时间：2024-01-15 14:56:11
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论文摘要：视觉艺术是以图像或文字等形式，给观赏者以视觉的愉悦和体验。艺术设计特别是平面设计技术就是将视觉文化原理转化为为观赏者提供实物化艺术作品的技术。为了达到视觉审美要求，平面设计技术必须要尊重视觉文化的主要规律。从分析视觉艺术和视觉文化的内涵及主要特点入手，就如何在高校艺术设计教学实训中更好地应用平面设计技术进行了广泛的研究和思考。
当前，我们已经进入了一个视觉艺术时代。当今的社会是一个消费为主的社会形态，消费时代不仅意味着物的空前聚集，而且意味着一种前所未有的消费文化的形成。在消费文化时代，图像、影像等视觉内容与形式正在成为当今社会大众文化的主要形式，而这种文化方式的转变势必会影响到人们的日常生活方式和文化认同认知过程。视觉艺术的消费性意味着社会必须大量生产承载视觉艺术的消费产品，为消费者提供视觉的愉悦和的体验，因此，艺术设汁成为了当前社会热门的实用技术和研究领域，艺术设计理论在社会范围内的应用领域也愈加宽广。
平面设计技术作为艺术设计诸多技术中实用性最强、审美功效最为突出的技术形式，不但被广泛地应用于报刊、书籍等印刷媒体之中，还得到了高校专业教育的高度重视。许多高校开设了平面设计专业，培养实用性和技术性专业人才。应当说，平面设计技术脱胎于视觉艺术理论，是视觉艺术是将视觉文化原理转化为为观赏者提供实物化艺术作品的技术，因此我们研究平面设计技术的应用问题，必须从视觉艺术理论的基本特点入手。
1 视觉艺术理论的内涵和基本特征
1.1 视觉艺术的定义
视觉艺术的定义是一个有较强争议的话题，由于对视觉艺术的认知角度不同，国内外学术界对视觉艺术的基本定义并不相同，而且由于视觉艺术的自身特点，这些定义只能是描述性和概括性的，无法做出精确的廓清。总结起来，国外专家对是视觉艺术的定义多从“后现代主义”理论的角度加以研究，认为视觉艺术是“超现实的”、“精英化的”艺术形式，这种说法肯定了视觉艺术的理论性，但是未免脱离了视觉艺术本身的发展规律。
国内专家多从视觉艺术的应用性和社会属性的角度定义和研究，例如陈龙认为视觉艺术的定义应从“文化学层面定义”、“传播学层面定义”及“哲学层面定义”三个方面着手，这种说法较有代表性。笔者认为，国内学者对于视觉艺术的定义比较符合其本质属性和规律。
1.2 视觉艺术的基本特征
视觉艺术与其他艺术门类相比，具有自身鲜明而独特的特征，这种特征主要体现在以下几方面。
(1)视觉艺术具有极强的真实性。视觉艺术中的图像信息实现了视觉的真实延伸，具有强大的真实感，特别是摄影摄像技术的诞生，完全超越了以往艺术形式对于人类感官的局限性。
(2)视觉艺术具有丰富的感染力。视觉艺术的感染力集中的体现于视觉技术对场景的还原和再现。例如电影技术可以使受众迅速进入艺术f青景和氛围之内，实现了以往传统的艺术形式所无法达到的艺术感染力。
(3)视觉艺术具有丰富的信息量。人类的视觉所接受的信息数量要远远大于其他感官的接受信息量，与其他艺术形式相比，视觉艺术承载的信息数量十分庞大，特别是在媒体的新闻报道中，往往一张图片所承载的信息量要远远大于文字，而且传播效果也十分良好。最后，视觉艺术突破了语言文字的沟通障碍，实现了艺术审美的全球化和有机融合。艺术是全球化的语言。视觉艺术突破了不同语言、文字间的沟通和理解障碍，实现了真正意义上的艺术审美的全球化和有机融合。
2 平面设计技术在高校实训教学中应用的基本情况及面临的主要问题
2.1 平面设计技术在高校平面设计实训教学过程中的应用基本情况
在我国，平面设计技术经过了一个较为漫长的发展阶段，从起初的美术、绘画为基础到当前的视觉艺术与科技相结合，应当说如何将科技手段与设计理论完美地结合在一起，是现阶段高校平面设计专业实训教学的主要内容。
