时间：2023-09-17 14:53:08
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中国装饰艺术之源及发展：中国的装饰艺术历史悠久，丰富多彩，独树一帜。中国传统装饰艺术已有5000年的历史，是我们中华民族珍贵的文化宝库。艺术起源于生活，在遥远的原始社会，就有陶器的产生，那丰富多彩的陶器纹样让中国的装饰艺术在这里起步。到了青铜器时代，造型雄伟，纹样神秘的青铜器皿可以说是我国装饰艺术非常绚烂的一笔。秦汉时期的画像砖，兵马俑群雕等都让人惊叹于古代人们的装饰智慧，特别的汉代的玉器雕刻，雕刻以及装饰技艺是世人对中国的装饰艺术刮目相看。在佛教盛行的魏晋南北朝，印度及周边国家的文化的影响使得玄学盛行，在许多石窟中许多优秀的艺术作品被保留下来。唐代装饰艺术的各个方面得到了充分的发展。到了宋代，瓷器发展起来，誉满全球。明清家具设计以及家具上的装饰艺术到现在都被人们学习研究着，这些都对中国的装饰艺术的发展做出了重大贡献。
二、中国传统工艺
1、中国传统工艺的由来
手工艺是历史的产物，是中国劳动人民在长达数千年的生产生活中创造出来的伟大财富。早在数万年前，人类从动物界分化出来后，为了生存和繁衍，他们就不断的对周围环境进行加工创造，即利用简单工具对自然物进行改造，手工艺便是在不断地创造中，积累经验，不断总结的过程中产生的。最初的手工艺样式虽然简单，但手工艺人不断的创新及再创造，不断追求美和创造美，使得中国传统手工艺迅速发展，延续至今。随着人们改造活动范围的扩大，手工艺的创作材质更加丰富，其类别也不断细化。
2、中国传统手工艺的类别
中国文化绵延数千年，从未中断。在这片广袤的土地上，各族人们在这里生长，他们运用丰富的资源进行手工艺品的创造，这使得我国手工艺的类别十分丰富。以下列举几个具有中国特色的传统手工艺。
1）刺绣。刺绣，又称丝绣，是我国优秀传统手工艺之一，《尚书》中已有对刺绣的记载，早在4000年前，人们就开始运用刺绣来装饰衣物，随着后来的发展，至明清时期，刺绣更是被视为一种艺术品。
2）织染。我国早在原始社会就已经发明了养蚕缫丝，并运用自然纤维织布缝衣，并在此基础上运用各色矿物颜料在织物上进行简单的染色与着色，西周时期得到较大的发展。随着时代的发展，织染工艺逐步进入寻常百姓家，这也是织染能够一直传承下来的重要原因。
3）陶瓷制作。中国的英文名就是China—瓷器，由此可见中国瓷器在在国际社会上的影响，陶瓷器发展初期是作为一种生活工具而存在，随着陶瓷制作工艺的不断完善，人们不仅只关注其使用性，更加关注其装饰性，到了瓷器发展后期，优秀的瓷器更被视为一件艺术品，中国制瓷工艺也逐步走向世界，完好保存至今。
4）漆器。我国在制作漆器方面已有7000年的历史，从新石器时展到汉代，漆工艺有了很大发展，至明清，中国漆工艺发展已是相当成熟。漆工艺积淀着十分丰富文化内涵，古人将智慧揉入漆器制作中，不断开拓创新，才使得漆工艺得以发展至今，依旧散发着独特的光芒。
5）雕刻。我国早在新石器时代时期，就并存着写实和装饰风格的雕塑，保留至今。我国的雕塑运用的材质也十分广泛，木雕、石雕、玉雕等等，都具有相当大的艺术价值与文化价值。
6）工艺画。工艺画与传统绘画不同之处在于工艺画是借用某一材质来进行绘画创作，这些工艺画的形式多样，质朴自然，主要有羽毛画、铁画、软木画等，表达了人们对美的追求和不拘形式的艺术追求。传统手工艺类型繁多，除上述类别之外，还有许许多多的手工艺杂项，体现了古代人们无限的智慧和璀璨的中华文化。
三、在传统手工艺影响下的现代中国装饰艺术
1、中国现代装饰艺术现状中国的传统手工艺很大部分都保存了下来，经过不断的改良，越来越适应当今手工业的发展，而这些传统手工艺随着各部门各行业的相互交融，运用范围也不仅仅局限于某个领域。装饰艺术的含义十分广泛，一切有装饰性能的事物都可以被称为装饰品，相比其功能性，装饰艺术更加注重装饰性。中国传统装饰艺术是中华文化的有机组成部分，它沉淀着中华悠久的历史文化，它是一个民族的烙印。中国传统手工艺是中华文化中一颗璀璨的明珠，它有意无意对中国现代艺术产生了深远影响，当然也包括中国现代装饰艺术。
2、传统手工艺在现代中国装饰艺术中的体现和价值中国织染技艺有几千年的历史，包括各个少数名族都有非常精湛丰富的织染技艺，一直以来都是人们日常生活中运用普遍的传统手工艺。中国的四大名绣，各有千秋，无论是针法技艺，还是在刺绣、织染中慢慢形成的传统装饰图案，这些技艺一部分保留下来运用在一些现代装饰品中，传统图案慢慢富有特殊的意义，被用于特殊的场合给予一定的含义；陶瓷发展初期是被作为一种生活器皿存在的，随着各种新型材料的出现，一些生活用具被其它更加方便的材质的所替代，陶瓷品慢慢倾向成为一种装饰品；我国漆器的制作与使用，到了现代，漆工艺在各个领域都有运用，不仅运用在器皿设计上，还运用在一些首饰品，以及运用漆工艺作为绘画方式的漆画，在一些木艺中作为辅助的手段作为装饰；雕塑可以分为很多种类，中国传统雕塑有贝雕、象牙雕、石雕、玉雕、木雕、泥雕等等，还有各种印刻，中国现代雕塑流派纷呈，花样百出。中国传统工艺画种类非常繁多，所用材料及工具也是相当丰富。他们对于中国现代装饰艺术的影响深远，这些古老的工艺画技法为现代装饰艺术提供了更具有文化底蕴与历史含义的创作手段。中国传统手工艺除上述类型外还有很多，都为中国现代装饰艺术作出了特有的贡献。
关键词：传统手工艺；艺术设计教育；创新；文化；消费市场
从上世纪八九十年代开始，传统手工艺逐渐得到重视并恢复发展起来，但是某些种类的手工艺还是面临重重困难，无论从工艺手段、材质，还是应用价值等来看，都受到很多限制，如果只是作为一种传统手工艺的保留，它们需要社会力量甚至是相关部门的扶持，如果目前只是依靠自身发展，短期内很难振兴，需要重整发展之路，找到和现代社会需求的结合点，并适应现代审美、现代生活的新模式。传统手工艺注重手艺的传承，大部分是靠手工完成，其成本较高，在现代社会，比较难以适应大众需求，但也有部分高端或是特殊消费群体能接受，但类似需求的力量是有限的，不足以推动某一个传统手工艺行业的发展。对消费群体的科学细分将决定产业的出路，决定行业的存亡。
艺术设计高等教育也面临着很多挑战，艺术设计的核心就是不断创新。在上世纪八九十年代，西方的艺术设计教育理念随着一批海外学者的归来，而逐渐渗入了国内的艺术设计教学领域，高校艺术设计教育的改革和创新就是在这个时期提出和实施的。时隔十几年，国内这些高校仍然在继续改革和创新着，并在不断摸索适合本土的教学模式。
在通常观念里，传统手工艺产业很难和高等教育联系起来。传统手工艺是作坊式的师徒手把手地传承技艺的模式，它的核心就是将纯熟的手艺绝活保留下来。而高等教育是侧重创新研究模式，它是在否定基础上再肯定，寻求不断的变化和创新。从某种意义上讲，两者的目标是相背离的。但是，它们也有互补性，传统手工艺目前面临的困境是缺乏创新，不能很好地和现代社会的审美和需求结合；艺术设计高等教育面临的问题是缺乏民族性，创新的根基不牢固，并且随着经济的快速发展，如何结合市场经济、企业的产业结构及对人才的需求来调整教学手段也是艺术设计高等教育在思索的问题。正是基于以上存在的问题，两者可以找到发展的共通点，相互弥补，取长补短。
