术设计教学的实际情况不难发现，部分教师在艺术设计教学过程中恰恰忽视了对学生个性思维的培养。部分教师忽视了学生的主体性，与学生缺乏有效的沟通和交流。此外，在教学安排和教学内容的选择上缺乏创新性，制约了学生主体性的发挥，限制了学生思维的拓展。其三，教学模式单一。由于我国艺术设计教学起步较晚，因此与发达国家相比在某些方面还存在一些不足。我国一些院校的艺术设计教学模式比较单一，以“填鸭式”教学模式为主。随着社会的不断发展，艺术设计时代已经来临，社会对于艺术设计人才的需求导致对艺术设计教学有着更为严格的要求，艺术设计教学需要从多方面开发与培养学生的创意思维。然而，我国部分高校在艺术设计教学过程中，还以教师的主体地位为主，注重教师的言传身教，以传授专业基础知识为教学重点，忽视了对学生能力和思维方式的培养。以这种单一的教学模式培养的学生往往缺乏创意思维，创新能力较差。
三、艺术设计教学中创意思维开发与培养的策略
其一，明确培养目标，提高学生的创意思维意识。在艺术设计教学过程中，为了更好地实现教学目标，最先需要做的就是明确人才培养目标。当今社会所需要的设计人才，不仅应专业知识要过硬，同时要具有创意思维，这就为各大院校的艺术设计教学提供了明确的人才培养目标。在艺术设计教学中，需要加强对学生创意思维的开发与培养。首先，艺术设计专业教师需要引导学生改变固有的思维模式，培养学生的开放性思维，鼓励学生进行大胆的想象与尝试。其次，优化教学方案，提高学生的创意思维意识，将开发与培养创意思维和理论知识教学及实践技能培养紧密结合起来，调动学生参与课堂的积极性，进而激发学生的潜能。最后，在日常的作品设计过程中，教师应该给学生充分自由的空间，让学生进行自由的想象与设计，而不是将学生的思维束缚在教师规定的规则与模式之中。以人才培养目标为艺术设计教学依据，加强开发与培养学生的创意思维，对于我国艺术设计的长远发展起着重要的作用。其二，培养学生创意思维的能力。艺术设计教学需要坚持以人为本，加强学生主体地位的发挥，提高学生的艺术设计能力，注重学生创意思维的开发与培养。一是尊重个体差异。在众多因素的影响下，学生个体之间是存在明显差异的。学生之间的差异没有对错之分，因此在艺术设计教学过程中，教师应该尊重学生的个体差异，注重对每一位学生创意思维的培养。兴趣是最好的老师，在艺术设计教学过程中教师需要从教学内容上进行创新，以激发学生的兴趣为出发点。同时，教师需要将课堂的主动权交给学生，让学生有充分表达自我观点的机会，加强学生与学生之间、学生与教师之间的双向沟通，使学生的思维得以发散，进而提高自身的创新能力。二是注重聚合思维的发展。聚合思维（求同思维法）是一种有方向、有条理、有范围的思维方式，与发散思维相对应，在艺术设计中同样具有重要的作用。只有坚持促进学生聚合思维与发散思维共同发展，学生的整体设计能力才能有长足的提高。为了提高学生的聚合思维能力，艺术设计教师可以为学生安排相应的设计训练，多为学生创造实践的机会。通过进行强化训练，学生可以养成良好的思维习惯，对于创造能力的提高将起到很大的促进作用。三是加强理论与实践的结合。艺术设计以相关的理论知识为基础，以设计实践为手段，因此具有一定的实践性。在艺术设计教学过程中，教师需要对教学内容进行筛选，将艺术设计的理论教学与实践教学进行有机的结合。教师既可以为学生安排课题作业，也可以适当让学生加入自己的某一课题设计，还可以组织学生对优秀作品进行赏析。总之，对学生的教学，需要在实践的基础上进行理论知识的传授，这样才能使学生的创意思维得到有效的发展。其三，革新教学模式。艺术设计教学模式的单一化，影响了学生的发展，制约了学生潜能的开发。因此在开发与培养学生的创意思维过程中，需要对原有的教学模式进行革新。在坚持理论与实践相结合的指导思想的基础上，教师需要丰富自己的教学方法，运用新颖的教学方法激发学生参与课堂的积极性，发挥学生课堂主体的作用，培养学生发现问题、分析问题、解决问题的能力，充分开发学生的创意思维。为了提高教学水平，教师可以在师生之间建立起有效的评价机制，让学生将自己的想法及时反馈给教师，这样有助于教师自我水平的提高，进而开展科学的教学活动。
四、结语