(1)文字设计和运用技术。文字是平面设计中最为重要的内容之一。在平面设计作品的创作过程中，创作者必须要根据作品的内容和要求，运用文字进行信息传播和内容填充。以平面广告为例，字体的类型包括楷书、隶书、行书、草书等。隶书、草书、行书等属于古体字，能够为作品衬托出古朴典雅的意境，而楷书字体端正，能够为作品增添大气端庄的特质。还有一些设计作品，字体的设计要服务于内容的需要，因此产生了一些变体字、艺术字、旋转字等，突出作品灵动鲜活的特点。。
此外，字体的编排位置也是平面设计技术的重要内容，字号的大小、标题的位置、字体的编排等都是决定平面设计作品设计水平的关键因素。
(2)图片处理及运用技术。图片处理及运用技术是平面设计技术中另一项重要的研究内容。视觉艺术理论认为，图片是视觉技术中最有代表性的形式，也是突破平面设汁技术局限性、拓展艺术空间的最有效方式，平面设计理论中“突破维度理论”即是以图片处理和运用技术为基础。在平面设计作品中，图片往往要和文字共同出现，互为配合，共同产生艺术效果。因此图片的剪切、修订、放置层次、放置位置都是决定设计效果的因素。
(3)版式设计技术。版式设计是将文字、图片等设计元素加以有机整合，从而达到视觉艺术效果的平面设计技术，也是平面设计领域的核心技术。一股来说，平面版式设计讲究稳重，力求展现一维化平面的广阔和稳定，而近年来国内外也出现了一批以跳跃式和混合式为理念的平面设计作品，力求通过打乱维度体现平面设计的立体感和生命力。版式设计除了要有机整合图片、文字等内容外，还要对颜色、面积、版面结构等进行统筹安排。版式设计服从作品需要，这是平面设计理论中颠扑不破的真理。
2.2 高校平面设计实训教学中的突出问题
作为一名高校平面设计专业教师，笔者从实训教学工作中总结出了一些主要问题。
(1)文字设计技术中对于文字的可读性关注程度不高，许多学生在平面设计作品中单纯强调版式的创新，对于文字的可读性关注不够。例如笔者在指导学生为某电子产品设计平面广告时，学生在实训教学过程中采用了翻转、套色等大量的文字设计技巧、图片的叠放顺序也经过了缜密的思索，版式上更是采取了较为先进的矩阵式设计。作品完成后笔者发现，如果从消费者的视角观察，这个作品无疑很好地体现了该电子产品的主要特征，但是最为重要的是作品功能介绍的文字信息却被学生刻意进行了压缩和调整。文字信息介绍是消费者了解产品功能最为直观的形式，也是消费者决定是否采取购买行为的直接参照，学生的设计作品恰恰忽略了这个最为重要的问题，因此这个作品是失败的，没有达到设计的根本目的和要求。
(2)在设汁作品中存在滥用图片的趋势。虽然平面设计强调图片的重要作用，但这并不意味着图片可以完全代替其他设计要素。在指导学生实训过程中笔者发现，许多学生倾向于在设计框架内大量叠放和堆放图片，试图以此获取视觉冲击力，达到视觉审美效果，这种设计理念有简单化的嫌疑。在平面设计理论中，视觉艺术不等于图片艺术，图片和其他设计元素是不能互相替代的，单纯强调图片的视觉冲击力会导致审美效果脱离设计初衷，而且图片叠放的逻辑如果没有经过周密思考，很容易使消费者产生错觉，进而影响到视觉艺术效果。
(3)高科技技术与现有设计技术的结合力度不足。笔者在指导学生进行实训的过程中主要运用了一些电脑软件技术，包括Dbotoshop、autoCAD、CorelDRAW、IIIustator、Freehand、Pag—eMaker等等，但是对于如何运用更多的高科技成果却缺少相应的手段。
3 解决高校平面设计实训教学工作主要问题的对策和措施
上文笔者所列举的当前高校平面设计专业实训教学工作中面临的主要问题具有一定的代表性，可以在很大程度上体现出当前困扰我国高校平面设计专业教学工作发展的主要困难，笔者认为解决这些困难主要应当从以下几方面着手。
3.1 加强对学生视觉艺术理论知识和审美能力的培养
