时间：2023-08-04 16:59:13
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关键词：中国当代；油画艺术；卡通化风格
一、中国油画艺术卡通化的形成发展
首先对于油画这一画种的前身可追溯到十五世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经过“画家之父”的改良而诞生。从十八世纪开始，油画艺术在社会文化多方面因素的冲击下发生了翻天覆地的变化，发展为多种绘画流派。不同时期的油画受不同时代艺术思想的制约，呈现出不同的面貌特征。直至今日，油画的发展已经过古典、近代、现代几个阶段，中国油画在此经历了历史性的考验，艺术新潮诞生在文化革命带来的深层危机感中的“85思潮”，青年画家大胆的从西方现代艺术中寻求新的血液，将接收到的新观念融入到本土语言，从而为中国美术界的发展带来新的生机。由于“卡通”自身具有一目了然、简单易于理解的优势特性，因而新世纪迅速风行于人群之中。从“卡通一代”到“新卡通一代”的发展，卡通动漫的独特造型个性影响着当下年轻人的思维方式及审美，卡通元素被一些青年艺术家乐于应用到油画创作中去，通过油画的形式主观表现自己的精神情感世界，创作表现手法打破了传统的绘画形式，形成油画的新面貌，这也是时展所需要的。当前类卡通油画艺术家作品加入很多有趣的元素，时常加入超现实主义情节。随着时展作品内涵不同于以往大部分仅仅停留在图像绘画表层的“卡通式”绘画，或者是单纯追求画面风格表现的个性夸张，具有一定的深度。作品内涵丰富，能够反映当代社会存在的一些价值观。
二、中国油画卡通化风格的主要表现特征
卡通油画运用多种艺术表现形式创造出一批优秀新颖的艺术作品，画面内容具有夸张、奇幻、荒诞等视觉冲击力，独特的画面风格引领时尚，深受当下年轻人的喜爱。艺术家通过对卡通油画内容进行高度概括，减少表现对象的一些辅助细节以强化突出重点主体部分，并且所绘对象的造型上也不拘于严谨的比例关系，如人物的绘制会采用夸张和变形，画面不会面面俱到但看起来更加随性，不同以往的表达方式也随即吸引和扩大了欣赏群体们的审美视野。针对画面的色彩运用也做了进一步的提炼，多数卡通油画创作会采用大面积色块，甚至是纯色，色彩不会一成不变的按照写生的色彩明暗冷暖关系进行创作，用色大胆却又不失和谐，再结合平涂的绘画表现技法，使画面整体看起来更加简洁与平面化，增强画面的张力。色彩的饱和对比以及平涂的绘画手法形成了卡通油画中的显著特征。卡通油画与流行艺术是关系是密不可分的，流行艺术即波普艺术，它萌发于英国，五十年代在美国达到鼎盛，它的出现拉近了艺术与大众的距离。美国波普艺术核心人物之一的罗伊利希藤斯坦成功地将带有卡通漫画元素的绘画作品展示在美术馆中，在推广美国艺术运动中起到了领导作用，这也使卡通油画表现具有波普性的表现特征。卡通风格油画的色彩大多鲜艳明快，画面作品表达具有超现实主义色彩，大面积使用对比色也同样属于波普艺术的标志性色彩应用特征。作品不拘束于具体的形式，画面大胆且富于想象，因其夺人眼球的独特性给观众带来了不同以往的视觉体验。艺术家们通过“挪用策略”，即绘画中的挪用手段来进行艺术创作，使其作品独具个性，这也是后现代时期诞生的波普艺术里最常用的表现手法。卡通油画所表达的主题多数与艺术家自身的情感世界相关，经历过“卡通一代”到“新卡通一代”的艺术家们属于生活在卡通文化下的新一代人们，动漫影视、漫画书籍等一系列偏向娱乐方式吸引了他们浓厚的兴趣，虽然不同年龄段喜爱的卡通时代角色等有所区别。作为九零后的我来说同样是在这一时代下成长起来，能够深刻感受到卡通给予自己带来的积极影响举足轻重，开拓了自身的创意思维，同样年轻艺术家们也将油画注意力从最初所关注的政治题材进而转移到当下现实生活和自身的精神感受，在卡通文化新颖活泼的环境感染下，进行卡通油画的绘画创作，以此来表达自己对生活的独到感受，亦是一种现实的娱乐或是非现实空间的幻想。
关键词：印象画派 题材 笔触 光 色
印象画派的发展经历了三个阶段，其艺术特征也在不断变化。我们只有从历史的角度看待印象派的发展，才能动态地把握印象画派的艺术特征及独特规律。印象画派与传统绘画相比，其特点主要表现在绘画的取材、表现笔法、色彩运用、情感表现等方面。
第一章 印象画派描绘客观世界的真实性
印象派绘画的题材都是他们本人实际生活的世界，也就是他们所熟悉的场面、人物和风景。在古典主义绘画的传统中，现实生活并不是绘画描绘的对象，只有宗教、神话和历史题材才能保证艺术的高雅。但印象派主义者们反对传统的学院派题材，热衷于描绘喧闹而繁华的现代生活。也许正是瞬息万变的现代生活为他们的绘画观念的实施提供了一个恰切的载体，火车的轰鸣、蒸汽的升腾、19世纪的酒吧、时髦的赛马场、现代绅士和淑女漫步的树林，所有现代生活的片段都可以成为他们笔下的题材。对于印象派绘画者来，绘画不再承载道德说教的任务，而只是快乐单纯地享受来自周围视觉景象的快乐，充分体现了艺术作品的内容来源艺术家对生活的认识和理解，是艺术家与人生、社会进行精神交往的中介。
印象派画家力求用从一种全新的角度去审视对象，古典艺术关注神话、战争和历史题材，讲究构图及场面宏大舞台戏剧化效果富有文学性，而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根据自己的喜好和审美要求对画面构图进行随意剪裁。这种似乎漫不经心的构图与传统的舞台样式的构图相比，要自然生动多了。印象派画家重写生，重实践，他们大多在户外描绘外光和大自然的瞬息变化，常常在很短的时间内完成，笔触奔放而果断。他们的画，不论是即兴写生还是记忆创作， 有一种一气呵成、不求甚了和随意的特点，有一种未完成的完整性。
第二章 印象画派笔触的独特运用
印象派画家们为了达到他们理想中的绘画效果，十分讲究艺术形式，相应的采取一些新的、特殊的技法。既要表现瞬间印象，又要求色调鲜明，就必须把颜料蘸得厚厚地、以明显的、有节奏感的笔触描绘，因而形成一种宜远看的油画。如印象派的风景画、印象派的油画人物近看也是只见红绿斑烂的美，五色杂陈，站远一看，却让人感到那时阳光照耀下的真实景象和真实肤色。还有那些近看粗率零乱的笔触，远看才知道这些笔道原来粗而不乱，能很好的表现出物体的凹凸起伏和远近疏密。