下面我们将结合江南大学设计学院的教学实践来分析、探讨传统手工艺产业和艺术设计教育的互动现状：
以下是在当代手工艺教学、实践过程中的一些情况：2009年10月，我和几个做专题研究的学生到江苏省连云港东海县对水晶手工艺产业进行考察。
首先，对东海县水晶城进行考察。东海县水晶城是东海水晶工艺品的集散地，也是全国水晶原料的集散地。在水晶城里大多是简单加工的水晶工艺品，有的水晶饰品是按份量销售， 基本没有设计，也谈不上什么附加值。当然水晶城里也不乏精品，但是按照水晶石材的档次和雕刻工艺的精美来区分的，目前我们所能看到的最高附加值的工艺品就是这两者完美结合出来的产物。但是就我们所见到的精品，还是以传统题材为主，它所面对的消费群体的数量正逐渐萎缩。
其次，对当地的水晶企业、作坊进行考察。通过对当地至善坊水晶文化发展有限公司考察发现，目前他们在传统工艺的继承上做到了极致，比如他们雕刻的佛像非常活灵活现，神韵十足。有的水晶还有着非常漂亮的包含物，比如一些有色金属矿物质，会折射出美丽的光泽，挑选这一类材料雕刻成的佛像，几乎每一件都是独一无二的，不可复制的。在艺术品收藏领域中，这种传统工艺品有一定的优势，它具有很高的收藏价值。企业高层非常重视与高校间的交流，意识到传统手工艺行业都面临的种种问题和困难，比如大多数传统手工业没有发展的远景规划，目前遇到的瓶颈就是只能满足对传统工艺的一部分市场需求，也就是不断复制传统的东西，形式上没有创新，消费的群体也比较局限，并且当代设计理念相当缺乏等等。我们深入接触的这家企业在行业里有一定的先知先觉，他们已经开始在自我的定位上寻找新的突破口。
通过与至善坊水晶文化发展有限公司的交流我们有了以下第一手的资料信息：
一、规划企业发展战略
企业在成立至今的6年时间里，以前三年的时间充分融入行业， 在此基础之上实现企业规模扩大。
二、确定企业文化和理念
确定“我们的灵魂就是水晶，水晶就是我们的灵魂”的企业文化，提出“艺术化设计、产业化生产”的发展理念，坚持“不换思想就换人”的观点。
三、引进艺术设计专业人才促进企业发展
从08年引进第一批艺术设计专业设计师以来，企业在产品的质量、产品的销售、管理模式等方面发展迅速，成绩斐然。
通过至善坊水晶文化发展有限公司的个案分析，现代艺术设计教育和传统手工艺产业各自存在的利弊有以下几方面：
一、现代艺术设计教育的优势：现代艺术设计教育具有系统性、开放性、交互性，对品牌意识及打造品牌的理念比较成熟 。
传统手工艺的优势：传统工艺美术行业拥有精湛的技艺，其产品在收藏市场上具备坚实的基础。
二、现代艺术设计教育的弊端：由于传统文化和技艺等方面的“断代现象”，设计教育体系下的学生在传统与现代的融合方面存在欠缺，设计作品个性凸显风格前卫，由此导致设计产品与消费群体脱节。
传统手工艺的弊端：传统手工艺行业面临缺乏创新、品牌意识薄弱、市场分析缺乏科学性以及知识产权的保护措施的无力等诸多问题。
总的来讲，传统手工艺产业是一个特殊的行业，它的特殊性决定了其半自动化程度，特别是形态复杂的工艺品的加工大部分还是需要靠手工来完成，即使是使用机器，人工对机器操作的熟练程度也很难被电脑程序指挥下的机器完全替代。手工艺在现代社会的价值很高，但是如果只停留在照搬和重复古人的东西，其价值也是低廉的。艺术设计高等教育在传统手工艺产业中发挥了对传统文化精髓的挖掘，与当代设计理念的融合以及对品牌的打造等方面的作用。 现代艺术设计高等教育和传统手工艺产业的结合需要找到适宜双方发展的契合点，看清以上分析的各自存在的问题和具备的优势，这样才利于制定出长远合作和发展的规划，产生良好的互动效应。因此我们还要逐步探索如何和企业产生联动，如何引导消费市场，以及如何增加现当代手工艺术品的附加值，这将是我们艺术设计学科将要继续研究和探索的课题。
参考文献：
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近几年，随着经济的高速发展，建筑业兴起，人们迫切的想要提高生活质量，对室内的要求也显著提高。由于我国现代室内设计没有太长的发展历史，在实践的过程中受到了西方设计的冲击与排挤，具有中国特色的设计发展受限。紧跟世界潮流并具有自己的特色成了当今室内装饰的难题。所以要把握中国传统工艺可以充分拓展设计空间的特点，为现代室内装饰提供借鉴。
一、传统工艺美术的发展与特征
传统工艺美术是指具有百年以上历史传统并且世代相传技艺精湛的工艺技术，它需要具有鲜明的民族性以及完整的工艺流程。工艺美术是我国传统艺术的一个重要分支，具有悠久的历史，是美术发展的原始形态。从新石器时代的陶器到明清时期的木工艺，充分显示了传统工艺实用与审美相统一的特征。我国的传统工艺美术可以分为许多种类，按照工艺可以分为雕塑工艺、画绘工艺、锻冶工艺、剪刻工艺、烧造工艺、编扎工艺、髹饰工艺、织染工艺等几大类。
工艺美术起源于社会的生产实践，包括社会生产与劳动生活。最早的工艺美术生产出的工艺品就是日常生活的用品。我国的工艺美术具有实用与审美的统一性，是内在使用价值与外在审美特征的完美结合，满足了人们的物质精神需要。我国的工艺美术还具有民族传统性，可以反映中华民族自身独具特色的审美取向，在世展的过程中积淀形成了与其他民族不同的特征，是民族文化的升华。材料工艺性也是我国传统工艺美术的重要特征，一般选用天然的材料，以手工制作为主，工艺流程完整固定。
二、现代室内设计的概况
室内装饰是一种综合性艺术，是为了满足人们对室内环境舒适与方便的追求而出现的，创作的基本思想是以人为中心，强调使用功能与审美情调的融合，既重视空间的舒适性，又强调审美性。
室内装饰设计是受实体羁绊的艺术、“戴镣铐的舞蹈”；是使用特性和审美特性并重的艺术，要坚持功能与审美的统一；是强调形式美感的艺术，要淡化思想，突出凝练性；是体现设计个性的艺术，通过与众不同的手法呈现出异彩纷呈的局面。
三、传统工艺美术在现代室内装饰设计中的融入与运用
中国传统美术可以充分为现代室内装饰设计提供具有现实意义的运用参考。传统工艺是为了美化生活而制作出来的，具有很强的装饰性。种类繁多，与目前的多元化设计相契合。许多对生产工具装饰的技艺具有科学性，可以激发设计师的灵感。主题宽泛，取之不尽用之不竭，独具特色的象征性符号满足现代室内装饰简洁的视觉效果。中国传统工艺与现代的设计具有很强烈的对比冲突性与差异性，可以增添建筑内部的时代感与民族感。由于工业产品的挤压，目前的传统工艺品已经变为小众文化，将其融入到现代设计中是对民族文化的保护与继承最有效的方法。
传统工艺美术在运用到现代室内设计的过程中，要符合室内装饰的朴质特点，契合环境，适度装饰，将装饰融入环境，成为环境的亮点。设计风格要互相适应，与其他装设的配合要相得益彰，具有整体美。在保持整体美的基础上还要突出现代感。减少过于复杂的工艺品的运用，重视新工艺与新手法。遵循现代设计理念，使设计符合现代人的审美方法。在设计时，可以将传统的造型直接引用到设计方案当中，也可以将传统图案进行重组或者结构，替换其材质。在充分掌握造型规律后，可以对传统元素进行再创造以产生新的表现形式。将传统工艺的精髓而非形式融入室内设计，实现装饰中国化，在设计实践上大力探索，推进美术进步。