在我国，平面设计专业经历了一个脱胎换骨的发展历程，从最初的植根于美术绘画专业到发展为独立的教学科目，视觉艺术的理论支撑作用十分明显，也就是说，平面设计专业的学科理论体系有着不同于其他专业的鲜明的特点。因此笔者建议高校平面设计专业要加强对学生视觉艺术理论知识和审美能力的培养，以此作为实训课教学的理论基础。例如学生学习视觉传播理论，就可以明确掌握平面广告作品中文字、图片等构成要素各自不同的功能和作用，学生通过学习视觉艺术的社会消费理论，就能够进一步明确平面作品的设计理念，这对于更好地提高实训教学水平无疑是十分重要的。
3.2 进一步在实训课教学过程中提高学生的综合素质和艺术修养
当代平面设计工作不但要求学生具有良好的专业技能，而且对学生的综合素质和艺术修养提出了更高的要求。例如需要学生具有良好的审美能力、文字能力、观察判断能力等，学生的这些能力素质对于完成一部优秀的平面设计作品是十分有用的。实训课教学强调培养学生的实践能力，同样也是培养学生良好的综合素质和艺术修养的途径。教师可以在实训课教学过程中通过案例分析等教学方式，帮助学习深刻剖析作品本身蕴含的设计理念及设计技巧，尤其是平面设计作品中的“节奏”，更需要教师通过实训教学训练及反复讲解进行培养。
3.3 引进系统化的实训教学平台
笔者认为，教师在指导学生进行实训过程中，除了要继续使用已有的软件技术以外，还要学习使用高端的平面设计系统，例如Solidworks设计系统，就是平面设计高科技化和系统化的综合性平台。因此笔者建议未来在高校平面设计专业教学实训过程中更多地引进和利用综合性设计系统，满足专业教学需求。
注释：
关键词：视觉传达设计；多媒体艺术；表现形式
21世纪是信息时代，多媒体技术的飞速发展与运用，逐渐影响与改变我们的生活方式与思维方式，多媒体通过视觉传达设计的方式，改善了传统线性结构与单一形态的艺术传播形式，改变了人们被动接收与欣赏传统艺术的方式。人们通过多媒体界面上的文字、图片、声音等，可以接收到所要表达的信息内容以及多种艺术表现形式，使人们在获得内容信息的时候，感受到特殊的艺术审美。新的科学技术与设计理念的出现，需要我们不断地学习与交流。
1 多媒体艺术的基本特征
多媒体艺术的基本特征包括：一是多媒体艺术的综合表现性，多媒体视觉艺术的构成元素包括文字、图片、符号等；多媒体听觉艺术的构成包括语音、音乐等；多媒体的空间艺术和时间艺术则是由视频、动画等构成的。多媒体艺术的综合性将视觉艺术、听觉艺术、时间艺术等结合在一起，具有一定的艺术冲击力，使艺术作品具有一定的艺术张力。二是多媒体的韵律美感，这体现了多媒体运动节奏的控制，通过调节与控制运动的速度与节拍，获得节奏与韵律，从而产生美感。三是多媒体界面的视觉传达，多媒体界面使艺术作品呈现出来，用户则通过界面看到呈现出来的信息。
2 多媒体艺术表现形式对视觉传达设计的影响
多媒体艺术表现形式给视觉传达设计带来了一定的影响，有积极的也有不足之处。积极的方面主要体现在：一是视觉导向。人们往往在获取信息时，动态的信息资源往往比静态的信息资源更具有吸引力，这要求设计师在设计的过程中，尽可能地将视觉元素与听觉元素同时调动起来，通过主次分明的强调方式，将信息资源体现出来。在多媒体艺术表现形式中，动态的往往比静态的系统更具有说服力，并且能够有效地运用。二是促进感知和记忆。一般情况下，具有一定特性或者与众不同的图形元素，在某种程度上都可以促进感知与记忆。例如在平面设计中，将图形元素重怎么排列，然后对其中的一个作特性处理，如变大、缩小或者更换颜色等，可以增加图形元素的感知与记忆。三是强化视觉冲击力。随着新技术的不断出现，多媒体艺术表现形式可以按照信息传播的需求作各种动态处理，如三维运动，可以使信息更生动、具有活力，从而体现出视觉冲击力的强化目的。四是有利于受众对信息的“过滤”。运用多媒体艺术的视觉传达设计将信息的重点进行突出体现，以此来吸引观者的注意力。信息的内容随着图形与文字的运动方式而呈现，达到信息的“过滤”。
