时间：2023-03-23 15:18:23
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组织专业教师团队进行市场调研，深入了解和掌握企业对人才培养的需求，根据调研反馈的信息和研究结果，确定专业的建设方向和人才培养目标和方向。在专业建设工作中，市场调研是专业建设的探路石，为后期的专业建设提供重要的参考依据。
1.通过市场调研，可以掌握劳动力市场需求程度、生源的有效供给情况以及开办该专业所需的师资设备条件，能够在很大程度上消除新开专业的盲目性。
2.通过市场调查，了解本校毕业学生就业情况，能知晓有关专业及学生的社会适应性，及时弄清教学中存在问题，从而能为改进教学、调整专业奠定良好基础。
二、根据调研结论，组建专家团队科学制定教学计划，构建课程体系
在充分调研论证基础上制定专业教学计划，专业教学计划是为实现学校的培养目标而制定的，既要遵循教育发展的内在规律性，同时还要满足企业市场需求以及学生特点，体现中职特性和培养目标要求，为使专业设置能有效对接社会与企业岗位，学校可以聘请相关企业的技术人员或高校的专业人士，组建专业建设专家指导委员会，建立校企合作的专业建设团队，校企共同制定专业课程体系和教学大纲，定期开展市场调研和相关论证活动，对相应职业岗位进行广泛调研和深入分析，掌握企业市场动态，动态调整和完善课程建设体系。
三、以行业标准为前提，开发和完善校本教材建设
目前许多中职学校都存在着专业教材体系混乱，教材内容比较自由宽泛，技能操作缺乏统一规范，执行行业标准不一致，跟不上企业发展的步伐等问题，为学校教学带来了一定困难。组织专业教师和企业技术人员共同开发校本教材，是解决这一问题的最佳途径。教材开发应根据企业需求确定教学内容，坚持行业标准和规范为前提，“以就业为导向”的原则，依据学校现有的资源，开发适应岗位技能的专业校本教材，注重教材的整合、提炼，力争使教材体系同时兼备理论性和实用性。
四、加大师资培训力度，打造一流教学队伍
1.师资队伍是专业建设的保障，培养和打造师德高、业务精、能力强、技术硬的专业教师队伍是学校发展提升的必备条件，学校鼓励在职专业教师积极参加学历提高进修和国内外各种形式的专业技能培训学习。
2.在教学上要不断的推行新手段新方法，加大多媒体教学力度，提升教师信息技术和多媒体的应用能力，进而促进信息化教学资源的开发运用以及教学质量的提高。
3.安排专业教师参加不少于2个月的企业顶岗实践，让老师们不断将企业的新知识、新工艺、新技能应用到教学当中，为培养适应社会的优秀人才做好铺垫，保证技能教学的高质量运行，大力推动“双师型”教师的培养。
五、创新教学模式，开放教学课堂
探索和实践“工学结合”的人才培养模式，建立企业项目导向、任务驱动、理论教学和项目课程相结合的实践教学体系。开放教学内容，转变课堂教学模式，带领学生到企业参观访问，了解企业文化、行业发展动态和最新技术，将教学由课堂走向课外，引领学生走进生活，走近企业，到大自然中去创作，到工作岗位中去体验的同时提升学生对生活的观察、认识及感悟体验，更好地熟悉岗位技能，提高专业能力和职业素质培养，为今后进入企业用人单位零距离对接打下良好基础。
六、深化校企合作、加强实训基地建设，为专业建设奠定良好基础
舞台美术设计自身有着重要的作用，这一设计是听视觉艺术以及造型艺术等综合的艺术展现，能够增强表现的感染力。从舞台美术艺术的具体作用来看，主要体现在对表演气氛的烘托以及情调的调和。在美术设计过程中，不仅要能够将舞台表演剧情当中的一些社会环境及物质等得到有效的突出，还要能够在表演的过程中突出环境的氛围，从而和观众能够达成共鸣。不仅如此，舞台美术设计对表演人物的塑造也有着重要的作用，这也是舞台美术设计的一个重点，因为不管是什么样的舞台表演都要有人物的参与，那么对人物形象的树立就是表演成败的关键所在，而通过舞台美术设计则能加强表演人物的性格特征及其他方面的形象化。此外，舞台美术设计对剧情的进展也具有一定的作用。
二、影响舞台美术设计的重要因素及创新发展策略
1.影响舞台美术设计的重要因素分析
对舞台美术设计造成影响的因素是多方面的，其中最为主要的有文化差异造成的影响，以及经济环境所造成的影响，还有美术设计者自身的理念对其造成的影响。从舞台美术设计者的理念来看，是对舞台美术设计产生影响最为主要的一个因素，因为设计理念的优劣直接对舞台美术的设计效果有影响。设计者实施舞台美术设计过程中要能够对艺术表达的内容有一个全面的、理性的认识，将艺术当中所包含的精神及表达的主旨透彻领悟，在此基础上再加入感性的认识从而创造出新的舞台美术设计效果。具体的实践过程中也会存在着诸多的差距，所以设计者的理念对设计效果产生的影响最为重要。另外就是经济环境所产生的影响，科学技术的发展以及经济的发展都会对舞台的美术设计效果产生影响，在加入了新的元素之后就会具有时代的气息，为舞台艺术设计提供了更大的发展空间。而文化差异也是一个重要的因素，由于对民俗民风的不同要求，所以在美术设计过程中要能考虑到文化因素的内容。