在实际应用的过程中，将现代室内设计加入地方文化、主题、材质三个方面的传统文化元素，并将传统工艺美术的不同方法综合运用。
例如南京某酒店以宋朝时期的江南庄园为模板，将典雅华贵的传统文化元素应用得恰到好处。
关键词：刺绣；工艺；服装设计；教学
我国历史悠久，有“衣冠王国”的美称。从古至今，中国人凭借优秀的工艺水平，为世人创造了各种各样精美绝伦的服饰，为中华民族的历史文化增添了浓墨重彩的一笔。“刺绣”是针线在织物上绣制的各种装饰图案的总称，是中国民间传统手工艺之一，在中国至少有二三千年历史。但是，目前对传统刺绣工艺引入现代服装设计教学方面的研究相对比较缺乏，处于“表面化”和“形式化”层面，[1]这对刺绣工艺的传承造成了一定的影响。本文通过对刺绣的全面认识、刺绣在现代服装设计中的表现形式，以及刺绣在现代服装设计教学中的应用进行分析，为今后的教学提供思路。
1 传统刺绣工艺的认识
有学者指出，“中原传统服饰是面料的自然风、盘扣的休闲风以及刺绣的和谐统一”。[2]传统刺绣工艺最早起源于纹身，人们为了辟邪消灾将民族的图腾刻在身上。后来经过女红的创造，逐渐从纹身向服装刺绣转变。那么如何定义刺绣呢？刺绣从简单定义上来看，指通过针线的方式在底布上面穿梭绣出图案的一门技法。刺绣发展可追溯的历史较长，在每一个时期都存在不同的发展和变化。刺绣工艺经历了较长时期的历史演绎，积累了大量的经验和财富，形成了各自独特的风格特征。中国较为出名的苏、蜀、粤、湘刺绣被誉为“四大名绣”，它们有着各自的特点，深受现代人的喜爱。同时，在我国其他少数民族身上也有各自独特的刺绣特点和刺绣文化。刺绣的用途比较广泛，如可以用于绣荷包、可以用于家居装饰、可以用于服装设计等。
关于刺绣教育的问题，可以追溯到清末著名刺绣大师沈寿，其最先打破了传统的“艺徒制”，采用了“学堂制”。[3]在现代服装设计当中，设计师们一方面超越时代，汲取先进思想和技术；另一方面，从传统民族元素中寻找灵感，传统刺绣工艺就成了重要的灵感对象。刺绣艺术博大精深，在中国文化世界传播的背景下受到了各国设计师的青睐。作为一种传统的视觉元素，刺绣具有独特、纷繁、古朴的美丽图案，而且色彩鲜明、对比强烈、艺术效果上佳等优点，因此在当前现代服装设计教学中值得进一步研究。
2 传统刺绣工艺在现代服饰中的表现与形成
把传统刺绣工艺引入现代服装设计教学，是对这门民族手工艺传承和赋予其新的时代意义的一次有益尝试。在现代人的服装意识中，更多强调的是时尚、个性、简单，因此如何把传统刺绣的技艺和现代人对服装的审美需求，以及现代服装工业发展相融合，成为这次教学尝试探讨的主要课题。刺绣工艺在现代服装设计当中需要针对造型设计做好装饰性和实用性的统一，根据不同类别的服装、不同服装市场消费层次的需求，在技法、图案以及造型上设计得更具针对性。
服装分为成衣和高级时装两大类别。所谓“成衣”，即人们普遍穿着的日常服装，我们知道传统刺绣主要是依靠手工完成的，而且由于需要刺绣针法多种多样，为了满足批量生产的需要，降低生产成本和工序，逐渐地诞生了电脑刺绣和机器刺绣。设计师可以将服装店款式特点、造型特点、图案特点、色彩、技法等均输入电脑和机器中，从而实现批量生产。这种设计广泛地运用于当前的时尚女装、牛仔裤、童装以及毛衫当中，往往在色彩、图案以及布局上都需要与布料和风格相匹配。
高级定制服装属于精美纯手工制作的服饰，对手工时长有严格规定是其最为显著的特点。大部分这类服装都是针对个人需要进行设计的，如演出服装、礼服等。以我国著名定制服装设计师郭培为例，复杂的手工刺绣工艺在其设计的服饰作品中占有重要地位。她设计的服装往往是传统刺绣工艺与现代服装剪裁工艺的融合。浓郁的民族特色，让刺绣服饰更好地诠释了她的个人魅力和气息。当然，郭培在服装设计方面并不是单纯地选择传统刺绣工艺，而是融合了时代潮流，借鉴了西方的剪裁技术和独有的审美理念，与设计师团队一起打造的纯手工刺绣服饰，很好地诠释了传统与时尚的完美融合。
3 传统刺绣工艺在现代服装设计教学中的意义
传统刺绣工艺在现代服装设计教学之中有着重要的意义，主要体现在两个方面：其一是艺术价值，其二是经济价值。因此，教学中应当特别注意传统刺绣工艺的价值和地位。
3.1 艺术价值
刺绣艺术是我国传统艺术的重要组成部分，历经千余年沧桑不变，以鲜明的民族特色和顽强的生命力向世界展示了它的风采。传统刺绣工艺在现代服装设计中有着较高的艺术价值。[4]艺术价值是不能够用金钱衡量的，生活中人们往往将艺术品视为无价之宝，对传统刺绣工艺更是如此。尽管刺绣是传统民族服饰的一种表现语言，但随着现代设计师融入更多的时尚元素和现念，其逐渐出现在世界各大时尚舞台之上，凭借浓厚的文化底蕴和出色的工艺技巧，吸引了世界各地人们的青睐，展现了独有的艺术魅力。近年来，以国内影视明星为代表的高端消费群体频繁穿着刺绣工艺服饰，出席各种交流颁奖活动，在世界范围内获得了广泛关注。例如，范冰冰曾经身着“东方祥云”的龙袍服出席活动，使得世人对中国刺绣服饰产生了浓厚的兴趣，如今该礼服已经被收藏于杜莎夫人蜡像馆和英国维多利亚博物馆。由此可见，这不只是设计师个人的成功，更是传统刺绣工艺作为中国传统民间工艺的代表获得世界的认可的表现。
3.2 经济价值
在信息化的今天，有必要将民族艺术既看作经济产业又看作文化产业，将其作为文化术事业来认识、理解、研究和发展，多方面、多角度地认识其本质和特征。[5]当然，刺绣工艺在现代服装设计中存在的艺术价值，也为其带来了更高的经济价值。不同的刺绣工艺和手法都会间接或者直接作用于服装本身，不管是体现在大众成衣上，还是高级定制服装上，刺绣工艺的融入都提升了服装的市场价值，同时也提升了穿着服装的个人的价值。那些设计在衣服局部的精美刺绣细节装饰，不仅体现了着装者独有的审美理念，精致的手工艺更是高品质的表现。这类型的服装在售卖价格上往往比普通成衣要高，也是刺绣工艺为服饰产品带来更多的产品附加价值的一种体现。
传统刺绣工艺本身就拥有着古朴、艳丽、针法独特等特点，而现在经过现代设计师的匠心独运，设计更上一层楼，自然在服务于人民生活的同时，也创造出了更多的经济价值。这在现代服装设计教学中应该引起思考和重视。
4 传统刺绣工艺在现代服装设计教学中的应用
传统刺绣工艺在现代服b设计中有着重要的意义，这不得不引起我们对现代服装设计教学中的重视，因此加强刺绣工艺在现代服装设计教学中的应用分析非常重要。对于刺绣作为传统工艺如何通过设计师再设计、再创造，而不是传统工艺的翻版，本文从刺绣图案、刺绣色彩、刺绣材质三个方面对传统刺绣工艺在现代服装设计教学中的应用进行研究：
4.1 刺绣图案的应用
中华纹样在七千多年历史中的兴衰演变，其中浓缩的智慧和深厚的人文情怀也将对学生的设计审美产生一定的影响。[6]授课教师如何引导学生借古开今，利用传统刺绣图案，结合当代设计的理念和元素进行创新，是值得思考和探索的问题。因此，在教学过程中应当注重从刺绣图案的纹样出发，注重纹样与服装设计风格的统一。