多媒体艺术对视觉传达设计带来的不足表现：一是被动点选中的不足，多媒体是大众自由选择浏览的过程，所以说多媒体是一种被动点选过程没有传统媒体的强迫性特征；二是版面局限的不足，多媒体作为网络媒体的具体页面，与书的页面一样，受到计算机显示器的限制，设计的空间小，无法与海报或是户外广告相比，这是视觉冲击力上先天不足。
3 多媒体艺术表现形式下的视觉传达设计
多媒体作为现代视觉传达的传达媒介，与传统的传播媒介大不相同，多媒体艺术视觉传达设计主要强调设计的重点，要求设计有所变化。主要体现在交互性设计与信息设计的表现形式。
3.1 交互式设计环境下的艺术表现形式
交互式设计可以使用户更容易获得与使用信息，方便了用户对信息的控制。交互式可以延长信息的存储时间，增强对信息的理解与注意。交互式具有多种意义，交互式最低层次就是对数据的交换，在没有任何要求时，也就是简单地将数据进行转换，当交互式以信息为主时，需要知识的辅助，要求在数据转换时对数据进行解释。不同媒体对内容的表现程度与理解程度也不相同，因此，对不同种类的图像、声音、音乐、视频等进行内容处理时，可以达到不同层次的表现与理解，这也是最高层次的交互。网络多媒体与报纸、杂志、电视等媒体不同，可以为用户提供可操作选项，允许用户进行创造。而交互式设计最大特点就是对具有可控性的结果，用户可以进行信息反馈，主要体现在游戏设计当中。交互式设计不仅可以给用户提供信息，还可以提供一种交流经验。
3.2 信息设计重组环境下的艺术表现形式
信息设计的主要目的是将原始资料转化为信息。数据作为信息的记录符号，而信息是对数据的解释。原始数据，例如发明成果、调查数据等，首先需要经过加工、组织，然后通过转换成信息才可以用于学习与交流。由此可见，信息的转换是良好交流的基础，而非原始数据。原始数据转换为信息，通过学习与交流转化为知识，最后进化为智慧。信息可以通过数据表达，知识则用信息体现，这就是知识、信息、数据的三者内在的联系。视觉传达成功与否依赖于良好的信息组织结构。所以，在基于多媒体艺术表现形式下视觉传达设计中，视觉传达成功不仅关系着每一个页面内的信息内容，而是关系着各个页面之间信息的相互关系。在多媒体视觉传达设计的复杂、艺术的表现形式，充分体现了信息的设计与转化过程。
3.3 多媒体多元信息工具下的艺术表现形式
多媒体艺术表现形式是一个具有多元化的综合艺术表现形式，在计算机技术领域中艺术发展成一种技能、知识与经验的结合，伴随着科学技术、艺术以及经济的不断发展而变化。从艺术设计表现形式来看，多媒体设计与其他设计相同，都需要面对许多的问题，例如现代与传统、机械与手动、整体与局部等，设计的过程也就是处理、解决问题的过程，最终通过作品的艺术表现形式。多媒体艺术表现形式，为艺术开创了新的领域，增添了技术水平，改变了艺术的创作途径与交流过程。
4 总结
随着计算机网络技术快速发展，科学技术水平的不断提升，不断影响着视觉传达设计的表现形式。多媒体艺术表现形式打破了传统单向性的视觉传达方式，增添了多媒体与消费者之间的互动性质，其目的就是影响消费者，让消费者也参与到信息的设计当中，改善信息的交流方式，使信息更加丰富化、与有效性。多媒体艺术的表现结合了科学与艺术、技术与艺术，是未来艺术设计发展的必然结果。
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在世界艺术高等教育方面，日本仅有的五所国立艺术大学中，有四所开设了漆艺系科或课程。韩国有二十六所大学开设漆艺术课程，师生人数逾三千人之众，居全世界之首。法国素有现代漆艺术西方中心的美誉，仅大巴黎地区，就有三所艺术院校开设漆艺术课程。国内具有漆艺术专业科系的有清华美院和南艺，而开设漆画课程的则不下数十所院校。随着与国外艺术交流的日趋活跃，随着对现代视觉艺术综合材技运用的基本趋势的理解，全国艺术院校中开展“现代立体漆艺术”研究、创作、交流，将是下一个热点。