2.舞台美术设计的创新发展策略探究
舞台美术设计在现阶段的发展过程中要能够和时代的脚步相一致，要能不断创新发展，这样才能将舞台美术艺术得以持续化。创新要多角度的进行，首先在美术设计的构思深度上进行积极的创新，创造舞台剧情的角色外部形象以及情境是对舞台气氛进行渲染的重要途径，但是从现在的舞台剧来看已经和时展的实际需求不相适应。所以在新的发展背景下要能设计的构思在深度上进一步的加大，将自身的专业优势得到充分发挥，向着深层次的创新迈进，如此才能有效地将舞台美术设计最佳的呈现。新的发展时代涌现了诸多的先进科学技术，而舞台美术的设计也要对这些技术进行有效利用，重要是将舞台美术设计与之相结合，让观众在欣赏舞台艺术的表演过程中能够从视觉上得到舞台美术设计的震撼，这就需要高科技作为依托。通过电脑设计以及对灯光的多样化加以控制，使得光的变化能够呈现出多彩的效果。对科学技术的有效利用就是对舞台表演效果最佳呈现的重要基础，这也是推动舞台美术设计发展的重要动力。当前的舞台美术设计是科学技术的艺术再现以及升华，尤其是电脑的应用普及，使得舞台的光源开始不断的多样化和更新，科技在今后的发展过程中将会成为舞台演出的生命和灵魂。另外就是对舞台美术设计过程中的服装色彩以及灯光色彩的设计创新，舞台表演中的服装是表演人物的第二皮肤，所以要能对服装的色彩设计充分重视，使服装色彩能够很好地烘托演出的气氛以及表达时空和剧情，从而使艺术的形式美得以凸显。对其进行创新设计时，要能结合剧情的发展，从而根据实际进行调整。而灯光色彩的创新则是和时代的展现进行设计，在现阶段的科技发展下，灯光的效果呈现丰富化、多样化，所以要将灯光色彩和舞台表演的情境以及人物相结合，这样能够起到不一样的艺术效果。此外，对舞台美术的设计理念上的创新。事物的发展是从量变开始的，所以这也是质变的前提。对于舞台美术的设计创新也是如此，要能够从思想观念上进行积极的转变，将一些创新思维在实践中进行应用，并能形成新的设计理念。舞台美术设计创新的目的就是能够对人们的精神需求得到满足，所以在这一基础上要能在设计的理念上和时代的发展相结合，在此过程中要能体现出民族传统精神的文化内涵，结合欣赏者的接受能力进行设计，这些创新可能是不完整的或者是局部的创新，但是随着不断的发展进步将能够达到从量到质的变化。对舞台美术的设计创新也是推动舞台表演艺术进步的一个重要途径，故此要能得到全面的重视。
三、结语
（一）光色。
这一要素归根到底是对色彩的运用，在设计上要突出主要光色，其他光色则作为辅助。光色在舞台中最能体现表演者的情感和表演所传达的内容的要素，从而能构建出和谐统一的画面色彩，所以在渲染表演气氛、烘托人物情感、体现剧情时发挥了重要的作用。比如为了展示一支骆驼队在太阳初升之时在一望无际的沙漠上行走，以蓝色为背景色，黄色为主体色彩，当驼队由远到近，灯光的色彩将由弱到强进行调整，给观众视觉上的冲击，这也体现了色强的作用，此时整个舞台的画面是在蓝蓝的天空下，金光闪闪的沙漠，驼队在悠然自在地前行，呈现出一幅美好的景象。
（二）光质。
光质表现在质上，主要分为硬光和软光。硬光，就是能看清楚其照射方向的光，比如聚光灯和追光灯；反之软光就是不能清楚辨别方向的光，比如散射灯。正是由于硬软光的表现不同，所以给观众带来的感受也是截然不同的。一般硬光给人富有阳刚之美的感觉，有强烈的鲜明感受；而软光多半是柔和、淡雅的感觉。但以舞台的不同设计为基础，通过对不同光质的选择也能使得舞台的硬光效果是均匀和理想的，比如使用螺纹和平凹透镜的聚光灯，加上柔光片，也能使硬光变得柔和。
（三）光影。
光影这一要素是直接通过光的手段给观众呈现可视形象的方式，也就是用光来成影，并将影投射到幕布上或是景片上，充分表现舞台剧情的氛围。比如在2008年北京奥运会的开幕仪式上通过LED制造的光影效果和表演密切的结合，幻化出了各种图案，给观众带来一种进入梦幻般的视觉感受。
（四）光位。
光位即舞台灯光照射的位置，它对舞台上人物的情绪、体态或是景物的外形都发挥着重要的作用。比如用光正面照射人物，那么人物给观众呈现的就是比较丰满的形象；如果用侧面的光照射人物，则给观众的感觉是比较消瘦的。这种光位的照射效果也适用于景物，但如果为了追求景物的立体感和质感，还需要结合光强这一要素，所以说在舞台上对光位的应用，要结合其他灯光组成要素。
（五）光区。