图案具有自己独特的设计语言，并不是所有服装风格都能选择同一种图案。因此，在教学过程中需要让学生明白在引入图案的过程中，不能一味地固化思想、照搬照抄。借鉴图案就是将图案当中的整体形式或者某一具有鲜明特点的部分用于相应的服装局部之中，这种借鉴方式一方面能够很好地保留图案中本色的民族文化气息，另一方面也能创造出独特的东方神韵。日本设计师高田贤三在为自有品牌Kenzo设计的成衣作品中均保留了刺绣图案原始的样本，受到了市场的广泛关注。此外，对图案形式进行解构重组，这需要建立在服装的风格和造型上，如可以进行图案的简化、重新组合或者是根据图案的某个部分进行夸张变形处理。采用这种方法对原本复杂的刺绣中常见的传统纹样再次设计，使其变得简单概括又独具个性，更好地体现现代服装时尚化的特色，以符合当代人的审美追求。
4.2 刺绣色彩的应用
地域类别不同的传统刺绣拥有各自鲜明的用色手法，造就了迥异的民俗之美。以写实风格见长的苏绣通常是将五彩的绣线混合，调配成细腻的色彩，以模仿、升华自然物象之美，使花鸟、山水、人物等皆栩栩如生、精妙绝伦。[7]而以装饰风格见长的湘绣则用色明快夸张，色彩饱和，对比强烈，仅选取3～5种颜色，充分保留了单一色的张力，通过这些纯色的对比并置达到了视觉上的丰富性。在把传统刺绣引入现代服装设计教学的过程中，还需要对不同风格刺绣的色彩加以利用，这样既能保留传统刺绣色彩的象征性寓意，又能打破对刺绣传统固有色彩的单纯利用，与现代服装的流行色彩相结合，提升服装的表现力，把握现代人对服装色彩的情感认知和心理诉求。
4.3 刺绣材质的应用
装饰艺术风格展现了高雅、魅力、功能性和现代性，这些都离不开对材质的要求。[8]在把刺绣工艺引入服装设计教学的过程中，用新的服装辅料与传统刺绣材料相结合，如不同几何形状具有现代工艺特点的亚克力材料，不同质地和光泽的珠片、华丽的锆石，不拘泥于传统刺绣较为单一的丝线材料。由于刺绣的选用标准就是要能将服装上的装饰点缀感表现出来，材料的选择在风格上必须与服装风格、刺绣图案整体的设计保持统一。材质的不同会对绣线创造出来的光泽感和肌理效果产生不同的作用，因此还需要将材质与服饰面料统一，并充分运用到服饰设计当中，突出个性、展现美感。
5 结语
现代设计方法学是一门综合性、开放性的学科，它从哲学、文化、意识形态和消费心理等诸多方面为研究传统文化元素提供了方向。[9]存在并发展了几千年的中国传统刺绣工艺并没有因为现代服装工业的发展而远去，也没有被人们遗忘，它所代表的民族文化特有的精神品质，仍可以作为现代服装设计的设计理念。同时，传承不是一层不变的沿袭，在现代服装设计教学当中，我们需要不断地学习和保护传统刺绣工艺。一方面，收集民间保留的精美刺绣服饰，加以借鉴；另一方面，把现代服装设计教学体系中的艺术观念、表现手法和创作技巧的新观念融入其中，按现代审美心理进行重组和时尚化的处理，[10]开创出刺绣工艺的新气象。
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【关键词】装饰工艺品；创意；表现方法
一、云南白族传统装饰工艺品设计的创意研究
在浩如烟海的民族文化中，民间传统工艺独树一帜，它包含着一个民族特有的文化和历史。云南白族传统装饰工艺品中所蕴含的创意源于深厚的云南白族艺术文化和白族人民勤劳的社会生产实践活动，集中体现了人类的实践力和创新力。自古以来，云南白族就像云南的其他各民族一样，在改造大自然的历程中，通过经验的积累、智慧的结晶，创造了品类繁多的工艺品。如：扎染业是云南省大理市周城镇的特色产业，云南白族大理石雕是中国民族雕塑艺术中的奇葩。这些传统装饰工艺品不仅是白族群众谋生的手段，同时也是其民族文化的重要组成部分，在该民族一代又一代的传承过程中，云南白族传统装饰工艺品凝结了十分厚重的白族精神内涵，是其民族智慧的结晶和创造力的体现。
在以前人们基本上不注重工艺品的经济价值，更多的是关注其实用价值和审美价值。如今，随着我国改革开放的不断深入及社会经济的不断繁荣、发展，特别是在我国日渐成熟的市场经济社会中，云南白族传统装饰工艺品自然会受到影响，它的经济价值逐渐引起人们的高度重视。如：大理石工艺品、剑川狮河木雕、鹤庆新华的银器铜器、大理周城扎染等。（图1）（图2）随着我国改革开放及云南省“桥头堡”建设的进一步深入，云南与国内外的各种商贸活动日趋频繁，作为文化产业的云南白族传统装饰工艺品也逐渐受到世人的喜爱，并形成为独特的经济产业，通过商业的形式走向千家万户。
云南白族传统装饰工艺品要发展成一个成熟、独立的经济产业，还有待进一步的引导和规范市场，加强管理，注重工艺品自身的品质塑造，使其更加规范、有序。与国外及省外相比，云南白族传统装饰工艺品在生产设备、制作硬件方面的差距相距不大，但在工艺品设计创意方面的差距却很大，究其原因，主要是工艺品生产者对市场的调查研究不足，对市场不熟悉，对工艺品消费群体的特征、需求及消费心理的认识不足，更重要的是工艺品缺乏好的创意，对消费者的吸引力不强，对白族文化艺术内涵的挖掘和提炼也远远不够。这些差距直接导致工艺品文化承载不高，极富创意的工艺品奇缺，工艺品品质低下，满足不了消费者的需求，难以培育成熟、完善的工艺品市场。
一直以来，在庞大的工艺品市场中，虽然随处可见造型各异、品种繁多的云南白族传统装饰工艺作品，但这些工艺品大多缺乏设计创意，在市场竞争中很难脱颖而出，而且，其大多数是采用抄袭现有工艺品模式或通过一些优秀工艺品图案寻找素材，通过部分工艺环节的减省形成劣质的工艺品，最后得不到市场认可，并产生极大的消极影响。如：大理鹤庆新华村白族手工艺品工艺环节的减省导致产品质量的下降。
当前，要使云南白族传统工艺品的设计富有新颖的创意，就必须从工艺品的造型、用材、色彩、工艺等方面人手，深挖民族文化内涵，加强对社会生活实践的提炼，勇于创新，创意如同工艺品的“灵魂”，赋予工艺品好的创意可以化腐朽为神奇，可以使工艺品充满生机和富有内涵，赢得消费者的青睐，另一方面，云南白族传统工艺品的设计要特别注重创意设计的内在要求及表现方法，明确云南白族传统工艺品的设计创意及表现方法的重要作用与地位，这对云南白族传统工艺品的发展与未来至关重要。
二、云南白族传统装饰工艺品设计的创意表现方法
在云南白族传统工艺品的设计与创作中，要以时俱进，更新设计思维方式，除尘纳新，积极与其它艺术门类进行交流学习，拓展视野，要进一步研讨白族传统文化，研究白族优秀艺术作品；要紧密结合消费市场的需求，深入发掘工艺品创意设计的新载体、新方法，力求将云南白族传统工艺品的价值多层面、全方位地表达出来。主要从以下几个方面来探讨云南白族传统装饰工艺品创意设计的表现方法。
（一）工艺品个性特色的创造