印象派的色彩有浓有淡，有暖有冷，配合有强烈的对比，也有柔和的协调。莫奈是印象派画家中最具代表性的画家。他对风景题材兴趣极浓，喜欢用不透明的色彩描绘光，配以明亮而纯粹的蓝、红、黄等鲜明的色调，并用短而小的笔触点到画布上，产生一种富有生气的光的颤动效果。所以，他的画面最吸引人的便是绚丽的色彩和颤动的阳光感。莫奈和雷诺阿他们两人都采取长短不齐的逗点状笔触，这些色点的笔触能够再现他们所向往的阳光的气氛，成为印象派画家色彩实验的一种造型因素。他们在理论上证实：色彩本身不存在于物体，只是光作用的缘故。所以他们将含有光的纯色不经过调色直接在画布上作画，去尝试一种视觉上的空间混合。
第三章 印象派绘画的色彩表现形式
从世界美术史的角度来看，你就会发现在印象派绘画这个部分，尤其色彩鲜艳和斑斓，而之前的绘画几乎是清一色的棕色调子，尽管有些许跳动的色彩，但都没有印象派绘画那么强烈。在印象派之前的色彩与线条之争，也就是浪漫主义与古典主义之争，就说明色彩在向古典艺术进行了挑战。
印象派画家对于色彩的理解和处理，他们认为色彩的根源在于光。他们之所以能够真实地表现大自然丰富微妙的光色变化，是由于他们打破了固有色这个旧观念的理解。通过抓住瞬间的感受，为了充分表明自然景物在阳光照耀下的鲜明色彩，他们基本上按照三棱镜分析的光谱色（红、橙、黄、绿、青、蓝、紫）选用颜料，而摈弃赭、褐、黑等色。在需要表现这三种色彩或其他复杂的色彩时，则以上几种色彩在画面上错综罗列而取得种种鲜明的效果。印象派认为投影是物体颜色的各种补色，点彩派的画家们又发现了补色关系，于是他们开始研究怎样完全用纯补色构成一幅画。他们摒弃了色块和线条，画面上都是用纯色点并置，并通过人的视觉产生一种空间的混合，来完成作品的创作，这些作品色调都很明亮。为了得到更辉煌更强烈的色彩，印象派画家在调色板上索性去掉了黑色，减弱明暗之间的对比而代之以色彩的对比。印象派画家通过对光和色彩关系的研究，依靠自己眼睛的观察去再现对象的光和色在视觉中造成的印象，从而在把握色彩方面完成了一次伟大的革命：摒弃传统固有色，表现客观世界中真实的色彩关系。
结束语
印象派不仅是对于法国美术，更是对全国美术有着广泛和深刻的影响。印象画家在光的探索和色彩的表现上又极其重大的贡献，特别是对自然景观的阳光感、色彩感的表现上，达到了强所未有的水平，从而丰富和扩大了绘画的表现技能，解决了前代画家不曾解决的问题。印象派画家反对学院派画家在室内作画的方式，强调对真实自然景色的实地写生，使画面具有清新生动明快的感觉。印象派绘画在创作题材、创作理念、艺术思想和色彩技法等方面都极大地影响到中国当代美术的发展。印象派画家以其广阔的艺术视野，在相互影响、借鉴、冲撞和激励之中叩响了当代中国绘画艺术之门，洞开了我们的艺术思维，为中国油画艺术走向世界起到推波助澜的作用。
参考文献：
[1]约翰·雷华德.印象派绘画史[M].人民美术出版社，1983.
[2]张坚，编.写实主义与印象派时代——马奈、莫奈、雷诺阿[M].暨南大学出版社，2002.
[3]余丁.欧洲19世纪美术[M].中国人民大学出版，2004.
西方现代绘画自19世纪末20世纪初才将抽象的表达手段着重加入绘画艺术中，维亚尔的绘画艺术时期则处在这个过渡阶段中。在现代绘画中，重要的不是写实的逼真性，而是应该感受到作品带给我们内心的启迪与灵感。另外，视觉艺术的语言众多，蕴含着丰富的含义，如，透视、明暗及点线面的欣赏规律。我们不妨创造一种情境，改变欣赏角度，赋予现代绘画新的解读方式。
一、解读绘画艺术的“现代性”
（一）现代绘画艺术产生初期
绘画艺术是一种与创作者个人特点、所处背景环境密不可分的艺术形式。我们通过绘画作品经常可以解读创作者的个性、思想与生本文由收集整理活状态。在现代社会的背景下，绘画艺术形成独具的艺术风格。而处于现代社会的我们，若是想从真正意义上使艺术创作能跟上时代的步伐，就必须不断加强理论的学习，了解现代思想观念。
要研究某一时间段内油画艺术的特点就必须从研究画家开始，维亚尔则是具有代表性的人物之一，他在现代绘画艺术的发展中起到了承上启下的过渡作用。在西方艺术所有的形式中，印象主义与现代主义最接近，它从根本上打破了传统价值观，成为在批判中成长起来的融绘画精神与绘画语言为一体的艺术形式。
（二）现代绘画艺术的大家——维亚尔及同时代画家
维亚尔对绘画艺术的探索过程是一个分析、归纳、整合最终成为意向的过程。写实的手法曾是他训练的专注，但在后期的绘画尝试中，如印象、后印象等都对他产生了不同程度的影响。抽象的思维给他的创作加上了一层神秘的外衣，但是这层神秘使得维亚尔的绘画极具魅力。
印象派曾将“为了色彩去画主题”立为绘画宗旨，这使得印象派形成了独具特色的色彩观念，这一点对维亚尔的创作产生了很大影响，这就是他的绘画常出现轮廓不清晰表达及将特定颜色的运用与复杂事物相联系的原因。另外，对空间写实的必要舍弃，展现朦胧与焦点，也是印象派的常用手法，如德加对作品《梳头》的处理，很好的印证了这点。此外，维亚尔对于看似贫乏的素材很是感兴趣，认为发掘其中的内涵有着极大的乐趣。
维亚尔与同一时代的画家总是对于艺术探索有着强烈的欲望，用独特的视角观察事物。很显然，这种创作特点并非力图彰显个性、体现画风，而是个性的自然流露。他们否定传统僵硬、刻板的写实主义，对透视、结构的理解无疑不是对现代绘画艺术的强有力的促进。想要理解现代绘画，只需在大师维亚尔的作品中细细琢磨、解读一番。
二、现代绘画艺术特点及分析
（一）平面化画面的构成
现代绘画艺术将形式、规律作为研究主体，侧重于艺术形式的解读。其中，平面化的空间由点、线、面、构成一般规律及色彩来表现。平面化的处理是不做二维考虑，只将平面作为基础的处理方式，与传统的透视、立体规律与空间感等割裂开来，淡化体积概念，简单化的过程。维亚尔绘画作品的构图特点则是平面感。如，代表作《围橘色围巾的女孩》，画面看上去简单、轮廓松散、运用色彩的强调作为对美感的突出。他大胆取舍，看似不完整的人物背景却更有力的突出了表现对象；选材看似平凡，却能淋漓尽致体现主题。整个绘画的人物与环境因颜色的选取而融为一体。
（二）“空间”由画面构成