光区体现的是一个区域，目的是为了让舞台画面显得更加有层次感和多变感，所以光区有不同的形状和范围，也有区域边界的虚实之分。一般舞台的光区被分为3种区域，一种是突显表演者的区域，一种是显示景物的区域，还有一种是投射到天幕上的区域。但上述分类也只是大致的分类，涉及到具体的舞台灯光光区形式和变化则需要根据具体情况来设计，并运用单灯和多灯的组合，调节光源、镜片或是挡光片等方式来获得效果。
（六）光束。
光束主要是要达到视光柱的效果，比如舞台上林间阳光渗透的光束，太阳升起时的光芒等都是光束营造的效果，将光束应用在歌舞表演中，会增强音乐感。但如果从美术设计角度出发，还要结合具体的灯具、幕布、光强、光色及舞台表演的形象，这样才能给观众带来视觉上的感受。
（七）光的运动。
光的运动就是光在舞台上的转换和变动，为了配合不同舞台剧情的不同要求，可能有的时候需要聚光灯，有的时候需要追光灯或是散射灯，从而使静止的舞台布景或是场景变得生动。
二、灯光舞台美术设计的原则
首先是遵循强度或是亮度的原则，在舞台上必须要有足够的灯光，能让观众看清楚舞台，包括布景的颜色、景物和人物的外形，甚至是需要特别突显的细节部分。其次是遵循分配原则，分配主要是不同灯光射向舞台的方向分配，主灯和辅助灯与舞台中主角、配角、景物的分配，以及亮度和色彩的分配。最后是遵循节奏原则，也就是指光的运动这一要素，保证所选灯具和舞台的剧情发展相融合。
三、结语
色彩是舞台布景中不可缺少的重要调剂手段，通过不同色彩配置方案能营造出各种变幻莫测的视觉效果。它在戏剧舞美设计中的作用有两点：可以描绘生活的真实感及实现对环境情调的塑造；可以表现不同的情感意蕴，以紧扣观众的心弦。舞台美术中的色彩构成是利用色彩属性上色相、明度、纯度的差异，通过对比与调和来完成搭配，并由此产生不同感官的视觉效果。不同的色彩搭配会形成不同的视觉风格，这是由于色彩的冷暖、动静、软硬等视觉差异造成的，依据这些就能通过对色彩的不同配搭来形成高贵与朴素、典雅与明快、隐晦与活泼、粗糙与细腻、甜美与酸涩等诸多形式风格。此外，构成的意义还在于利用色彩的过渡及推移变化形成节奏和韵律感。从总体上看是通过色彩对比突出人物，揭示故事矛盾与冲突，通过调和完成整体风格的呈现。色彩构成在舞台美术中更重要的是对色彩情感心理的刺激作用。众所周知，由于色彩视觉经验带来的色彩心理差异，再加上色彩的冷暖错觉、进退错觉、轻重错觉、膨胀与收缩错觉、华丽与质朴感等，这些都最终会对观众心理产生超越客观的心理传递。当我们将这些视觉感受上对应的色彩方案与人物内心、故事情节、主题宣泄相呼应时，其演出的效应必将会无限地扩大。需要注意的是，在戏剧舞台美术的色彩构成应用中应把握好以下几点：1.舞台色彩的配置应与剧本的体裁风格相吻合；2.主要人物（演员）应用对比的手法来在色彩上凸显；3.为渲染舞台气氛，表现人物情绪波动及情感变化，色彩的变化也应与剧情展开配合；4.应注意人物服饰、化妆与布景、道具、装饰物等之间的色彩层次关系；5.色彩的对比与调和可通过属性改变来完成，也可通过形状、比例、方向等来调节实现。
二、光构成
戈登·克雷：“灯光是舞台上的画笔，灯光是舞台上的灵魂。”没有光就没有所谓的视觉世界，舞台上的一切都得靠光得以呈现，光在舞台上会制造出魔术般的奇幻效果，故舞台灯光对戏剧的整体演出效果起着举足轻重的作用，让鲜活的表演者与没有生命的舞台环境实现了统一，为表演艺术提供了一个灵动流淌的时空。在戏剧舞美设计中设计者可运用不同强弱、色彩、动静的影与光的变化来渲染气氛，刻画人物形象，转换情节时空。其照明作用可分：1.重点照明，意在照亮演员，突出主要人物形象、表情、神态；2.立体照明，呈现舞台的立体感、空间虚实感，为人物建立具有舞台真实性的活动环境；3.层次照明，即用灯光变化来让舞台元素具有主次关系、虚实感、呈现光与色的节奏美；4.装饰照明，主要采用装饰的手段，利用光的强弱、色的变化以及动静转换来进行布光，呈现艺术化的造型效果。如今，观众对戏剧的审美要求今非昔比，对舞台照明也呈现出了动态化需求。需要注意的是，戏剧舞美的布光贵在突出视觉、写实、审美及表现，应符合作品内容要求所需，紧扣思想主题，适合客观场景，而不能单独立足于追求新颖效果。此外，还应注意到现代舞台灯光是把功能各异的数字设备连接在一台电脑上进行统一控制和管理，需要提前预设。
三、对比构成