江西省的漆画创作，在上世纪八十年代曾经为现代中国漆画的发展做出突出贡献，涌现了陈圣谋等一批著名的漆画大师。近来，江西科技师范学院艺术设计系，在南京艺术学院的具体协助下，在江西省内首次正式开展了对“现代立体漆艺术”的研究与创作。我有幸作为主要的创作者，参与了这次活动，创作了一批立体漆艺术品。在整个创作与研究过程中，我进一步解读了有关漆艺术自身规律的某些讯息，掌握了一些过去漆画创作中不能表现的特殊技术，也对如何将古老传统的材质技法运用在具有现代造型意识、反映较前卫新潮的当代立体漆艺术表现中，逐渐有了一些切实的理解。
笔者在五件立体漆艺术作品的创作过程中，由南艺的王琥教授技术指导，结合自己对立体造型的理解和传统漆工艺(特别是首次接触天然漆材料和相对系统的漆工艺技法)的掌握，采取了较为大胆新颖的表现形式，取得了较为显著的特点，获得了令人满意的效果。这组作品中，既有较为传统方式的器物造型作品，也有较为前卫的装置性立体作品。作品基本都运用了国际上较为先进的现代日韩样式和传统中国夹苎技胎骨技术，而且基本使用了纯天然的中国大漆系列涂料(生漆、透明漆、黑红推光漆等)，使所掌握的漆工艺不但更符合国际漆艺界规范化的要求，而且便于今后开展深入研究和课程需要。
五件作品具体是：1、名称：《庙堂之座》；规格：高200cm，宽100cm，胎骨：木，有机玻璃、金属管、钉；涂料及辅料：天然大漆、骨料、金属粉、箔等。2、名称：《凝固的光彩》；规格：高40cm，长约70cm；胎骨：本质层板；涂料及辅料：天然大漆和化学漆，莹光棒等。3、名称：《人形的塑像》；规格：高80cm，宽60cm：胎骨：泡沫塑料/夹苎；涂料及辅料：天然红推光大漆。4、名称：《几何状构成》；规格：总高150cm，宽约40cm；胎骨：泡沫塑料/夹苎，有机玻璃管、金属底座：涂料及辅料：天然漆及化学漆、骨料、金属箔等。5、名称：《高腰花插》；规格：高50cm，直径35cm；胎骨：泡沫塑料/夹苎：涂料及辅料：天然大漆、骨料，金属箔等。
2003年夏，我和江西另一位同事获得了由中国美协举办的“中国高校艺术院系‘新视野’现代漆艺术展”的提名。这次创作不但促进了我们自身对传统漆工艺的了解，而且使我对以现代视觉美术的理念来表现漆艺术这门既古老又年轻的艺术品种，有了很大的兴趣与信心。通过亲身经历创意到制作的全过程，我自然感触良多。总结起来，我对现代立体漆艺术形成了如下新的体会。百事通
现代立体漆艺术，说到底有三个根本的属性：现代的视觉艺术表现理念，立体形式的艺术表现空间，漆材技的艺术表现手段。
现代视觉艺术，经百余年的急剧演化，形成了日前个性化、多元化、综合材技表现为基本特征的主流趋势。现代审美强调以人文意识最本质的内涵为尺度，去审视一切个人、群体、民族的美感形式，寻找到独特的切入角度。现代视觉艺术，既具有不断创新变化的承传历史遗存的使命，也具有遵循事物规律、吸纳所有文明养分的发展使命。现代立体漆艺术，为我们重新找到既代表我们民族固有审美取向、固有造美方式，又为现代世界美术综合材技表现的一种视觉艺术形式提供了绝佳的机会。它的材质、技术、型制，足以承载任何全新的或传统的、私我的或群体的美感表达和解读内容。
立体形式的艺术表现空间，使古老的漆艺术不但摆脱了依附于器物实用性的装饰功能的局限性，而且使漆艺术的造美空间急剧扩大。纵观现代立体漆艺术品，由于三维式样的展现，使得漆工艺的造物技能更充分地凸现出来，并且以令人眩目的型制空间张力和材质肌理独有魅力使其他任何材技的立体艺术品为之逊色。立体漆艺术品能应运而生，恰巧迎合了人们在现代社会繁杂特殊而细致入微的各种审美造美的载体需求。在立体的形式中，以漆媒材为结合点，无论是实用器物还是纯观赏品，无论是金属、骨料、有机物质和无机物质，都能和谐地融合相处，构筑成具有辐射性的视觉艺术品。这既是艺术历史发展到一定阶段的必然结果，也是每一个勇于创新开拓、勇于承传历史的艺术家的必然选择。