多视点能够产生人们审美上的共鸣；平远、深远、高远的表现可以从心理上产生不同的意境。塞尚则因多视点的破碎空间手法成为对现代绘画极具贡献的大师之一。在这一点上，维亚尔的探索主要是将不同角度、不同空间位置的事物大胆重组。如《在灯下聊天》中，垂直于墙面的阴影的贯穿，使欣赏着产生一种的阴影表现的错觉，这会使得整个画面复杂化，即空间化。多视点的透视方法对画家来说，更有利于主观意向的表达，而对于构图平面本身来说，是正式向现代绘画迈入的重要标志。
（三）注重主体的感知
现代绘画艺术与以往的区别是追求纯粹的绘画语言。从后印象派开始，越来越多的注意力开始转移到主体感受的表达上。其中，维亚尔则对主观色彩的表达显得尤为热衷，他不把色彩与明暗直接联系，而认为要将艺术的真实性与生活高度统一，要巧妙的将主观色彩表达与构图平面化有机的结合在一起。这就是对于主体的侧重。
注重主体的感知对于将主体情感融入绘画中至关重要。但问题是如何很好的感知主体呢？对于艺术来说，由于其创造性，只能仁者见仁，智者见智。如，从维亚尔随意组合、把握色彩的运用中，我们都感受到了主体被感知，主体被表达；再有维亚尔之后的马蒂斯将新形式融入平面化。这些都是对增加主观表现力的大胆尝试。
三、构建现代绘画艺术理念
绘画从模仿到创新、单一到多元发展历程也是我们对美的核心理念的感受过程。在维亚尔的油画作品中，我们更能通过色彩的主观运用及对平面的追求感受油画艺术的“现代性”。将绘画摆脱文学、历史；实现艺术语言的独立价值等，正是“现代性”的良好体现。纵观现代派大家的创作之路，无疑是观念的转变过程。如塞尚的艺术创作则建立在多方面的基础之上，既有对古典传统的批判接受，又有印象派的色彩特点。而现在，一方面我们不得不承认，西方绘画精湛的写实技术表明了我们缺乏对西方系统写实绘画的研究，另一方面，也应该认识到，传统绘画不可能完全过时或淘汰，因为艺术是随着主体的认识能力和审美层次而不断发展变化的。
面对纷繁的绘画世界，我们应该承认个人是极为有限的，但是人作为主体却应该充分发挥能动性，不仅可以通过写实绘画来真实描绘对象细节，而且能够从感性上与绘画相互融通，使得作品能够成为读懂主体的媒介，大师就是这样亲力亲为的。我们应该具有一双发现美的眼睛，在不断的变化中，寻求标新立异。而对于现代绘画来说，只有见仁见智才是永恒不变的。
[关键词]梵高 向日葵 美学特征 后印象主义
[中图分类号]J205 [文献标识码]A [文章编号]1009-5349（2012）09-0094-01
后印象主义大师梵高生于荷兰南部，作为一个牧师的孩子，他生来就与众不同，少年时对艺术痴迷的追求与狂热的爱恋，直接影响了他短暂却又灿烂的一生。作为现代主义的先锋派大师，梵高浑身散发着炙热的光辉，他独特而热烈的艺术风格与他戏剧般的生活形成强烈的反差，给我们留下了无数的悬念，也为西方现代艺术打下了叛逆、革新的烙印，最终像同时代的其他巨匠一样，梵高矗立起西方现代绘画不可逾越的高峰。
一、生平回顾
梵高，出生于荷兰的布拉班特省。年轻的梵高曾经在画店里当过小店员，出于对绘画的狂热与追求，不久他便来到欧洲艺术之都——巴黎。在那里，梵高结识了当时已经出名的贝尔纳、西涅克和高更等人，接触到了印象派绘画。由于梵高勤奋好学，很快就在色彩上找到了感觉。后来人们也因为他与印象派的联系而习惯地称呼他为“后印象派”。
在绘画语言上，早期的梵高受到印象派影响，画面低沉、阴郁，但是他讨厌巴黎当时污浊的生活，想快速逃离，于是选择了法国南部的小城阿尔作为最后的精神家园。在那里他进入了全新的创作状态，开始追求更富有表现力的技巧。同时，梵高快速地吸收了革新思想和日本“浮世绘”画风的造型语言，风格为之大变，内心的压抑和热烈的情感得以宣泄。但一战之前的冷酷社会现实让梵高不得不面对种种社会生活压力，在数封致高更和弟弟鲁奥的信中，他诉说着自己的苦闷。天嫉英才，37岁的梵高终究无法逾越生活和理想的障碍，以枪明志，悲壮地离开了纷扰的欧洲。
二、艺术风格成熟期
梵高是一个自学成才的画家，他的绘画风格经历了数个时期，早期在纽南、安特卫普、巴黎画风神秘阴郁，到后来圣雷米和奥维尔风格明亮绚丽。但那时梵高还没有找到他真正的表现语言，直到在法国南部的小城阿尔，才迎来了他最辉煌的创作时期。阿尔金灿灿的满地麦田和耀眼的阳光让梵高一下子找到了灵感的炼金石，在那里他创作了一系列的作品，最有名当属《向日葵》系列。
作为天才，梵高能展现许多画家一生所不能企及的才华，但是身为精神病患者他又是极度可悲和躁动的。在阿尔的创作高峰期，梵高画了11幅《向日葵》，其中最有名的是一张画有15朵的《向日葵》，与其他画家不同的是梵高独爱向日葵那如阳光般灿烂的高贵和炙热炫目的色彩。这15朵向日葵，姿态各异，布于画面，执著而朴实，色彩绚丽且生动。在梵高的笔下，向日葵是太阳的象征，是宗教的符号，崇高光明，炽烈辉煌，是生命的延续。随着这一组画的完成，梵高的艺术风格日趋成熟，并最终找到了自己独特的艺术语言——“用个性和独特的风格，表达艺术家的主观见解和情感”。
三、梵高绘画的美学意义
谈到梵高绘画的美学意义，不能不说作为一名独特的艺术家，梵高建立了一种新的视觉体系。他用油彩以绚丽奔放的笔触，使得画面形成了如交响乐一般的磅礴气势，而他那农民体的装饰手法又像是一首亲切的乡村小诗，其美学意义让我们耳目一新。他把平常的自然景色和农民生活直白地呈现在你面前，不由得让你大呼过瘾。而画面上躁动的气氛又调动了你的一切知觉，随着梵高自己的节奏不断升华，变得明亮和绚烂起来。他的这一绘画表现手法，不但质朴，又显得高贵难得，亲切真实，影响了法国野兽主义、德国表现派和抒情肖像画等其他现代派的产生。
另一方面，梵高也是一位具有使命感的画家，他多次谈到，艺术应该关心现实问题，唤醒良知，改造世界。在艺术主张上他漠视学院教条的陈规，甚至主张艺术应该忘记理性。在他的眼中，关注自然，关注生活并以此陶醉，这才是真正的绘画。
在阿尔阳光灿烂的乡间小路上你常常会见到梵高先生，戴着那顶破旧的大边遮阳帽，背着画箱，步履匆匆，却双眼有神。他也常会突然停下来告诉你，我没有时间了，我还要到下一个地方去写生。就是这样一个人，一个热爱生活的人，他把生命祭奠给绘画，他没有选择，他真挚而可爱。
【参考文献】
[1]林和生著.梵高·麦田里的人[M].成都：四川人民出版社，1998.
[2]西洋美术家画廊——梵高[M].长春：吉林美术出版社，2001.3.