创意是工艺品设计的第一要素，设计创意的好否不仅决定着工艺品的好坏，而且，还可以通过它来张扬工艺品的个性特征。云南白族传统装饰工艺品要想从激烈的市场竞争中脱颖而出，工艺品设计与生产者就必须要改变工艺品原有的创意方式、创意手段及工艺用材。打破“传统”的束缚，挖掘民族文化中的设计创意载体，结合当下新科技、新材料赋予工艺品新的设计内涵，使其充满浓厚的民族文化气息。注重造型及形式美法则的运用，更新设计理念，使设计创意贯穿于工艺品设计的全过程，使工艺品的设计创意不论是从外观、内部结构、用材、色彩等方面都体现出强烈的个性特征，具备较强的视觉冲击力，树立工艺品自身独特的视觉形象，给观者有“出其不意”的感觉，让其留下深刻的印象，这样，才能使消费者对工艺品产生浓厚的兴趣和强烈的购买欲，从而达到装饰工艺品的商业宣销目的。
（二）装饰工艺品设计中对人性的表达
如今，社会的发展体现的是“以人为本”的宗旨，装饰工艺品作为一种艺术形式，必须兼顾消费者物质与精神层面的追求。工艺品设计是有意识的艺术创作活动，宗旨是为人民群众服务的。因此，工艺品的设计应以满足人们的物质和精神方面的需要为目的，设计创意要力求反映生活，使工艺品蕴含生活气息，富有生活情趣。在设计构思上要考虑有人文关怀的创意，要让消费者感到有亲切感、认同感。因此，云南白族传统装饰工艺品的设计创意构思应源于生活、反映生活，以民族文化为载体，体现丰富的民族文化内涵。在工艺品设计时，着重采用生活化和情感性的设计创意手法。提炼生活中的亲情、爱情、友情等温馨甜蜜的素材作为工艺品设计的创意题材，如：家喻户晓的金花与阿鹏的经典白族爱情故事等，这些优秀的生活题材完全可以通过工艺品精心的设计与制作生动地表达出来，受到消费者的喜爱。（图3）
在工艺品设计中还要特别注重文化、生活元素与时尚的有机结合，要让工艺品能体现生活情趣、反映文化内涵及传递时尚的气息，设计创造时尚，同时也发展着传统的内涵，使消费者在享有工艺品本身的同时感觉到也是在享有一种时尚。在当今社会，时尚正成为引领人们生活的主要潮流，越来越受到消费者的追从，为满足消费者的需要，云南白族工艺品设计从创意设计到工艺制作上都应赋予时尚的元素，使产品具有较强的时尚感，同时，要从人性的角度和人的审美心理特征入手，结合设计构成的基本原理及形式美法则的内在要求深挖生活中的趣味性时尚元素，运用不同的文化和创意手法，汇集一切有利因素，潜心设计出时尚、精美的工艺品，其目的是为了提升工艺品设计的内在品质，使它不再是冷冰冰的物质形体，而是承载着人性特征，传递着浓烈文化气息的物质和精神食粮。
（三）工艺品设计表现手法的多样性
为了满足不同消费者的需求，增强对消费者的吸引力，更好地推动云南白族传统装饰工艺品市场的发展，在云南白族传统装饰工艺品的设计创意时应拓展更多渠道，采取更多不同的方法。进一步提升白族工艺品的商业价值和艺术价值，丰富其内涵，增强其市场竞争力，在其设计表现手法上要加强多样性表现形式的综合应用。
根据云南白族传统装饰工艺品设计内容、目的及要求的不同，在设计时，要制定周密的设计计划，要针对不同的设计内容采用相应的表现手法。在工艺品设计创意时，可巧妙运用对比、比喻、幽默、象征等表现手法，这样既可丰富工艺品自身的意韵及内涵，而且还可通过轻松诙谐的情节表现，展现出工艺品的特性与可爱，赢得消费者的喜爱，增强工艺品的市场竞争力。（图4）
同时，还要善于利用一些家喻户晓的民间传说或典故进行创意的方法来设计工艺产品，这样能大大提高工艺产品的知名度，让工艺产品在消费者心目中产生强烈的认同感；另外，也可以利用创意设计系列性工艺产品的方法，设计更多成套的、相互间存在某种内在关联的系列性工艺产品，用这种连续性的设计创意方法来拓展工艺品的延展性，让消费者面对一组组设计精美、韵意连续、极富内涵的系列性工艺产品时能倍感亲切，同时，还能让他们产生开心的联想，从而促动消费者的购买意向。
我国《传统工艺美术保护条例》指出，百年以上、具有完整工艺流程、世代相传、工艺精湛、历史悠久、具有地方特色与民族风格、采用天然原材料、享誉世界的手工艺技艺与品种，才能被称为传统工艺美术。随着现代设计概念取得显著发展，工艺美术的概念一直秉承传统的概念理解，即在一定的理论研究范畴以及领域与地区内，以手工艺为基础、体现传统的装饰与工艺的产品。因此，工艺美术在我国是传统工艺美术概念的延续，概念范畴的拓展，但并不能概述性地指代现代设计。传统工艺美术是具有特定文化内涵的物质载体。目前，我国主要通过三种措施对传统工艺进行保护与发展。第一，依据文物保护范畴，保护传统工艺美术品。第二，保护工艺美术师，进而保护工艺美术技艺。第三，国家在政策上扶植工艺美术产业。政策要求政府部门必须对传统工艺美术技艺与品种实行提高、发展、以及保护的方针，通过有效、合理的措施，促进传统工艺产业的繁荣与发展。传统工艺美术兼具审美和实用的双重属性，往往需要经历几代艺术审美的提升与技艺的积累，才能得以呈现。现今，随着生活观念与生活方式的快速转型，很多传统工艺地区的发展模式比较滞后，依然遵循着重装饰、重材料、重工艺、重传承的老旧模式，鲜见符合时代需求的创新产品，价值和作用与现实生活严重脱离。因此，基于市场竞争与产业格局的转型，针对传统工艺的市场开拓、振兴、发展等方面，学界形成两种相反的观点。一种受到经济利益的驱动，表现得急功近利，致使传统工艺畸形发展与过度开发；另一种是否定发展市场化传统工艺，传统工艺只能以装饰品、陈设品的艺术形式立足于市场。这两种观点都不利于传统工艺的整体发展。
二、传统工艺创新设计采取“双导师”模式的意义
“双导师”制就是为学生配备两个导师，即校内一个导师，校外一个导师。校内导师指导学生专业课程的学习，校外导师则参与指导学生的实践和项目研究等环节。“双导师”旨在将艺术生教育从以培养学术型人才为主向以培养应用型人才为主转变。这样的培养模式能够大大提升艺术设计类学生的实践应用能力，使之在未来的艺术设计之路上能够更好地适应社会的需求。传统工艺作为一种文化产品形态，经历了长久的历史沉淀。因此，要想推动传统工艺行业的发展与升级，需要对传统工艺进行设计、工艺、技术上的创新，这既是对传统文化的继承，也是行业自身发展的要求。其中，将“双导师”模式引入传统工艺美术人才的培养中，利于传统工艺的创新设计，也利于传统工艺的整体发展。其意义在于：首先，对传统工艺美术进行定位时，要以发展、开放的眼光作为基本立足点，进而对传统工艺的产业价值进行深入挖掘。而不应故步自封，依然沿袭传统模式。可以说，转变传统的工艺美术观念是应用“双导师”发展模式的前提条件。在当今社会，发展现代设计要依照现实的需求，借助传统工艺美术的历史积淀，不断探索符合时代需求的艺术形式与设计语言；同时，设计的核心是创意，创意就是要靠人才。将“双导师”模式融入传统工艺设计人才培养中来，可以从现代设计创意的视角拓展传统工艺的范畴，并为设计人才搭建平台，整合资源共同开展传统工艺的创新发展与保护性开发，推进整体行业的发展。其次，设计中重要的一点是要通过品牌先导把文化注入产业。传统工艺应该与创新设计相结合，以保持传统工艺活力，并在发展产业的基础上建立成熟的民族品牌。品牌的良性竞争有利于人们对传统价值的再发现与再认知，不断为文化产业提供新内容。在顺应消费需求的同时，也可以给本土化设计创新与设计审美提供良好的文化生态环境。目前，随着文化创意产业的蓬勃发展，通过“双导师”模式引入人才培养，使得创新设计思路与市场相结合，振兴传统工艺。