“有比较才有鉴别”，对比指的是形象与形象之间、形象本身各局部之间因比较得出的差异，在艺术创造上是一种相对自由的构成形式。戏剧都可通过这种手法将对立的好与坏、善与恶、美与丑揭示出来，创造鲜明的形象和强烈的感受。此外，在舞台美术形式感上也可通过形象间的大小、疏密、动静、虚实等的对比，突出视觉焦点，强化戏剧冲突，合理分配布景结构，引导观众视线等。对比运用在戏剧舞台上会产生肯定、明朗、强烈的视觉效果。这种手法可充分显示人与人、人与物、物与物之间的矛盾，突出戏剧冲突，揭示作品的本质，起到了强化作品的艺术效果和感染力的作用。在舞台置景上可通过方向对比、空间对比、动静对比、位置对比、聚散对比、大小对比、色彩对比等诸多方式来实现，关键在于巧妙处理好各部分间的比列关系。而在对比中创造一种协调、简洁、鲜活、生动的形式感，就需要针对不同的戏剧主题，将现有的环境和条件进行合理的再配置。爱德蒙·琼斯指出“舞台设计是诗人的工作。”对比构成在舞台美术中的运用就是要让舞台视觉形式诗意化。为此，设计者不能让构成法则作为固有模式存在，而应善于根据创作需要灵活运用。需要注意的是，戏剧舞台美术设计不能过多放纵于激情，而要把感性深藏于严谨的设计过程中，通过视觉化的对比意识来表现角色精神世界深层的活动。总的来说，要想运用对比手法为戏剧的境界和氛围带来节目内涵的提升，并由此产生一种焕然一新的吸引效应，就需要设计者敢于突破常规，运用一切艺术、科技、材料手段来巧妙、合理地制造震撼心灵的对比效应，以征服观众。
四、材料构成
舞台上的所有形态总是要通过材料来实现，因此材料的研究与使用就成为了研究舞台布景的重要课题。现代科技的发展为舞台设计与制作提供了更多的材料和技术选择，通过对材料性质、加工方法及造型三者的关系分析来选择材料应用与搭配，就能产生与主题及情节相呼应的审美感受和心理联想，让材料塑造的形象实现由外在到内在的升华，由描绘物质转到描绘精神，使之具有精神意味。材料构成就是要深入研究各种材料的材质、性能、形状及采用不同的加工手段后创作出的形象在视觉心理上产生的不同效应。需要强调的是，要打破常规的研究材料造型的各种可能性，以追求创新的在色彩、形状、肌理及强度、加工性能上可开拓的灵感。即便是司空见惯的材料我们也可通过打破重组，寻找新的形式、新的语意。同时，在科学技术水平飞速发展的前提下，那些电脑超导、激光等新技术会给舞台艺术增添新的活力，这都需要我们着意去尝试。总的来说，在研究中要重视材料的分类、材料艺术语意的挖掘、新材料的开拓与创新。一定材料应与一定造型相匹配，恰当的材料选择对作品表现有着事半功倍的效果。爱因斯坦说过：“知识与想象力的乘积等于创造力。”舞台美术设计中设计者要将材料作为语言来探索，强化人与材料、环境的互动体验，利用大胆想象为舞台开创全新的视觉盛宴。高科技材料的应用为演员和观众的思想沟通与共鸣提供了更有效的形式语言，但需注意的是舞台从属的艺术设计本质是不能改变的，即一切材料语言应根据内容与戏剧主题所需时空要素保持一致，通过对情节的呼应、烘托、比照来带动观众的情绪和想象力，以达到“诗画交融”的境界。
五、结语
从当前国内动画来看多数动画都受到了传统文化、民族精神的影响，同时也受到了外来文化的影响，在这些影响元素的综合作用下使得国内动画设计风格呈现了多元化特征。相对于日美动画而言显然国内的动画产业链依然处于发展状态，并且日美动画确实存在着很多地方值得中国动画借鉴，但是过分借鉴就产生了严重的模仿现象，这就使得本土动画缺失了原有的中国元素导致整个动画看上去更像是日美动漫，但从动画剧情以及其他方面来看，其制作精良度又不如日美动漫，最终这些动画还是湮没在日美动画当中。基于以上所述也可以看出中国动画美术设计在世界动画的充斥下失去了自己的方向。事实上很多具有代表性的中国元素在动画美术设计当中都可以充分利用，以水墨元素来说，将水墨元素与动画结合起来而生成的水墨风格无疑是最为典型的中风格代表之一[3]。水墨风格相对于传统动画风格而言少了一分形，多了一分意，营造了一种潇洒、自由、随行的意境，其中又折线现了中国传统美学思想。水墨风格动画美术设计的创新同时也是文化精髓的传承。作为一个文化大国，国内动画发展有着得天独厚的我文化底蕴，若要促进我国动画美术设计水平的提升，形成具有特色的“中国风”动画美术设计风格就需要将上述元素充分利用。为了让动画设计风格更为饱满首先就需要将传统元素与现代元素充分结合起来，仅仅是单方面的发展显然是不可行的。在实际动画设计中为了突出个性化风格就需要汲取传统文化精髓，并做到“扬长避短”，同时将现代元素充斥其中，这样不仅仅达到了传承民族文化的目的，也迎合了现代人的审美观，在现代元素与传统元素碰撞融合的过程中对动画创作、动画美术设计也注入了新的活力，让其发展到新的高度。
二、动画设计当中流行元素的重要作用