当代中国油画的本土化价值
早在油画传入中国之初，国人就开始对这一西方画种进行中式民族化和本土化的革新，几经发展，在当代中国油画的创作中，不仅注重中国绘画笔触的表现力，同时将中国传统文化融入其中。随着现代电子信息的快速发展，艺术家们认识到，只有对西方艺术的活力元素进行创新性运用，尊重本土的民族传统，对本土文化的独特价值重新认识，才能造就油画艺术的民族性、本土性和多样性。
在强烈的民族使命感和责任感的影响下，当代中国油画作家进行本土化油画的创作过程中，其内心根深蒂固的中国油画艺术审美情结使得他们广泛地从民间艺术、剪纸、年画等本土文化中吸收灵感加入油画的中式化创作。油画创作亦需要具有时代特色的创造激情，油画作家们立足于本土生活，全方位感知时代生活，获得深入的时代生活体验，以创作出具有鲜明时代风采和强烈的时代价值的优秀油画作品。
中国油画“本土化”的文化内涵
油画漂洋过海传入中国已达百年之久，历经几代艺术家的努力已经取得了非凡的成绩。人们最初关注“油画民族化”问题是在上世纪八十年代，自那时起开始意识到这一引入画种应该具有我们自己的文化特色。于是便有了一系列“油画民族化”的探索，有些画家借鉴了中国画的某些特征元素融入到油画，还有一些将注意力投放到了民族服饰上。所以我认为中国具有民族特色文化内涵的油画应包括情感文化、地域特色和形式风格三个因素。
1.情感文化
艺术家的创作目的是通过表达真实的感情来彰显某种精神，因此，在艺术的本质特征里就包含了这一特征。不同民族的艺术家所欲表达的情感必然会有所差别，正是这种差别使得不同民族的艺术作品具有了不同的特征。自然环境、文化历史、社会制度的差异造成了个民族所独有的民族心理，这种民族心理的不同造就了不同民族的艺术家们得情感活动上的差异，这是艺术具有民族特征的更深层次的原因。艺术家们需要在现实生活中去细心观察、切身体会、不断思考以获得丰富的情感体验，并且要把表达真情实感、创作出具有民族特色的作品作为自己的艺术理想。艺术家要有独立的人格，树立自己的艺术理想，我们的艺术行为都要为理想服务，我们就有可以实现中国油画的“民族化”理想。
民族风格不是在刻意追求某种特征，而是自然而然形成的，中国画在用色、造型、笔墨等各方面都具有其独特中国韵味的风格。油画进入中国，进过艺术家们创新性创作，自然而然形成特色的本土化特征。艺术家们立足现实积累情感，并且真诚地表达积累的真情实感。判断艺术作品是否具有民族本土特性的关键在于该作品是否表达了本民族的真情实感。
2.地域特色
广袤的国土决定了我国多民族、多区域的特点，这也为中国油画民族精神的融合提供了广阔的空间，在油画创作中融汇民族精神并不是将其简单叠加，要使其相辅相成、相得益彰必须要把绘画技法、内容、形式等方面让两者自然而然地糅合。
艺术的民族特色总是离不开其所在的地域特色，因为不同民族的艺术家的情感思想都受他所生所长的特定环境所影响，所以油画艺术作品的民族特色与地域文化特色紧密的联系在一起。油画创作要体现自身的地域性和民族性，因此当今真正油画家所追求的目标正是通过民族精神的注入来彰显中国油画的独特魅力。油画和民族精神的融合不仅仅是在作品的内容和形式上，要深入到精神文化层面上的融合，把民族精神的精髓融合到油画作品当中，从而更好地的表达伟大的民族精神。
3.风格特征
艺术家的思想感情要想被大众所感知，就必须借助具体的艺术形式将其表达出来，同样，艺术作品的民族性也必须借助具有民族风格的形式展现出来。不同民族的艺术家在表达特定环境中产生的特有感情时就会形成带有自身民族风格特征的艺术形式，因此风格特征也是民族性的因素之一。
油画作为中国引入画种，画家要借鉴西方油画的绘画技巧，深入领会西方油画的文化内涵，在吸取油画精髓的基础上加以灵活运用，形成自己体系的绘画风格。由于文化背景的差异，东西方的绘画风格也有很大区别：中国的写意和西方的写实这看似相互对立这两大艺术体系，实际上有着你中有我，我中有你的内在联系，追本溯源，通过写意与写实这两种艺术语言可以更鲜明的阐述人的精神世界和达到审美的目的。因此，艺术家应该合理取舍、有的放矢，吸收外国油画的有益成分并将其转化为自身独有的艺术品质，形成具有与时俱进的民族特色的中国油画风格。
中国油画要想寻求新的发展，就更加需要与外国油画相互借鉴。洪凌，当代风景油画家，他创造性地把西方风景画和中国山水画创造性的融合在一起，从而为中国油画开辟了一条独特的艺术表达道路。油画家洪凌的成功让我们看到了不同文化背景下所产生的风格迥异的画种在艺术语言上沟通和交流的可能性。
结语
关键词：风景油画；地域性；绘画语言；情感表达
一、绪论
中国是个地广物博的国家，南北方是处在中国两个不同的地域。不同地域的画家们由于受到地理特征、生活环境、文化因素等的影响，因此在风景油画的绘画语言和情感表达上存在着很大的差异性。在中国风景油画的发展中，也造就了两种不同的艺术风格。
二、风景油画在中国的传播与发展
油画自传入中国以来，便受到了很大的影响，风景油画更是经历了翻天覆地的变化。起初，风景油画由于政治经济等原因的影响，在某一段时期内经受了画家们的冷落。后来，经过先辈们的不懈努力，开始呈现出一片欣欣向荣的景象。
早在时期，很多文化青年变对油画产生了兴趣。这一时期也出现了一批优秀的风景画家，如早期风景写实派颜文梁，以及后来中西结合的刘海粟、林风眠、吴冠中等等，他们都为风景油画在中国的发展做出了巨大的贡献。建国初期，由于收到苏联文化的影响，这一时期风景油画的作品主要表现“重、大、粗”。他们的主要题材为歌颂祖国的大好河山。其中最主要的代表画家为阎立鹏、詹建俊等等。到了九十年代，随着经济文化的开放，绘画的语言形式也更加的多种多样。专门的风景画派和地域特色的作品也开始出现，风景画开始逐渐繁荣起来。从陕北的民窑到江南水乡，从草原风景到小桥流水，不同地方的画家都在作品中彰显出地域特色。而在这一时期的风景油画，画家们开始将西方的绘画材料同中国传统山水精神相结合，创造出具有中国家特色的风景油画作品。①
三、南方风景油画的表现特征
1、南方的地域文化特征
中国著名画家潘天寿在谈论中国南北画宗形成的各种因素中指出“地理气候、自然环境对艺术风格往往有直接的影响，比方说英国气候多雾，雾气笼罩下轻松迷糊的形象，宜于水彩颜色的表现，就曾造就了英国水彩史上的特殊发展。我国黄河以北天气寒冷、空气干燥多重山旷野，山石的形象轮廓，多严明刚劲，色彩也比较单纯强烈，所以形成了以北方的金碧辉煌与水墨苍劲的山水画派。而我国江南一带，气候温和、空气潮湿、草木蓊郁、景色多烟云变幻，色彩多轻松流丽，山川的形象轮廓，多柔和婉约，因之发展为水墨淡彩的南方形调，而形成南宗山水画的大体系。”一方山水养育一方人，这也警示我们只有立足于家乡的土地和文化下才能在艺术中找到属于自己的一片天地。