例如，剪纸是我国传统工艺，我们有责任与义务对其进行传承与发扬。应用“双导师”模式培养剪纸人才，不仅可以帮助学生掌握剪纸技艺，还能帮助学生准确把握现阶段市场发展的需求，结合当代文化对剪纸造型进行创新，从而让剪纸这一现代手工艺更具民族文化创造力与内驱力，并构建起发展传统工艺为现代生活方式服务的产业基础，这对我国文化创意产业的发展有着重要作用。此外，在全球化与现代化的语境下，立足于传统工艺实际状况，通过设计把传统文化要素注入产品，是提升设计产品市场竞争力的重要途径。将“双导师”模式引入创新设计人才培养之路，可以使设计者具有市场敏锐度与前瞻性，设计出既适应市场竞争，又符合现代审美的文化产品。例如，学生在设计我国传统服饰旗袍时，若采用“双导师”模式对设计者进行培养，更益于学生把握旗袍的传统特征，同时将时尚元素融合到传统文化中。传统与时尚的碰撞不仅有利于对传统文化表达形式进行时代性塑造，增强人们欣赏传统工艺的素养能力，更可以将传统工艺融入到日常生活中，形成普及与推广传统工艺价值的有效途径。
关键词：侗族；传统工艺；研究；发展；综述
通道位于湖南省西南边陲，湘桂黔三省（区）交界处，境内侗族文化源远流长，保存完好，被誉为“侗族文化圣地”。建筑文化方面，鼓楼、凉亭和风雨桥被誉为侗族建筑“三宝”；民族服饰与织绣方面，侗锦、侗族服装、首饰、头饰、布鞋以及侗族蜡染、扎染等均别具一格，特色鲜明，其中侗锦织造技艺入选国家级非物质文化遗产名录；其他传统工艺方面，彩绘、剪纸、竹雕、木雕、竹编、草编、藤编等品类繁多，美观实用，无不展现了侗家人的勤劳与智慧。
与许多传统工艺一样，侗族传统工艺在与现代文明遭遇和碰撞的过程中，也面临着新的挑战和淡化、同化甚至消亡的危险，其式微的处境引起了通道县委、县政府、行业企业、高等学校、科研机构、民间艺人、专家学者等高度关注，纷纷以实际行动开展侗族传统工艺的传承保护与创新研发，取得了较为显著的成效，现综述如下。
一、理论研究成果
（一）侗族传统工艺现状与式微原因研究
专家学者深入通道进行田野调查，认为从目前形势来看，侗族传统工艺处于一个比较尴尬的境地，并对这种处境的成因进行了探析。焦成根等（2014）、姜凯云等（2015）、贺科（2015）等探讨了侗锦、传统建筑等存在的发展危机，归结为五个方面，一是技艺传承危机，二是思想观念的变化导致传统工艺生存空间受限，三是没有形成以政府为主导的政策与经济的双重支持模式，四是宣传力度不够，五是高校对传承弘扬侗族传统技艺人才培养的欠缺。石霞锋等（2010）认为主要是社会发展变化造成了侗锦等的传承危机，一方面，社会的进步与发展、外来文化的入侵，使侗族人的社会结构和思想意识都发展了巨大变化；另一方面，生存环境的变迁，生产方式的转换，造成了侗族人、特别是年轻人，很难沉下心去学习侗锦技艺。这类研究号召人们关注侗族传统工艺的前世今生，呼吁人们为了侗族传统工艺的未来发展而有所作为。
（二）侗族传统工艺的文化解读
侗族拥有丰富多彩的文化，却没有自己的文字。传统工艺作为一种恒久性文化载体，在某种意义上弥补了侗族无文字的缺憾，学术界对其中蕴含的民族文化进行了多角度挖掘。蔡荭（2004）、石霞峰（2010）探讨了侗锦文化意义，认为侗锦蕴含着侗族历史传说、宗教故事、民俗文化等民族传统文化，反映了侗族崇尚自然、避凶趋吉、消灾祈福的文化心理。朱卫红（2009）、戚颖（2009）认为凤鸟纹当来源于图腾标记，凝结着对祖先的崇拜意识。张晓春（2010）以详实的田野资料论证了阳烂村鼓楼建筑天人合一的宇宙自然法则和楼桥相映的“类生命意识”。
（三）侗族传统工艺的审美研究
不少学者对侗族传统工艺的审美情趣进行了较为深入的研究。陈丽琴（2006）从缜密均衡的图案美、明丽悦目的色彩美、传神生动的造型美、手法灵变的表现美、含蕴丰富的意韵美、材料质地美等六个角度分析了侗族工艺美术审美特征，认为侗族民间工艺“具有浓郁的侗民族特色和极高的艺术审美价值”。杨丰齐（2015）重点探讨了侗族服饰所反映的审美个性，一是崇尚自然，二是纷繁复杂的多神崇拜，三是对积极快乐、自由和谐的追求。
（四）侗族传统工艺的传承保护研究
在当今时代，该如何传承保护侗族传统工艺呢？不少专家学者提出了科学可行的建议。石霞锋等（2010）认为，首先由政府主导，加大对侗锦技艺的研究力度，扩大对侗族文化的宣传；其次，培训侗锦技艺传承与保护人员；第三，走民族艺术保护与民俗旅游协调发展的道路。焦成根等（2014）建议通过高等学校、科研机构、民间艺人、政府、行业企业之间的深度联合和产品制作设计的优化与创新，实现传统侗锦“产、学、研、商”一体化的活态传承发展。姜凯云等（2015）以通道侗锦为例，探讨了地方性传统手工艺生产性保护的两种模式，即“公司+基地+农户”开发模式和“校地合作”的传承和教育模式。
（五）侗族工艺新产品开发研究
在侗族工艺新产品的开发原则与开发思路上，黄修忠（2006）认为应根据市场变化开发织锦新品种；武（2014）认为基于侗族民间工艺的旅游产品开发应从区域旅游角度出发，突出侗族旅游产品的特色；王艳晖等（2010）认为在产品的创新开发过程中将民族特色与时展的需求密切结合起来，一方面保护传承侗锦的民族精神气质，另一方面在侗锦中融入现代消费的审美元素，塑造出具有通道地方特色的文化产业；杨建蓉（2014）提出了通过解构和重构侗锦、开发旅游纪念品的创新思路，解构侗锦的文化意涵，吸收侗族织锦艺术精髓，导入到旅游纪念品创新设计中去，实现传统技艺在现代生活中的延续与扩张。
一些专家学者基于具体案例，探讨了侗族工艺新产品开发的方式方法，杨颜菲等（2011）提倡将侗锦图案创造性地运用于建筑空间，即根据建筑的主题与造型，运用现代设计的原理对侗锦图案进行分解与重组，形成更具观赏性和意义性的新型图案纹样，创造既有民族味又有时代感的建筑空间。单冉等（2015）认为可将侗绣创新运用于现代装饰领域，一是将侗绣图案运用于现代家具设计、公司文化墙设计、展览展板、会展大厅等，提升空间的时尚指数和艺术指数；二是在现代服饰中融入侗绣的工艺、图案和装饰手段，不但能发挥民族特色，而且使现代服饰充满了艺术魅力。
二、实践探索成果
（一）通道县全面推进侗族传统工艺的传承与发展
近年来，通道县贯彻落实《国务院关于进一步繁荣发展少数民族文化事业的若干意见》（国发[2009]29 号）等文件精神，探索出了一条以乡镇为基础、以节庆为平台、以机制为保障、以打造百里侗文化长廊为重点的文化发展之路，有力地保护和开发了侗族文化特色，民族文化工作得到了长足发展。