流行元素作为潮流前线代表将时代的特征反应的淋漓尽致，将这些元素融入到动画美术设计当中将能够让动画更加贴合时代背景，与现实生活关联起来。当然流行元素的使用需要依托与人文精神才能彰显其独特的一面，在优秀的动画美术作品当中掺入这种元素会让受众的审美观得到更新，甚至对潮流的发展方向产生引导作用，其影响力是不不言而喻的。在多媒体技术以及计算机技术的发展下为动画美术设计提供了良好的技术平台基础，正是由于在这些技术的作用下使得动画美术设计突破了传统创作模式的束缚，并产生了新型的创作风格，为动画美术设计注入了新的活力。
三、结语
1.学生文化水平、美术专业基础差别较大
针对于艺术类专业高考热，中等职业教育美术设计专业在前些年招生困难，大部分热爱美术的学生都选择高考入大学，选择职业学校的少之又少，近两年来美术设计专业招生形势才有好转。其中一部分是有着美术功底、文化课等基础课极差的学生；另一部分是没有美术功底，喜爱美术的学生。在就读美术设计专业后，其文化基础、专业基础的不等造成美术教学的诸多困扰。
2.美术设计教育的培养方式与市场需求错位
中国制造业的强大是急需美术设计人员的，在国际市场上，中国制造的产品最缺乏的就是创意设计和自己的知名品牌，优秀设计人员的缺口急需得到补充。一方面，企业需要大量的各种不同专业方向、不同层次的设计人才，另一方面美术设计专业的热潮兴盛不衰，每年培养的专业学生大部分却拥挤在广告、包装、室内设计等以装饰为主的服务行业中，一些制造产业急需的设计专业如家电、家具、玩具、珠宝首饰等却不见一席之地。
3.课程设置及师资结构不合理
中职美术设计专业由于多年来受到高职、大学的打压，未能形成成熟的美术课程体系，针对中职教育学生培养目标，设置适合中职学生的专业课程。很多学校授课方式还是以绘画或美术基础为主，加上工艺与简单的设计课程，大部分都在“画设计”，而对设计艺术相关知识了解不多，更缺乏对现代设计艺术的本质认识。另外，师资结构不合理，美术设计专业的课程绝对不是简单的以绘画基础加设计或工艺课程，更需要一些相关专业的渗透，如广告设计需要有市场营销、消费心理学等师资，但是大部分学校依然是设计专业教师教学，难以达到理想的教学效果。
二、中职美术设计专业“校企合作、工学结合”人才培养的现状
“校企合作、工学结合”是职业教育办学的重要形式，是职业学校提高教育质量、增进办学效益、办出特色的基石，是职业教育的本质特征，是职业教育应当遵循的人才培养模式。工学结合的实质是工作与学习相结合，学习内容与工作内容一致，在专业学习的过程中完成职业化的基本训练，这种训练的基本方法是“教学做”一体化。校企合作是实现工学结合教育的重要手段和基本途径，其实质是强调学校与企业共性沟通、互通有无、互帮互助，实现共赢（社会效益和经济效益的整体共赢）。中职美术专业校企合作、工学结合人才培养方面存在的问题和影响因素主要有以下几个方面：
1.企业积极性不高、认识不到位
当前中职学校在与企业的合作中是“校企合作、工学结合”的组织者、策划者和主要的实施者，受益者主要是学校和学生，多数企业没能直接受益，这是企业在校企合作中积极性不高的主要原因。美术专业没有找到更合适的合作方式让企业觉得有利可图，更无法让企业愿意合作。很多企业普遍认为教育和培养人才是学校单方面的责任和义务，企业没有对教育投入的责任。而且企业对美术设计的用人没有向一线工人那么大的用人量，合作起来比较麻烦，学校没有给企业动力。
2.缺乏有效的校企合作保障机制
国家虽然大力推行工学结合、校企合作的培养模式，建立企业接收职业学校学生实习的制度，做好学生实习中的劳动保护、安全等工作，但对企业的约束并不大，表现为学校“热”，企业“凉”，这是校企合作、工学结合教育模式在推行过程中，遇到的最大的难题。
3.中职学校自身存在的问题
（1）实训基地建设条件距工学结合的教学要求还有较大差距。由于中职美术设计招生能力决定学校再美术设计专业的投入一般不会很大，导致实习实训基地设备不足，“教学做”一体化专业教学实现不充分。（2）教学管理不适应“校企合作、工学结合”的要求。正因为校企合作不深入，无法形成有效机制，使得中职美术专业教学管理无法满足要求，不能做到在教学管理运行中，有行业企业的参与，工学交替进行，工学衔接合理。
三、中职美术设计专业开展校企合作的建议
1.与企业建立长效合作机制
美术设计专业要找到校企合作的突破口，与企业建立长效合作机制。例如，在校内成立设计工作室，帮助企业设计宣传册、广告单、包装等等，为企业带来直接的经济效益，学校以低廉的收费优质的服务成为企业的好助手，吸引企业与其合作。
2.加强学校与企业的沟通与交流
学校应加入到设计行业活动中去，多邀请美术行业、相关企业的专家来校讲座，让美术设计的学生对设计有更本质的认识，要有认同感。中职学生见识不高，心智不够成熟，多与专家交流、学习，才会有更深刻的感受。企业通过与学生的沟通，会更了解学生，从而能够参与到学校的美术专业建设中来，让专业了解企业的用人需求，确定美术设计专业的培养目标。