从自然环境看，南方大部分地区都属于丘陵平原地貌，没有气势磅礴的高山、没有一望无际的草原，有的是江南水乡的小桥流水。南方大部分地区属于亚热带季风气候，在这里，气候宜人、降水充沛，又临近海，水陆交通发达，无疑南方便成为了经济贸易中心，这使得艺术家慢慢形成了南方人对外界不同的精神感受和情感需求。同时随着经济往来，民族的多样性，南方人的思想更加活泼，性格更加鲜明，艺术表现形式也是多种多样。
南方长久以来的历史文化，也使得艺术家们更加注重对自然景物的心理体验，他们比较少关注物体的形象比例，而是侧重于借景抒情、以求诗中有画，画中有诗的完美境界。南方人就这样长期生活在一个平和、稳定的环境中，他们的审美趣味便与这样一种文化相呼应，所以南方的艺术表现总是一种人与自然和谐相处的情境，一种平和、安定、淳朴的生存环境。
2、南方风景油画的表现特征
南方风景油画在在创作方法上大多是写意的形式。传统的文人画思想也给这一形式的油画提供了文化基础和生存空间。在题材的选取上也大多是体现民居建筑和南方人惬意生活水乡之境场面。像先一辈的画家吴冠中，他在题材上大多都选取《江南人家》、《家》、《小鸟天堂》等这一系列的景象。
南方风景油画在色彩的表现上也更丰富、更带有主观性。画面上色彩带给人一种柔和、含蓄、温婉、洒脱、空灵、诗意、清新的感觉。俗话说“画如其人”，这也正是南方风景油画的真实写照。出生于江苏的吴冠中、吴大羽等先辈画家，他们力求于中国传统文化同西方艺术的结合，将中国传统山水画的笔触、线条融入风景油画中，充分体现出江南水乡的特色。他们的作品有《周庄》《荷》《公园的早晨》等等。②出生于湖南的陈和西，他的画面色彩明快而又干净，色调高雅脱俗，画中形式感很强，呈现出中国山水画的精神特质，极具有诗情画意的写意风格，他的作品有《山花》等等。出生于广西的张冬峰，他的绘画作品展现了南方的田园风光，他的画面表现出南方人的人文情感与精神，有一种宁静、淳朴的意境，就像他的作品《这里的山林静悄悄》等等。③
四、北方风景油画的表现特征
1、北方的地域文化特征
相比南方，北方是个气候比较干燥、多高原的地方。在北方，这里的地理环境比较复杂，有巍峨的高山、有辽阔的草原、有壮观的黄土高陂还有西北特殊的地貌等等，北方是个重权的地方，在地形上就给人庄严、凝重的感觉。在北方也有着强烈的精神信仰，比如对天神的敬仰，对力的崇拜，对动物等外来力量的尊敬，都显示着北方居民艺术思维和表达方式的独特性。
2、北方风景油画的表现特征
平静遥远的村庄、经历沧桑岁月的茅草屋、萧瑟寒冬下的高原土坡，这些都被北方艺术家赋予了新的生命，正是这些自然题材，使得他们在艺术家笔下自然而又率真、深沉而又浑厚、壮美而又刚烈。
北方人的性格就如同那里的地理环境一样豪迈、大气，在色彩的运用上也是比较豪放的。画面色彩对比强烈、大胆、凝重，而艺术风格也是表现为刚劲、质朴、粗狂。就在传统山水画中也是如此，北方画派崇尚的是壮美，作品一般表现为一种刚劲和激情，北方油画家的审美取向也是偏于物体的具象性表达，他们强调客观世界的肯定、形式的和谐。早期艺术家赵开坤，长期生活在河南地区，对那里的环境了如指掌，他的画面中带有浓厚的北方风情，带有一种张狂和收敛的张力，就像他的作品《通往山村的路》等等。王克举，也是经常描绘山东一带的景色，他经常选取山东的田园乡村景色，画面质朴、抒情、色彩表现强烈，让人难以忘怀，他的作品有《青纱帐》等等。
五、总结
我国是个地域广阔、民族多样性的国家。每个地区都有不同的地理环境和文化背景，经过这么多年的沉淀与融合，都形成了各自的物理文明和精神文明。艺术家在创作的时候，不管是都市风景、自然乡村风景、还是民居建筑，他们的表现特征也不论是抽象还是具象、写意还是写实、宁静还是壮美，都离不开艺术家所生活的地理环境。同时，我们的社会也正处于开放性的时代，在各国文化的碰撞下，不论是南方风景油画还是北方风景油画都必须以中国国传统的文化精神为出发点，去彰显油画的地域特征，这样才能从“舶来品”中脱离出来。（作者单位：湖南省湘潭市湖南科技大学）
注解：
①梁宏利.《油画民族的思考》.美术观察，2006.
【关键词】中国油画；本土化；意象油画
中图分类号：J223 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）02-0173-02
油画从西方传入我国开始，由于受到中国传统绘画美学的滋养和影响，在长期的探索和实践当中形成了具有本土化特色的中国油画，有效结合了西方传统绘画以及中国传统文化，也使得中国油画的本土化特征更加明显，推动着中国油画的本土化进程。意象油画是中国油画本土化进程当中具有代表性的油画风格，有效彰显了中国传统文化精神和民族审美，并且逐步形成了意象油画语言体系，使得我国的油画艺术得到了进一步的发展。
一、中国油画的本土化分析
（一）中国油画本土化的概念。中国油画本土化是在本土环境下有效吸收和接纳西方油画艺术，从本土化需求出发，在体现文化包容性和多样性的基础上，展开本土化的油画创作，有效满足本土化需求，真正实现文化和艺术的自我认同。本土化与民族化的概念是不同的，本土化是对文化艺术进行有效借鉴，并且在其中增加自己的文化和理念。油画艺术从西方传入我国之后，逐步开始了本土化的进程，中国油画的发展经过了很长一段时间，是在不断的磨合以及探索实践当中走出了一条本土化道路。中国油画的创作必须要注重彰显本土文化，使得中国的油画作品具有丰富的中国文化和中华精神内涵，这也是中国油画本土化的发展目标。
（二）中国油画本土化创作分析。油画在传入中国以后，油画艺术在我国传统文化的熏染下仍然走出了一条本土化的道路，而且中国油画的本土化创作已经成为油画艺术发展的趋势，并且逐步被人们接受和熟知。本文将从以下三个方面着手来对中国油画的本土化创作进行探讨：
第一，本土化与现代化关系的认知。随着经济全球化的推进，不同国家在文化交流方面也得越来越频繁，但是国际间的文化交流会对本土文化产生一定的冲击，本土理念也会相应受到外来观念的影响。就目前的油画艺术领域而言，油画的多元化和差异化的趋势逐步凸显，这也让我国的优化发展面临巨大的挑战。我国现代化的进程之路非常曲折，那么中国油画的发展速度也逐步减慢，这使得我国的油画艺术与世界之间的差距逐步增大。在中国油画本土化的创作当中，西方的审美理念和模式仍然严重影响中国油画创作，虽然不能否认西方油画艺术对于中国油画艺术发展的推动作用，但是西方的审美模式和观念会影响到中国油画本土化的进程。在这样的环境下，重视和加强中国油画的本土化创作迫在眉睫，这也是逐步缩小中国油画艺术与世界油画艺术之间差距的重要契机，必须要正确认知本土化和现代化之间的关系，明确中国油画的发展方向，推动中国油画的本土化进程。