具体到侗族传统工艺的保护传承方面，一是建成了湖南省第一家集成品展示、现场展演和产品销售为一体的专题博物馆――湖南省侗锦博物馆；二是分批次将最具侗族建筑特点的文物本体申报为国家级重点文物保护单位；三是抢救、挖掘和整理出版了一批侗族文化书籍，如《中国湖南通道侗族文化遗产集成》丛书12 册（含《建筑大观》《服饰大观》等）；四是拍摄了系列电视专题片《湖南侗族文化音像资料库》（内含建筑、民间工艺等）；五是组建了侗锦织造技艺传习所等，举办侗锦等技艺培训班；六是积极推进民族文化进课堂工作。产品开发和产业发展方面，在侗文化旅游的大背景下，该县依托传统工艺等文化资源，加快发展文化创意产业，境内涌现了不少生产侗锦、木雕等的企业或作坊，开发了不少旅游纪念品；尤其值得一提的是通道呀耶侗锦织艺发展有限公司，该公司已建成“企业为龙头、基地为载体、农户为纽带”、辐射全县的侗锦生产示范基地，致力于侗锦的创新开发，先后研发抱枕、床上用品、披肩、围巾、提包、礼品等100多种侗锦产品，构建了线上电子商务、线下实体店面销售的营销体系，建立了“以销定产”的经营模式；2011 年，该县被文化部命名为“全国首批国家级非物质文化遗产生产性示范基地”。传播推广方面，除文化旅游推广和网络推广外，通道坚持“走出去”道路，通过展会活动推广，如侗锦先后参加了中国2010年上海世界博览会、韩国第四届首尔国际纺织品博览会、澳门非物质文化遗产项目展等节会活动，这对推广和传播侗锦具有重要意义。
（二）湖南大学“新通道”项目推进侗族传统工艺的传承与发展
湖南大学设计艺术学院院长何人可教授主持的“新通道”设计与社会创新项目，通过非遗保护、工业设计、景观与家居设计等综合工作方法，参与式地促进当地居民的文化自主意识和产品创新。2014年，湖南大学在通道县坪坦乡横岭村成立侗文化研究与推广基地，基地集研究侗锦文化、生产侗锦、销售侗锦、展览侗锦与现场演示为一体，研发生产的侗锦产品包括床上用品、提包、旅游纪念品等，由湖南大学研究生抽取侗文化中的艺术元素和图案纹样进行设计、侗锦大师编织，产品既富民族特性又具现代气息。2015年，该项目组设计的创新产品亮相米兰世博会，展示了侗锦文化的魅力。
三、现存不足
虽然侗族传统工艺的研究保护与传承发展取得了不凡成绩，但目前也存在一些不足。一是理论研究、挖掘整理缺乏系统性，专家学者的理论研究往往只关注某种工艺的某个方面，当地政府组织的挖掘整理还不够深入、细致。二是理论研究与产品开发实践未能很好对接，如杨建蓉（2014）中提出通过解构和重构侗锦元素，研发富有侗锦特色和内涵的创意产品，如自行车、山地车系列的侗锦防滑手套、把手套、水壶套、适用于头盔和车身等的装饰配件，该创意尚未转化成产品。三是工艺产品开发不尽如人意，或缺乏创意和时代特色，或艺术品位不高，或因设计理念过于前卫而不被当地人认可等。四是传承发展的一些关键要素尚未引起各界高度关注，如侗族传统工艺原生态生存环境的营造、艺人群体素质的提升、传承新生代的培养、推广模式手段的创新等。
因此，如何系统进行侗族传统工艺的挖掘整理与研究，如何成系列开发具有民族特色、时尚气息、较高艺术品位和较高附加值的创新设计作品，如何打造技艺兼工的民间艺人群体，如何对内、对外展开宣传推广攻势等，将是我们进一步推动侗族传统工艺传承发展的努力方向。（作者单位：湖南工艺美术职业学院）
参考文献：
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[10]陈丽琴.论侗族民间工艺美术的审美特征[J].文艺理论与批评，2006，（6）.
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[16]杨颜菲 范伟.侗锦图案在建筑空间中的运用[J]. 大众文艺，2011，（24）.
关键词：文化创意产业；中国传统工艺美术；新思维
1传统工艺美术概述
我国的历史是当前世界上持续久远的国家，国得以传承的工艺美术较其他国家而言，有着丰富的种类，这是全世界人类的财富。受到社会的变革、战乱及经济的发展，导致在我国很多的工艺美术淹没在历史长河中。当前仅存的工艺主要在民间，后续的传承面临着诸多的问题。以雕刻、刺绣、陶瓷等工艺品为例，其主要是在传统的工艺制作基础上增加了富有当地特色的艺术，使得各地的生活能在作品中得以表达。这种艺术展现形式与当地的生活习惯、社会情况以及文化变革都有着非常大的关系。从我国的历史回溯，青铜器的鼎盛时期主要在夏商时期。该时期的青铜器技术相对成熟，以四羊方尊为例，当时的青铜锻造技术在四羊方尊在上得以体现。其整体的结构处理和细节处理，非常细腻。从侧面反映可以了解到，当时羊代表着权力，当时喜欢在青铜器上展现出羊的形象。对现在而言，这种工艺美术的价值，不单是审美的价值，同时能让研究人员通过对工艺品的研究，了解历史，了解夏商当时的社会、文化、风俗等[1]。
2传统工艺美术的现状
经过几千年的发展，我国的传统工艺在创造与消亡中不断重复。特别到了近代，受到剧烈社会变革的影响，很多传统工艺已经失传，对人类而言是非常大的损失。由此可见，传统工艺的发展远远落后于当前社会的发展，造成这种情况的出现主要有几个原因：1）需求量不断减少。近代的科技发展在人类历史上是非常突出的，整个社会面临着巨大的变革。在这种情况下，传统工艺品无法满足人们对生活的需求。特别是近些年，人们追求的是高科技产品，对产品的要求是方便、简单、操作性高。而传统的工艺品受其技术的限制，难以满足人们的需求。更改重要的是在使用的过程中，这些工艺品往往需要耗费大量的人力物力对其进行保养，与现代的科技产品对比，有了较大的缺点。2）缺少创新的能力。传统工艺的传承依托于工艺品，而当前市面上的工艺品更多的还是沿袭传统的制作内容及方式，在制作题材及技术上缺少创新，未能很好地融入时代中，使得现代人们对其接受程度不断降低。这种现象使得传统工艺品不断面临着淘汰，传统工艺面临失传。3）传承原因。以往的传统工艺技术其难度一般较大，到了现代，很少有大范围的传承。这个现象主要是有工艺的制作难度、时间以及市场的需求变小等原因。久而久之，很多的技术逐渐失传。当前能得以保存的技术非常少，导致我国的传统工艺面临着断层的情况，为了解决该问题，文化创意产业下的中国传统工艺美术需要对其发展状况进行一定的变革，以达到工艺传承的目的。
3文化创意产业对中国传统工艺美术的影响
文化创意产业以传统文化作为主体，在上面进行思想的创新，通过艺术和技术进行良好的结合，在满足实际使用需求的基础上，达到艺术美感的体现，同时确保工艺技术能得以传承。近些年，我国的文化创意产业影响下，传统工艺的相关情况得到一定的改变，主要是思想上进行了一定的变化。在保持传统的基础上，对当前社会的新文化进行吸收，慢慢丰富工艺的创作元素，使其更加贴合百姓的生活[2]。在我国政策的引领下，其独特的艺术魅力不断对世界各地造成巨大的影响。以传统服饰为例，近些年我国掀起了汉服的风潮。每当节假日，不少少男少女身穿汉服，进行踏青、采风。固然受到人们审美潮流的影响，但当前不少公司对汉服的制作，不再是采用传统的原料，而是根据服饰的特点，选用合适的布料进行制作，以满足人们对美的追求。古代的民间传统服饰主要还是以麻布大衣为主，一是能起到保暖作用，二是耐磨损。当前最受欢迎的汉服却是襦裙、褙子等更能体现美的服饰。由此可见，人们对传统工艺美术的喜好，实用性是非常重要的判断条件之一，另一个判断条件则是传统工艺品的美感。在文化创意产业背景下，结合当前人们对传统艺术品的需求，对其进行改变，使其符合当前社会的发展需求。
4在文化创意产业下传统工艺美术思维创新策略