一、形式效应在视觉艺术中的体现及研究方法
视觉生理是形式效应产生的生理基础和物理性质，感官生理是人们所观察的事物以及认识，人类感官功能根据适应性选择认可一件事物，可能是符合人们早期对它的认知。这种人脑中早已浮现的事物现象，是人们在漫长的历史中进化而来的特征。当然既有先天因素，也有后天变异的过程。总之，各种感官事物可能早已植入人们视觉生理的遗传密码之中。同时，某些事物都具有显而易见的特质，人们不需要艺术家或专家帮助就可以看见。视觉作为一种本能，对事物的第一反应及认识也是基于生理本能。如建筑中，我们能区别出教堂和寺庙，这得益于我们脑海中对教堂和寺庙早已形成的外观认识。视觉艺术形式是人与自然、人与社会联系的感性桥梁，是情感传达的载体。在视觉艺术创造中，形式表现是需要研究的重点问题之一，体现在各类艺术创作中。视觉艺术中的形式美感所涉及的知觉经验与观察对象的整体形式特征在视觉心理上的反应是相对稳定的，这可能是由于自然特征与心理特点的某种联系，特别在艺术作品中，形式既托生于自然状态，又以抽象与具象的形式加以表现，给人以美感呈现。视觉艺术形式感需要审美主客体之间进行反复交流，才能生成相应的审美意识。形式效应在视觉艺术中的艺术美感也兼具其它美感的某些基本特征，体现出一般审美意识的普遍性。形式可以将艺术作品有效整合起来，如线条、色彩、质地、形状以及空间布局等，其对于艺术的重要性是毋庸置疑的。普通的内容通过精彩多样的表现形式可以成为赏心悦目、意味无穷的艺术品。艺术作品中的音乐亦是如此。当听到树林里的鸟鸣声，只会感到叫声断续不成整体，简单的声音重复既没有进一步的延展，也没有对比和反差。然而，当音乐家在鸟鸣的旋律中加入新的音符，通过节奏变化、音调高低、音域升降来表显示，其旋律就会与原有声音形成反差，更具有张力。形式效应的研究是一个多学科交叉、众说纷纭的研究领域，理性与感性并重。视觉艺术表现注重感性，但也存在必然的理性科学规律，因而想做好对感性的艺术进行理性分析，还需要有理论认识和艺术感悟两个方面的功力。上世纪以来，美学理论、物理学和心理学的研究成果，为视觉心理学的探究奠定了雄厚的理论基础，艺术家的大量艺术创作和生活体验给我们留下了宝贵的财富。视觉心理研究和艺术形式的实践结合，既站在理论的高度，又能缜密而具体地进行分析，实践性的治学态度也恰恰可以切入实质的方法和解决问题的途径，其中许多重要观点是不容忽视的。因而，要真正做好对视觉艺术形式的研究，需要解决好三个问题。第一，立足艺术作品的形式本身，从艺术实践的体验出发，对不同视角的理论进行分析，从相互矛盾的过程中找寻关系，吸取合理成分，找寻关联性和矛盾性，解决好实践过程中遇到的问题。第二，形式效应产生在人与自然、社会、艺术的关系中，要从三者的基本属性和关系中，探寻和建立可行的理论体系。最后，为形式效应的范围设定一个限度，分清不同性质、不同层面的效应，以及不变因素和可变因素，研究这些方面之间的辩证关系等，进而完善艺术实践和艺术理论中的一系列问题。
二、美术作品中的形式效应分析