第二，本土化与乡土化关系的认知。国际学术交流正在逐步增强，中国油画的本土化进程逐步加快，并且受到了中国油画艺术领域的重视。中国油画的本土化创作必须要明确本土化与乡土化之间的关系，本土化包含乡土化，但是二者并不相等，对于二者关系的混淆会造成对于油画本土化发展的错误认知。中国油画的本土化创作不单单是表现乡土化，而是逐步构建起一个本土化的油画艺术标准，使得这一标准能够与油画艺术标准相协调，体现出我国传统油画艺术与外来艺术相结合的特点，这样才能够更加鲜明地突出中国油画的本土化特征。
第三，中国油画本土化发展趋势与前景。目前而言，中国油画的本土化在借鉴西方艺术的同时融入进丰富的本土艺术元素。但是，中国油画的本土化还有很长的路要走，还需要在实践中进行不断摸索和探究，在促进自身发展的同时，要注重对外来艺术的融合，努力构建本土化文化。可以说中国油画的本土化发展是不断学习和进步的过程，在这一过程中要善于运用本土文化和技术来形成与中国审美思维理念相符合的文化艺术体系，也要善于将中国油画的本土化和现代化、乡土化紧密融合起来，使得整个文化体系更加的丰富全面。通过推动中国油画的本土发展，能够增强对我国传统艺术和文化价值的认知，还有利于对我国民族文化的弘扬和发展。中国油画的本土化是一种必然发展趋势，而本土化的创作会得到越来越多人的肯定和接受，并且让中国的油画艺术逐步与世界接轨。
（三）中国油画本土化与意象油画的关系。油画在传入我国之后，不断受着中国本土文化的滋养和影响，而且油画家和油画的欣赏者都是中国人，要想推动中国油画的发展就必须将油画与中国特色艺术以及本土的文化理念结合起来，真正体现出我国的民族文化，这样才能够不断拓宽油画的想象力空间，在艺术创作中更加的饱满充实。中国意象油画正是在这样的背景下出现，并且带有浓厚的中国特色，将不同的艺术手法整合起来，使得油画画面的意趣和境界得以提升，这也逐步成为中国油画本土化的一个代表风格。而且意象油画的创作对于油画画家的素质要求极高，要想真正体现出油画的意象境界就必须通过油画画家高超的文化精神把握能力以及对中国油画本土化特色的合理利用。油画虽然是一种外来艺术，但是自从进入我国以来，因为受到中国传统文化思想的滋养而焕发生机，而意象油画更具中国特色和中国油画的代表意义，体现着中国油画本土化的进程，也推动了中国油画艺术的发展。
二、意象油画分析
（一）意象油画概述。意象油画是一种强调用简洁意象代替真实物象的艺术种类，具有极强的表现性，融合了油画画家浓重的个人情怀和情感，而且与我国传统的水墨画以及古典诗歌的精神和审美一脉相通。意象油画与西方坚持以写实为主的油画风格具有极大的差异，而这样的差异也正是体现出对中国传统文化理念的融入。意象油画对于客观对象的写生会更多的偏重于感觉和印象，这与中国文化当中的意趣是紧密相连的，具有深厚的表现主义观念。另外，意象油画在绘画技法上突破了形似和笔到的限制，将我国古典的文艺理论作为创作的重要依据，将其中的意象说体现得淋漓尽致。因此，意象油画成为我国油画本土化的一个代表成果，体现出对中国传统文化和艺术的传承与发扬，也使得中国油画具备了持续发展的动力源泉。
（二）用笔意象性。我的绘画艺术更多的偏重于用笔，并且会尽可能地避免过分修饰，想要通过自然的用笔来描绘出内在精神，同时采用的用笔方法多种多样，并且善于和用墨方法整合起来，最终用丰富的笔墨形态来展现绘画形象，为欣赏者带来心理和视觉上的冲击。除此以外，中国绘画的用笔会有轻重、缓急、顿挫等不同的用笔形式，能够有效提高艺术的感染力和表现力。意象油画在创作中有效融合了我国绘画艺术当中的笔墨精神，在吸收和借鉴的基础上形成了意象性的用笔风格，实现了对中国传统绘画技艺的传承，在意象油画的用笔上非常讲究概括提炼，创作时往往会果断下笔，用能够彰显内在精神的大笔势和写意泼墨的方法，来增加意象油画的独立价值，也成为意象油画的一大创作特征。
（三）造型意象性。就我国绘画造型理念而言，往往会将意象性的造型作为造型创作的理念和方法，在绘画时将主体感受以及事物的象结合起来，并逐步在头脑中形成意象，接下来再进行整体造型的构建。在意象性造型当中，夸张变形以及取舍是其中最为突出的特点，这样的绘画艺术表现手法能够让造型更加自然，并且富有无穷的意趣。我国意象油画的创作将意象性的造型运用得淋漓尽致，并且运用取舍和夸张变形的手法使得造型能够有效彰显出我国的文化精神和艺术内涵。可以说，意象油画的创作已经摆脱了模仿的局限，更加关注在自然基础上进行有效的主观创造，在画面造型当中融入情感和深刻的寓意，有效提升意象油画的创作效果。
（四）色彩意象性。油画是一种侧重于色彩并且在色彩运用上极具张力的艺术门类，换言之，色彩是油画艺术的生命。油画画家能够运用多样化的色彩以及色彩的变化来直接明显地表达自己的情感，而且色彩是油画艺术进入到欣赏者视觉的第一信号，最为直观的为欣赏者传递艺术信息和情感。我国意象油画的色彩运用则有效凸显了意象性的特征，不仅仅运用了西方在油画艺术创作中瑰丽色彩手法，还传承了我国绘画艺术当中侧重用色彩表现音乐之美的理念，使得意象油画的画面色彩具有强烈主观性的同时，又有着色彩的生动性和生命力。在整个意象油画的画面当中，常常运用大面积的平涂或制作底色来展现出意象性油画简单中寻求变化的精神，给人一种整体上色彩对比的艺术观感，也使得意象油画的色彩融合度和对比度大大增强。
（五）气韵意象性。意象油画追求的境界是气韵，那么在意象油画的创作中同样也体现了对意象性气韵的无限追求。在创作意象油画时，中国的油画画家会将自己的情感和灵魂融合到自己想要表现的艺术对象当中，将艺术的创作变成对个人思想和灵魂的表达，也使得整个油画当中充满了深厚情感同时又注重对涌动的气韵进行灵活的把控，这样整个油画作品都会以显示出超然的意境，使得油画艺术得以升华。中国意象油画的创作特别注重对我国传统绘画艺术当中气韵的表现手法和技巧进行吸收和借鉴，那么油画作品会显示出一种超然物外的逸气。当观众在欣赏意象油画时，会被自然地带入到画面当中的情感中，引发欣赏者的情感共鸣，感受意象油画带来的艺术震撼。
三、结语
中国油画的本土化伴随着油画的传入而开始，同时大量的中国油画家都在积极探索推动中国油画本土化的方法，并通过本土化的创作而使得中国油画发展散发勃勃生机。意象油画就是中国油画本土化的代表，将意象和写意作为中国油画本土化的重要切入点，使得当代油画和我国的传统文化融合成了一个整体，在推动意象油画全面发展的同时，也对当代世界绘画艺术的完善和创新起到了促进作用。
参考文献：
[1]王利民.中国意象油画作品中的线语言解读[J].河南大学学报，2015，（8）：69-70.
[2]李志强.论意象油画的诗意魅力南京艺术学院学报，2012，（8）：15.