3.建立有效的监督管理机制
美术学生就业特点是比较分散，难以管理。学校必须有较为完善成熟的监督管理机制，有严格的考核办法和管理机构，让企业对用人放心，学生呆得住，干的好，能成长，才会吸引企业对学生的关注，进而加深校企合作。
4.良好的师资队伍
学校的美术设计专业教师，都应是有企业工作经验的人，不但可以从校企合作中通过实习实践对实际工作有更深刻的认识，更可以帮助企业从事一些培训、设计工作，为企业服务。而企业的资深设计人员也可以到学校讲学，将工作经验和工作方法教给学生。这样的师资队伍构成，将会为美术涉及学生的人才培养奠定良好的基础。
5.建设实训、实习基地
设计等多种因素的综合概念，是杂技及其他演出艺术中除表演以外的各种造型因素的统称。舞台设计由布景、灯光、化妆、音乐、服装、道具等成分及其由空间、形状、质感、活动、光色等因素所构成的空间与时间的综合体。舞美设计是为杂技演员表演和剧本服务的，一个好的杂技舞美设计家的设计理念是：布景——杂技演员——观众——剧本是一个整体。其任务是根据剧本的内容和演出要求，在导演统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段，设计和创造出杂技表演中背景环境和角色的外部形象，用以渲染舞台气氛，塑造杂技人物形象，揭示杂技主题（如下图表）。如果说杂技表演是一朵鲜花，那么舞美设计无疑就是鲜花上的绿叶，它们相互交融、相互依托，并形成以多部门所组成的庞大的艺术综合体。可见舞美设计在杂技创作表演中独特的重要性。俗话说舞台美术为“眼睛的音乐”，带有浓重的感彩。它并非独立的“画”，而是作为杂技综合艺术中的有机组成部分而存在；它必须有利于揭示杂技的主题、为在舞台上塑造鲜明的人物形象这个总目标服务。
二、现代舞美设计与传统舞美设计的运用比对
1.在每场杂技的开演之时，映入观众眼帘的首先就是杂技演出的布景，它如同人的外形和面孔一样，会给观众留下深刻的第一印象，它通过线条、色彩、明暗、透视等形象造型手段，为杂技演员的舞台创作提供逼似生活的表演空间。它对于刻画杂技人物、烘托杂技主题都起着极其重要的作用。
2.传统杂技舞美设计在设计服装、妆容造型、道具的选取制作时注重的是突显民族风格和角色塑造。如杂技《古彩戏法》《中华魂》《顶碗》的服装显出是质朴、浓郁的民族象征特色；当然在现代杂技舞美设计里，也应遵循承接基本的杂技舞美制作规律，但是，现代杂技舞美设计立足于基本的舞美美学要求之上，更多地是突出其艺术性，大胆创新，为杂技作品的编排插上想象的翅膀，帮助演员们进行杂技造型和杂技动作的延伸。杂技道具的制作也是杂技舞美的重要部分，例如我主演的《高车踢碗》节目，当把一个个不锈钢的碗踢进头顶的底碗中，因为碗与碗都是钢制的，非常容易进去后还会弹出来，造成演出的失误，所以必须在道具上做些设计，在碗的内部添加薄海绵以起到缓冲的作用，然后再垫上防滑的胶布这样就可以最大程度上减少失误。而服装是杂技表演中非常重要的组成部分，它是杂技物质载体的延展。现代杂技舞美设计在对服装进行设计时，还能花些小心思，使服装具备多样性和多变性，使杂技作品的独特性更具表现力。
维吾尔族民间杂技作品《达瓦孜》堪称中国一绝，导演运用了大量的维族杂技中极具代表性的旋转技巧，作为该杂技的主要动态语汇来表现。在服装设计的考虑上对尺度进行大胆改进，制作了360度的大裙摆，远远超出传统的维族服装的幅度。这是顺应了杂技舞美设计表演效果的处理，表达了表演者心中浓郁而强烈的情感，凸显了“旋转”的象征意义。现代杂技的合理运用能深化舞蹈舞美设计主题的内在意蕴，扩展了传统杂技的表现能力，融合了音乐、舞蹈和舞美的综合表现因素，为现代杂技作品在创编、设计、表演、审美和评价等方面营造了更为广阔的空间与容量。
三、舞台杂技表演美术设计的特性
1.舞台设计起源于古希腊喜剧演出中的中色布景，现已形成平面画景、装饰性布景到演员动作有机结合的立体装置布景，再到在舞台上体现了时间的因素，它成为了一个运动着的时间、空间与意义的综合体。舞台美术设计特有的形象语言能很好地表达剧作的内涵，属于杂技表演外的二度创作艺术。舞台美术创作源于生活，但又须以剧中人物、事件和规定情景为依据，并须与总导演的创作意图相协调。
2.舞台艺术应从属于杂技表演艺术。舞台艺术的中心是表演艺术，景物不能脱离表演自我炫耀，而现代舞台美术则融入和加强了演员的表演，从而使人物形象更加鲜明。
3.舞台美术设计.既是空间艺术又是时间艺术。在人物与景物造型方面无不具有空间特性。首先人物造型是依附于三维的演员身上，而景物造型则为演员表演提供必要的空间环境，景片平台、道具等皆需占有空间。在演出的全过程中，时间在不断流动变换，人物造型也随角色行动而变化。人物景物皆随着剧情发展而显示出时间的推移。