当前人们的生活不再是以往的衣食住行，在更多时候，人们对美好事物有着更多的追求，这也导致人们的艺术鉴赏能力不断在提升，促使着传统工艺对艺术的展现不断在变化，对其创造思维进行新的变革。通过我国传统工艺美术的当前情况的剖析，笔者认为在文化创意产业背景下传统工艺的主要受影响因素在于艺术和技术两方面。只有在这两个方面进行创新，传统工艺才能得到更好地推广，为社会所接受。
4.1加强对艺术创作的创新
我国悠长的历史除了文字的记载及民间的口口相传，传统工艺美术也是其非常重要的载体。通过工艺美术可以对各个朝代的社会情况进行了解，对当时的生活、文化进行研究。同理，在当代，工艺美术需要发展，必须结合当前的社会状况及需求，采用新的创造理念、新的思想和技术，对传统工艺美术进行变革，使其成为现代的艺术品，展现它的实用性和观赏性[3]。
4.2对技术进行创新
传统的制作工艺是以当时的社会环境及制作材料、工具等进行艺术创作的。随着社会的变革，现代社会的节奏更快，工具和材料的发展也不断在进行。在进行艺术品创作的时候，需要结合当前的社会情况，对技术进行创新，采用当前社会特色的材料、工具进行创作，在原有的技术上进行升华，使得传统工艺在当前社会能进行变革，适应当前社会的快速发展速度，让历史的珍宝得以传承。以茶具的设计为例。我国的茶文化传承几千年，为了能更好地品尝茶叶，人们对茶具的制作也在不断发展。从最早的石器到瓷器再到现代的玻璃制品。从这些材料的演变可以看出，其主要的变化还是在于材料的选择。而材料的发展受限于科技的变化。传统的茶具在进行设计的时候，和其所属的区域也有着非常大的关系。茶具的设计制作，必然是当地人的思想体现，是其茶道的体现。通过对当地茶具的鉴赏，能更深入地理解当地人对茶文化的态度。而地区不同，茶具制作的材料也各不相同。在我国传统的茶具设计中，对设计的影响主要也是体现在设计师对茶文化的理解中。一是与生活的结合，对生活的体现。二是对材料的选择，对工艺的改进[4]。
论文摘要：我国传统工艺美术在世界工艺美术发展史上曾处于领先地位，对世界工艺美术发展产生了深远的影响。现今，日本及一些欧美国家已经取代了中国工艺美术的领先地位，走在世界工艺美术的前列，这一现状尤为值得深思。笔者以促进我国传统工艺美术的发展为主要目标，通过分析当今传统工艺美术在美术本科教育中的现状，提出了一些促进传统工艺美术教育发展的措施。
一万年前原始社会新石器时代已经开始出现了真正意义上的工艺美术，从新石器时展至1911年清朝灭亡，我们的祖先创造出了种类繁多、技艺精湛的工艺美术作品，为我国在世界上赢得了“丝国”、“瓷国”、“漆国”的美誉。 [1]但令人惋惜的是，我国工艺美术的发展现状与古代在世界上占绝对优势的领先地位相比已经大相径庭。就陶瓷而言，在创意设计上日本和一些欧美国家已经走在了世界的前列。日本在陶艺普及教育上更是做到在每一个市、县的公民馆设立陶艺班，甚至一些普通老百姓的家里，也设有简单的陶艺家庭作坊;再就漆器而言，在漆器工艺界内谈到漆器，更多人认同日本已经成为漆器发展的领头羊。
通过查阅多种工艺美术类书籍，笔者发现我国介绍制作工艺和制作方法的精品书籍比较缺乏，而作品鉴赏的书籍居多，导致制作传统工艺得不到较好的传承与提高。介绍传统工艺作品的书籍，尽管登载了非常多的作品图例，却没有对作品使用的原材料以及制作工艺进行详细描述，若增加对制作工艺介绍能更好的帮助读者进行传统工艺的学习。
一、本科工艺美术教育现状及对策
1.在我国开办美术专业的本科院校中，工艺美术教育相对与其他美术专业发展较为缓慢，特别是综合类大学中的工艺美术本科教育发展得更加缓慢，而迅猛发展的电脑美术教育与此构成鲜明的对比。在政策上，电脑美术教育得到了国家教育机关的大力支持，同时学生个人电脑的普及也成为电脑美术推广的有利条件。以广州大学为例，所有学生宿舍都配备了电脑专用书桌和互联网接入端口，而大多数美术专业的学生在宿舍放置了个人电脑，从他们日常操作电脑的熟练程度可以看出，使用电脑进行美术创作对于电脑美术专业学生已不是难事，而非电脑美术专业的学生也能使用电脑辅助制作自己的艺术作品。事实上，我国本科院校工艺美术教育的普及化远远不如电脑美术教育。动手能力方面，相当一部分在读的本科大学生由于在日常生活中缺少使用锯子、钉锤、铁丝等工具的经验，在工艺美术课上容易因操作不当而受伤，使部分学生对工艺品制作产生抵触心理。此外，从就业问题而言，多数学生认为如今已是科技日新月异的时代，觉得使用电脑进行创作设计，比手工艺品制作更适合社会需求，而电脑美术设计的就业面和薪酬更符合个人要求。因此我国工艺美术教育的发展在一定程度上受到了社会因素制约。
即使在工艺美术教育普及化程度较高的日本，在科技高度发达的今天，也存在着手工制作传统工艺传承问题的担忧。日本工艺美术教育学者春日明夫说过:“由于我们过多沉浸于太便利的生活中，往往失去了人类把东西制作出来它本来的意义所在。”，“正是处于信息时代，我们才更有必要再重新认识人类根源性的行为中用手制作东西的重要性。”[2] 而中国有句古话“温故而知新”，通过学习我国传统工艺制品的制作过程，感受人与自然的关系对培养创造型思维能力有很大帮助，也有利于继承和发扬我国传统工艺美术事业。
2.本科院校工艺美术实验室设备设施基本存在数量不足的问题，授课时往往不能满足一个班的学生同时进行操作。由于实验室设备数量不足，学生把宝贵的时间花费在等待上，使得本来就不多的操作设备的机会进一步减少。为了增加学生动手制作机会，提高他们的动手能力，为工艺美术实验室配备充足的设备设施是很有必要的。
3.由于多数传统工艺文化相关的书籍缺乏制作工艺说明，需要专业教师在课堂内不但要进行理论讲解，而且要多对制作工艺、原理进行说明与操作示范。若有条件，更应带领学生参观民间传统工艺作坊的作品制作过程，甚至亲身体验工艺品制作。身在工艺美术本科实验教学第一线的教师，应该考虑如何增加学生与传统工艺美术艺人的接触机会，不仅能使学生加深对制作工艺的认识，更扩大学生的视野，提高艺术鉴赏能力。当然，本科工艺美术教育并不是以培养传统工艺艺术家为目标，事实上，无论成为哪一门传统工艺的艺术家一般都需要5年以上的钻研时间，本科教育阶段并不足以实现这个目标，本科教育培养目标是使学生在课堂内外通过对艺术家的了解认识，建立自己的人生观、树立艺术家的世界观、审美观，为日后的艺术生涯打下良好的基础。
二、本科工艺美术教育展望
本科美术专业的学生一般都生活在校园环境内，生活往往是单一的两点一线往返于教室与宿舍之间，客观条件的限制使多数学生对学校周边以及所在的地方区域人们的生活状况及其文化背景的了解并不多。倘若本科教育能让学生领会到从身边学起、从生活学起，充分利用周边的资源学习传统工艺，实地观察、学习，则有利于学生对自己所处的环境和人群生存状况产生真实感情，从而激发艺术创作灵感，使艺术作品得到升华。即使本科教育只让学生学习到传统工艺美术一些基本技法与工艺工序，也能为学生的艺术生涯打下基础，对学生日后创造性的学习工艺美术知识与技能产生很大的帮助。只有源源不断的新鲜血液输入到传统工艺美术领域里，我国的传统工艺美术才能得到持续的发展，希望我国传统工艺美术能重现昔日雄风。
参考文献