关键词：意象油画；创作；女性思维
中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）24-0053-01
自油画艺术进入中国以来，经过长期的融合已形成了具备中国特色的一门艺术，其融合了中国的传统文化与审美特点，进而形成了意象油画。伴随着女权主义意识的萌芽与发展，女性以独立的精神形式立足于社会形态之中，而女性意象油画艺术家又将自身独属于女性的思维模式与审美特征融入于其中，进而使得本就具备了诗意般的意象油画具备了独特的艺术魅力。
一、意象油画概述
所谓意象指的是寓意于象，借象抒情，就如同我国的诗歌一般，以借物抒情的方式来表达作者的所思、所想与所感。而意象美学对于中国绘画艺术的影响较为深远，已成为了当前中国油画艺术的灵魂，是当代中国油画艺术的独特表现形式。通过中国当代意象油画，能够使欣赏者体会到中国社会的文化与审美特征，甚至整个社会的意识形态，这也彰显了意象油画的艺术魅力。西方油画进入中国的历史已有上百年，在20世纪初“西学东渐”的影响下，中国油画萌芽，在逐渐发展过程中实现了文化的融合，具备了属于东方文化特色的艺术风格。到了上世纪八十年代，在改革开放的推波助澜下，艺术思想的解放潮流使得女性意象油画艺术诞生，直到2005年，在中国意象油画探讨会上意象油画在中国真正的实现了独立。
二、意象油画创作中的女性思维分析
（一）女性意象油画创作的思维视角
首先，源于女性母爱的天性。女性的生命过程中会经历为人妻、为人母的过程，这一独特的体验就使得女性拥有了独特的生命体验，复杂的情感落于画笔之下，使得相应的作品就具备了属于女性的细腻情感，尤其是母爱的天性，这种人世间最为质朴且纯真的情感成为了描述亲情的最佳思维视角。其次，源于独有的情感思维。对于女性艺术家而言，情感通常是其创作的出发点与灵魂，以意象油画来实现情感的传递。女性天生就属于感性思维生物，因此，在创作的过程中这种思维模式会使其将自身或悲或喜等情感融入其中，真实的情感体验使得意象油画具备了属于女性的艺术魅力。最后，花的情感传递。花作为美丽的代言人，是女性天生就情有独钟的对象，女性艺术家在表达情感的过程中往往会以身边的细微景与物入手，而花这一事物就造就了女性眼中最美的风景。通过对花之意境的描绘，创造了独属于女性的意象油画之佳作。
（二）女性思维与意象油画的融合
1.女性思维模式下的意象油画风格
女性天生情感的细腻使得其能够更深刻的挖掘出事物的内在，其心理特点、社会角色等的不同也使得其对生活的体验不同，将所有不同与男性的特点落于画笔之下，就使得相应的油画具备了独属于女性的艺术魅力。女性艺术家创作的灵感常常都是来自于生活中一些很细小的情节，通过自身感性思维的加工就实现了真情的融入，而这种真情实感很容易引感上的共鸣，进而也就符合了意象油画创作的意境。意境油画创作是女性艺术家情感的宣泄，实现了对其精神的慰藉，彰显了新时代女性的特征。
2.情感的表达
事实上，对于中国的意象油画而言，其更像是融合了中国传统美学的意象与西方的文化精神，即中西方文化与情感的碰撞与融合。从古至今，我国的文人墨客无不重视自身情感的抒发，寄情于景的创作手法在各个文化艺术领域都有着突出的表现。而女性更擅长抒发出自身对生活、情感等的感受，与男性不同，其所扮演的社会角色不同，其对生活的体验、对事物的思考等都受自身的思维模式影响，温婉、细腻的情感世界使其在意象油画的创作中更多的表达了自身的真情实感。女性的敏感、脆弱、温柔等特征也使得其在情感的表达上更加的细腻且独特，这便是女性意象油画的魅力所在。与此同时，女性唯美、浪漫的天性特征也使得其情感的表达更加具备了诗情画意般的特征，在女性思维模式的作用下，其能够敏感的抓住生活中那些擦肩而过的情感，进而落于笔下，形成了意象油画的独特魅力。
三、总结
综上所述，中国意象油画融合了中西方的文化精神，彰显了独特的艺术魅力。在女权主义的不断影响下，女性精神的独立使得其更加的注重自我，在不断实现自身价值的过程中，其以自身独特的思维视角抒发了对人生的情感。对于女性意象油画艺术家而言，正是因为有着这样的独特思维视角，进而才创造出了与众不同的意象油画作品，在这些作品中所呈现出的不仅仅是当代女性的情感世界，同时也将女性的天性展现的淋漓尽致，进而赋予了意象油画以独特魅力。
参考文献：
[1]贾方舟.女性艺术在90年代[J].美术研究，2011（09）.
古今中外的艺术理论家,由于地域文化和哲学思维的不同,对“意象”一词有着不同的理解。意象理论在中国起源很早,《周易:系辞》已有“观物取象”、“立象以尽意”之说。中国美学史和艺术史是一部美学范畴发展史,它是通过意象、元气、感兴、虚静、神思、物化、中和、气韵、意境等范畴作为艺术表现和艺术思维的基元,从而完成了对中国美学史和艺术史的构建。中国美学的范畴是审美心理范畴,即文艺心理学范畴。
所谓意象,简要地说,就是“意中之象”。它是艺术家在进行艺术创造时存在于审美心理结构内部的一种审美主观形式。艺术创作脱离不了审美主体的生理和心理认知过程,审美主体感知具体事物,形成一定的“表象”,经过形象思维的一系列加工,从而在审美主体(艺术家)的头脑中形成了审美形象(即“意中之象”),这就是意象。意象是在过去已积累的大量表象的基础上,在主体头脑中通过情感、想象和理解而产生的主客观统一的超前的、意象性的映象。这种意象运用一定的艺术物质载体如语言、线条、色彩、动作、旋律等加以物化,就形成了艺术形象即艺术作品。
就意象的本质即基本意义来说,它是意中之象、表意之象、创意之象。意象是审美主体的审美心理结构的重要元素,是情感与想象的载体,在审美心理结构的形成中起着重要的作用。在从客观物象到艺术形象的艺术创作过程中,存在着中介,这就是艺术家的审美心理结构。而审美意象在审美感知、审美表象、审美情感、审美想象等审美心理要素中,是最重要的。在某种程度上可以说,审美意象是从客观物象到艺术形象的中介,审美意象越成熟,内涵越丰富,艺术形象就越鲜明突出。缺乏审美意象的艺术形象是苍白无力的。
意象有极为丰富的审美功能。首先,它是超越语言形式的。意象“意在言外”,表现的是“不可言之理,不可述之事”,是具体的语言形式所不能达到的;其次,它是超越形象的。意象所追求的是“象外之象”,是象征之象,是“得象而忘言”,“得意而忘象”,是“泯端倪而离形象”的;第三,意象具有不可穷尽的思想意蕴。它“含蓄无垠”,“宏大而辟,深阂而肆”,具有巨大的思想容量;第四,意象可把人的情感和思维引向极致。意象形成的过程,就是情感和想象不断丰富和积聚的过程。它可使审美主体进入“绝议论而穷思维”的审美境界,这是审美创造和审美欣赏的最佳的审美心理状态。
二
油画作为西方的舶来品在中国已经经历了百年的探索历程,由于西方油画和中国传统绘画存在着不同的文化背景和艺术语言的表现形式,中国油画家在对西方油画的不断学习和模仿中,不断的探索构建新的适合中国文化语境的绘画语言,以将中国绘画的气脉意境和西方油画色彩的艺术精神糅合为一,表达出中国文人本土化的审美意境和审美情趣。于是,在中国传统的“天人合一”的文化背景下,呈现出将主观与客观、再现与表现融合的“意象”审美及表现方式。中国传统绘画所追求的“主客合一”、情景交融的境界,形成了以写意手法表现得介于抽象和具象之间的意象油画。