4.舞台美术设计具有综合性，本身是有布景、灯光、音乐、化妆、服装等诸多造型因素的综合体，它们之间既有分工，又相互关联，形成一个不可分割的艺术整体。
5.舞台美术设计技术性较强，舞台形象要依靠多种先进的技术手段才能体现出来，因此他的发展历来与多元化高科技技术紧密相关。
儿童剧的舞台美术设计应该从儿童心理和剧情出发，除了尽可能鲜明的色彩和可爱的形象外，更应该给孩子营造想象空间，现代社会信息量大，儿童剧的设计元素不能老停留在鲜花、蘑菇、太阳等图片的拼凑上，应当从剧情中寻找适合儿童的造型元素来进行设计，搭建一个符合儿童审美情趣的舞台空间。儿童剧舞美设计无需考虑流派、风格等问题，只要是营造了符合剧情又能引发儿童无限想象的舞台梦幻空间就是成功的儿童剧舞台美术设计。
二、儿童剧舞台美术设计的视觉吸引
儿童剧顾名思义她的观众就是儿童，儿童的好奇心强、注意力容易发生转移，这就涉及到儿童剧舞台美术的视觉吸引问题。儿童剧的舞美设计在创作过程中必须具有丰富的想象力，创作出极富视觉效果的舞台形象和舞台空间，让舞台充满神奇和幻想，才能紧紧吸引儿童的眼球，
1、儿童剧舞美设计的色彩运用
儿童剧舞美设计在色彩运用上要充分考虑儿童的心理，他们是相对简单的、感性的、活泼的。所以我们在色彩上要尽量丰富、尽量鲜艳，这样才能符合儿童的心理并为他们所接受。如果在色彩运用上过于灰暗、过于单一就会给小孩一种压抑的感受，引不起孩子的兴奋，小孩不兴奋在剧场就会坐不住。所以一部儿童剧给小孩的第一印象是非常重要的，而这个第一印象就来自视觉、来自舞美效果。
2、儿童剧舞美设计构图的饱满性
舞台美术设计构图不是绘画概念上的平面构图，而是立体的、三维的构图，要充分考虑舞台的立体空间，作为儿童剧的舞美设计不能等同于其他人戏的舞美设计，他们的观众群体不一样，成人戏剧的舞美可以简约、抽象，像京剧一桌两椅也可以把整台戏演下来。而儿童剧则不同，应该尽量饱满、夸张，这个可以参考儿童画，儿童画一般都是构图饱满，造型夸张，充满童趣，而不会像国画那样大量留白，所以我们做儿童剧舞美设计的时候在考虑剧情的情况下尽量做到构图饱满，造型夸张、具有童趣。
3、儿童剧舞美设计和灯光的关系
舞台美术设计和舞台灯光有着密不可分的关系，随着科技的进步，舞台灯光种类越来越多，科技含量也越来越高，比起传统的舞台灯光已经有了质的变化，能带给观众更好的视觉享受。我们在做舞美设计的时候一定要考虑灯光，舞美是灯光的载体，没有载体再好的灯光也没有办法发挥，儿童剧舞美的造型既要夸张、有童趣也要考虑受光后的效果。同时随着科技的发展，用于舞美制作的材料越来越多，我们在选材上也要考虑灯光，因为有的材料吸光，有的反光，这些都是要有机结合的，舞美和灯光结合好了就能让整剧增色不少。
三、总结
拼贴式的美术设计在实质上受到了后现代主义文学思潮的影响，这种美术设计可以包含通俗与时尚、反讽与戏谑、趣味与激情等于一体，在对历史的模仿与调侃中获得一种新的审美形态。首先，对历史的模仿与调侃。这种美术设计其实就是借鉴历史或原有电影中出现过的场景，并对这些场景进行模仿，但是这种模仿不仅仅是单纯的借鉴，而是在模仿中增加了调侃性与戏谑性，通过这样的美术设计使得影片具有一种内在幽默感和荒诞式的游戏感，但影片本身却不是粗糙低下的，而是在一种厚重感中体现出了反庄重、反严肃的一种审美精神。如周星驰的影片《功夫》，这部影片坚持了周星驰一贯的夸张、无厘头、好笑的风格，在幽默戏谑中表现了对中国武文化的敬仰之情。这部影片中的许多美术设计就是拼贴式的，从这部影片中我们可以看到美术模仿了好莱坞经典电影、香港漫画以及日本漫画。影片的故事背景发生在20世纪40年代的上海，但是电影中的场景设计却努力营造出20世纪70年代的情怀，这种场景设计明显模仿了电影《马永贞》，而且影片中的多处空间设计造型都充满了日本游戏和漫画的味道，阿星打劫哑女的造型则模仿了电影《乱世佳人》的海报等。这种美式设计形态不是抄袭，而是在颠覆传统经典的同时表达出一种深刻的主题寓意。其次，超现实主义随意拼贴。电影美术设计具有开放性，美术设计者可以充分发挥选择性，不断进行不同常态的随意拼接。如贾樟柯的影片《三峡好人》，主要讲述了煤矿工人韩三明和护士沈红从山西来到重庆奉节，分别寻找自己的妻子与丈夫。这部影片虽然是一部剧情片，但是贾樟柯却运用了许多超现实主义元素，让这种超现实主义镜头承载现实生活中的沉重与无奈。影片中出现了三峡树型纪念塔尾楼的飞走和天空中出现神秘飞行物的场面，这两个超现实主义场景的穿插充分体现了贾樟柯本人的意愿和表现方式的随意性，并且影片出现了大量地戏谑手法，这些戏谑手法大量的穿插在写实的叙事空间中，写实与随意戏谑没有统一的使用规则，完全是贾樟柯自己的直觉进行处理，他在戏谑中将苦难现实性与荒诞不稽超现实主义相结合。这种美术设计审美形态没有什么创作规则，却可以在出其不意中对传统的美术设计进行革新，在变化游戏戏谑味中创造出一种新的审美形态。