从某种意义来说,当中国艺术家拿起油画笔的那一天起,中国意象油画的发展历史便开始了。在架上绘画的地位变得日益尴尬和边缘的今天,中国油画的现代演进走入中国意象艺术的殿堂,将西方绘画的理性、物质性与东方精神的诗性、意象性碰出火花,自觉地发掘出文化的新精神和新形态,以深刻的民族性和语言的当代性融入国际环境,是中国油画独到和必然的一种选择。中国艺术家的文化血脉无不渗透着中国文化基因的千年积淀,几乎在每一位艺术家身上,都可找到中国文化所赋予的潜移默化的影响,这是一种融进血液、渗入骨髓、直抵心灵的影响。
油画是外来艺术,当它移植到我们这片土壤时,我们只能以自己的养分去滋养它,也就是说中国油画的模式发展最终是建构在中国文化的基础上。而意象思维是中国传统哲学所特有的一种把握和理解事物的思维方式,是一种思维大观,它影响着中国的绘画、诗歌、音乐等方方面面。鉴于此,意象油画的存在也就不奇怪了。
早在几十年前,意象油画就在中国前辈艺术家的作品中出现过,我们的前辈们在经过“拿来主义”后,积极寻求具备中国本土性语言和价值标准的油画。如前辈画家吴大羽先生的油画充满着东方神韵的意象化艺术。吴先生的作品纯炼、强烈而又意蕴丰富,且渗溢灵气,同中国画空灵、淡泊、高古有着惊人的异曲同工之妙,他以博大精深的中国古典文化精神,独具匠心,点活并激化了中国油画语言具有东方内涵的个性空间。与之同时代的前辈艺术家林风眠先生也是一位不折不扣地高举中西融合旗帜的画家。他开创的彩墨式油画具有高度的单纯化、意象化,其油画被中国化的意象特征较为显著,简约的造型,流畅的线条和自由无拘无束的笔触,深深的烙上民族化的特征。而董希文先生的《哈萨克牧羊女》则大量吸收敦煌壁画艺术的构图和造型方法,赋予浓郁的东方装饰意韵。
在探索本土化的意象油画之路上,吴冠中先生是最杰出的代表。他的画表现在追求着特定地域具体形象的生动性,又要求自己不局限于简单,无提炼的一地、一个视角的写实。他认为没有取舍、提炼、概括,不足以表达自己所追求的意境。
吴冠中的作品疏离了意象油画中以意抒写的一般性特征,往往用宽大的刷笔横向“排笔”,打破物象固有形体的边界和细节,用宽笔“平面化”地捕捉“错觉”所形成的各种富有意味的抽象关系。就油画的色彩语言来说,吴冠中的意象性是做色彩的减法,他不是寻找江南春雨潇潇的色彩微差,而是将微差整合为黑、白、灰三种色阶,由此而形成油画与中国画在色彩上的异质同构关系。吴冠中偏爱色彩的减法,并不是简单地移植中国画的黑白关系,而是在反复不断的对景写生中,逐渐体悟到的对江南物象色彩关系的一种理性认识。正是这种在感性经验下积淀的认知,使他减化了意象江南的色彩微差。显然,吴冠中在以单纯的色块构建他江南风景的空间感时,也把中国画的审美方式和笔墨意蕴带入油画,从而赋予他的油画意象语言以很强的江南地域特征和人文特征。
广州美术学院鸥洋教授早期作品倾向于写实,从师赵无极先生后,其艺术思想受到很大影响,开始致力于融合中西的意象油画探索,形成个人独特的艺术风貌。鸥洋油画系列莲荷,意象鲜明,空灵之中有着丰富的含蕴、深层的思绪。鸥洋油画求变之初,与其说是对“意象”的求索,不如说是被新潮召唤出了奔突的勇气。她的作品敢于“极简”,在“极简”中强化“力”的对峙、奇正之美。其形式语言结构,来自书法意态、风神、虚实等抽象的形式美之规律,从而得“意象”之空灵悠远,精神韵味的自然酣畅。鸥洋尝试用色迷斑驳的油彩,以营造淡远的大色域为基调,展开丰富微妙的“心理空间”层次,借助“错觉”,突现“意象”,迷惑人心,渐入“气韵生动”的佳境。最有创造性的是用“黑”。鸥洋以东方人的眼睛,发现黑色之美,于油画中起用黑色。焦黑枯笔式的长线条,飞龙走蛇,看似随意,实则“惜墨如金”,为秋荷意象凭添几许特有的、雅致高贵的风神。极妙处是白荷底面的“黑”,轻轻转动的一笔,流光闪烁而璀灿。鸥洋或在粗毛布上作画,或对丙稀、砂、胶粉种种质材有选择的灵活采用,正是于有意无意之间,赋予画面以东方神秘和意蕴。
在上世纪90年代以来的中国当代艺术家中,女性在艺术界已经构成了一支不可忽视的力量。夏俊娜是这个群体中最年轻、最具潜力、也最引人注目的一位。关于她的作品自进入市场后评论众多、褒贬不一。今天就她的作品来谈油画的意象性。夏俊娜的作品是通过三维空间解构,来重塑出心灵中的空间。画面深恋虚实浓淡的空间意味和若隐若现的迷幻光斑,是因为只有那样形笔色才获得了生命和灵气。她钟爱虚虚形、昏昏中的色、毛茸茸中笔,因为那才像她似醒似醉的梦。她那明亮绚丽的色彩总是从令人发堵的铅灰色中挣脱而出。她的女孩们闲适中带着感伤。她那喜欢明媚阳光的显性背后藏着变化莫测的隐性,这些无不流露出东方意境。我们不难从她的画中看出,形与形偶然叠压而又彼此咬定。有时漂移不定,有时坚定有力,一旦进入佳境,则神遇而迹化,混沌渐开而体象渐立,语言渐具而精神渐充。所谓创作,就是生命在皴擦点染中的运动,灵魂在推刮挑抹中的新生。当一丛形象隐遁于另一丛形象背后,一束笔痕新生于另一束笔痕阵前,一种意趣败倒在另一种意趣之下,一类感觉屹立在另一类感觉之上时,或许正是艺术创作最激动人心的时刻。刀笔油彩、光色形体、提按挑抹……迹不违其心之用,心不离其迹而动。在不知所之的走笔运刀中别出心裁,在有意无意间发现通向心灵的另一扇门窗。胸有成竹时气运而笔落,胸无成竹时笔运而神生,进入佳境时不知是笔随心动还是心随笔动。
夏俊娜喜欢以美女和花为主题,但完全不追求形似为创作的目标。她们假藉美丽景象显现的视觉元素,实则托喻个人的感悟和心境。夏俊娜的美女与花卉,不同于法国印象派的雷诺瓦,或美国的卡莎特。因为,夏俊娜更加重视画面情境的经营与表达,甚至隐含着个人修养和道德情操方面的转喻,这点完全是因为她受到中国文人艺术的影响,她追求精神境界的美妙感受,反而超越了物质的形象表现。
夏俊娜唯美的作品和艺术生命里的异国情调,不是她绘画人物造型上的西方色彩,或者属于巴黎中产阶级的生活调子,而是她的原乡,一种不存于现世的完美情境。她的画面上的现实环境,透露出画家对心中理想家园圣地的渴望,但永远不可能以再现的方式实现。这种因为现实与理想无法对等的落差,也就呈现了一种时空差异的异国情调。这种异国情调,不但是夏俊娜所认定的审美的标准,也是她个人内心世界的心理情结。
三
意象油画不是一种简单的风格或流派,它是一种能够揭示和显现西方文化精神的媒材,被中国文化心理和审美结构同化的一个过程和一种体现,它是西方油画被中国文化本土化的一个必然趋势,更深刻地说,它是把中国这个民族观照社会与自然的意象思维方式和叙述经验,投射乃至转换到油画语言的审美结构中,而形成的油画民族名片。因此,从人类油画史的角度,意象油画也是最能够包蕴中国诗性文化特征的油画。
纵观所述,意象油画所反映出的特征是,以形色营构具有中国诗性文化特征的意境,而不满足于外在形、光、色的描绘;既不追求精审具象――写实主义,也不搞唯心抽象和抽象主义;以意象来组织色彩,光色是油画的魂灵,有如中国画的笔墨,意象光色既是浪漫、梦幻、错觉的光色,又是具有地域特征和人文特征的光色;将油画笔触书法化,讲究笔性、笔意和笔韵,这种表现性,并没有完全从形象的表述中独立。
意象油画的边界非常宽泛,它不仅指在直觉感性中把握理性经验的创作过程,而且指以意构境、造型、生色、抒写四个方面中任何一种或几种组合的视觉特征。但这种宽泛的边界终究不是无限的,否则意象油画恰好失去了自我。仅就在直觉感性中把握理性经验的创作论而言,“意象创作论”在已接受了东方文化影响的西方现、当代艺术中已屡见不鲜,而介于具象、表现、抽象之间的艺术样式并不算少。意象油画和西方本土油画最大的区别,在于意象油画最大程度地渗入和包蕴了中华民族的人文气质与文化心理。因此,意象油画的内核非常鲜明,那就是凸显中国人的文化性和文化性的中国特征,即作品要凸显中国人的文化观念、人格境界和品味格调。