二、混杂式的审美形态
电影美术设计本身包含着许多审美元素，这些元素既可以包括东方的元素，也可以是西方元素;既可以是时尚的元素，也可以是复古的元素;既可以是古典元素，也可以是现代元素，这些元素都可以在美术设计中相互融合，共同表现电影的整体风格。首先，双重译码。双重译码的美术设计实质上体现了矛盾的二元论，也就是美术设计中的元素看上去是相互矛盾不可调和的，但是从深层次上讲，两者又是可以调和兼容的，就像矛盾本身一样，既相互斗争，又相互转换包容。这种美术设计就好像古典文化与现代形式的结合，商业模式与精英文化的结合，但是通过美术设计的剪切、混合、抽象等手段就可以相互贯通，进而相互融合，在矛盾性、复杂性中找到统一性与和谐性。如张艺谋的电影《英雄》，这部电影本身就是商业气息与古典文化的相互结合，并且在色彩的运用上也体现出了这种双重译码的审美形态，色彩运用上既包括了西方心理学意义上色彩，也包括了中国古代“五行”色彩的内涵意义，这种双重理论上的色彩在相互矛盾中又相互结合，这样就可以在视觉上给我们带来强烈的视觉冲击，并且可以让我们对东西方文化底蕴进行深入的思考。影片《绿茶》中的美术设计也充满了现代意识，将人物与字体进行结合，也充分地显示出了双重译码的审美形态。其次，中西结合。众所周知，中国文化与西方文化存在着很大的差异，这就决定了东西方的电影在美术设计上也同样存在着巨大的差别，但是这种差别并不能限制电影美术设计，这种差异反而为美术设计者提供了巨大的想象空间和创作平台，中西结合的美术设计更能体现出丰富的美学思想。电影《夜宴》就是这方面的典型，这部电影的美术设计师叶锦添就把影片的风格打造成了东西结合的美术设计形态，影片中兼顾东西文化，将古典与前卫结合，为此叶锦添打造了许多宏大的场景，大大丰富了国产电影的视觉效果。影片中最让笔者过目不忘的就是宫殿场景，影片中的宫殿都是非常华丽恢弘的，与西方戏剧中的宫殿比较类似，特别是莎士比亚戏剧中的宫殿场景，但宫殿总体造型上的风格却是中国式的，影片中有东方式的园林和舞台。在叶锦添的设计中，这些宫殿虽然宏伟华丽，但是总体上的色调是阴暗的，体现出了剧中人物悲剧的命运，进而烘托出影片整体上的悲凉哀伤气氛。在东西结合的美术设计中我们可以感受到东方的意境美，也可以感受到西方的现代表现手法，除了这部电影，《无间道》《双雄》《新警察故事》的美术设计都是这种中西合璧式。
三、虚拟式的审美形态
随着电影技术的不断发展，电影的美术设计与科技之间的结合也越来越密切，电影中的美术设计将数字技术美学与传统美术设计相结合，随着CG技术的广泛使用，真实存在的布景被绿幕所取代，因而设计师更可以天马行空、无所顾忌地进行美术设计。首先，数字特效的应用。这种特效在美术中的应用源于电影二维影像的基本特征，电影向我们展示了生活中的各种场景和各种人物关系，这些都必须通过视觉画面向我们呈现出来，但是这些其中有的是真的，有些则是假的，这种视觉上的假象性是数字技术产生的前提。随着数字技术在电影中的应用，电影美术设计的方法越来越多样化，通过模型以及电脑的合成等手段大大改变了美术设计传统单一的表现手法，同时数字技术的介入也使得美术设计超越了传统的物质空间，即以表现传统物质空间的美术审美形态得到超越，数字技术更多的是再现物质世界的客观真实，表现丰富真实的主观世界，这种美术审美形态是传统的美术设计无法企及的。这种数字技术在魔幻商业片的运用较为广泛，它补充、拓展了传统美术设计的表现方面和艺术功能。美国的好莱坞一直是电影技术发展的前沿，数字技术首先在好莱坞的电影中得到运用，如《霍比特人》《侏罗纪世界》等。其次，国产的许多电影中也运用了数字技术，这大大拓展了国产影片的视觉表现力，同时也改变了我国传统电影的制作观念和美术设计思维，进而使得国产影片的艺术表现力和美学表现得到强化。《西游记之大闹天宫》是一部真人版魔幻动作IMAX－3D电影，这部影片就运用了数字技术，通过数字特效营造出了宏达壮阔的打斗场面和无与伦比的天上仙境，将奇幻冒险故事与波澜壮阔的场景呈现到了我们面前。电影中有许多虚拟的空间场景，这些都是通过数字特效完成的，进而使得整部影片的美术设计增加了虚拟的力度，虚拟的视觉画面取代了实体的场景造型，在这种虚拟的画面场景中，观众得到了视觉上的感官体验以及精神享受，这些体现在传统的美术设计中是无法体验到的。3D技术还将传统的平面空间变为立体空间，使影片获得了新的审美空间维度性。所以影片的视觉效果得到影片制作者和观众的重视。
四、结语