美术作品的创作、实践中不可忽视理论，尽管理论和艺术实践者的隔膜感日益加深，部分理论研究者的认证由于沉湎于抽象的推理之中，缺乏创作者真切的艺术体验，而过多的纠缠空洞的概念，较少联系实质性问题。往往在规律性、普遍性的问题上难以深究。如果仅仅空洞、教条、避实就虚、脱离形式来谈视觉艺术，不了解形式特征和心理反应而论审美，就会形同空论。美术作品中的形式之所以具有艺术价值，是因为它与人的生活紧密相关，想了解艺术形式的基本规律，就必须认真分析作品中的形式效应，并不断探索实践，真正理解艺术。因为人的实践活动的产物需要社会性和生物性相结合。假如我们将欧洲发现的旧石器时代晚期的洞窟壁画和雕刻看作是视觉艺术的起源，就可能察觉到其美术绘画艺术中，主张写实形式的装饰先于抽象几何形式的理论，最初几何形的出现不过是对客观事物的一种简化或硬化了的模写。比如原始人所画的圆圈是用来再现太阳的形状，“有人甚至认为编织也起源于对太阳光的崇拜，因为圆形或圆锥形的编织在开始时总是呈现为放射状，它象征着太阳的光芒。”原始人画一些断断续续的黄色斑点和波状的曲线是为了再现蟒蛇的花纹和它的游动能力，因此几何形也只是一种简化或硬化的写实方式，经过进一步发展才使它的变形达到无法以实物去加以对照的地步。原始美术作品中视觉艺术形式的呈现，可以看出模仿现实的艺术思维似乎理应先于出自观念层面的抽象的艺术思维。事实上这一观点也已经被许多研究者从理论的推理上给予了种种证明。对于美术问题的研究必须要有对艺术的实践和对生活的感悟。不触及艺术自身的内涵，不了解艺术表现形式的因果关系，不体现于直观可感的视觉艺术上，仅仅观念翻新的理论是站不住脚的。当然，艺术实践并不单指专业活动，生活体验也很重要，绘画形式也许会带来一些画面的背景信息，也许人们根本不了解当时画面中的状况。如戈雅的画作《战争的灾难》，作品也许没有完全解释这幅画的背景信息，但画面仍然可以吸引多数人的注意力，我们看到射击队进行杀戮，这唤醒了关于兽性的念头和恐怖的情感，射击队的线条、色彩、块面、形状和光影形成了一种持续刺激并引领我们目光的图式，它引导欣赏者关注由受害者动作所构成的形式，虽然形式并未大张旗鼓，但却无处不在，不容我们忽略。由于形式非常紧凑，我们无法将画作的意义或内容与之割裂开来，艺术形式的涵义包含融合于其本身。形式不是美术表现的全部，却是美术效应的基础。吴冠中先生历来强调形式的重要性，他说：“美术作品的唯一手段就是形式，一切思想情感的表达只能依靠形式来体现。形式，它主宰了美术。”
三、设计作品中的形式效应分析
【关键词】 观察能力 整体观察 联系观察 本质观察
美术是视觉艺术。一切美术作品的内容、形式、形象、意境和思想内涵，无不都是在人的视觉作用下被接纳反馈。也就是，人们要真正感知、感受、体验、理解和表现物象，如果其首先没有认真主动“看”，没有视觉积极的能动作用，是根本实现不了的。所以对美术接受者来讲，培养训练和“发展视觉是最重要的事情”（塞尚）。
这里所说的“视觉”，是指人们为达到此目的而新发出的视觉器官功能及其与之相伴产生的一种心理反映。这是良好的美术视觉能力形成的重要基础和前提。另外，我们所谈的绘画基础训练中具备“绘画视觉”，即所谓绘画的眼睛。教学实践告诉我们，这种绘画的眼睛实际上常是经后天培养与各自反复参与绘画实践活动（或受良好美术环境影响、熏陶）所形成的一种对绘画观察欣赏的能力，是对美术这一客体所产生的一种生理上和心理上的反应。因此，绘画视觉能力，是培养学生诸多美术能力中一项极为重要的基本能力。由此可见，作为美术特色中学的美术教学，专业教师要努力创建系统的、循序渐进的教学活动，更好地培养学生的各种绘画基本能力，提高其整体美术素质，其中对其视觉能力的培养就显得尤为重要。
培养学生正确地“看”与“比较地看”，作为绘画基础训练是非常必要和重要的。写生训练中忽视“看”，动手的频率高于观察，快于分析、认识理解后的整体感觉，是美术绘画基础教学中常见的问题。中外历代的绘画大师都非常重视“看”，如现代艺术的鼻祖塞尚就是长时间面对空白画布和画面上的“看”。因此，观察是美术写生中的第一要素。
在素描练习中，应当始终把培养观察能力，并使之趋于敏锐、准确和深刻放在首位，观察能力属于感觉能力的范畴，但是，感觉能力在很大程度上受观察能力的制约。因此，要想提高自己的观察能力，必须从培养观察能力入手。
要是提高观察能力，必须有意识地进行训练。这种训练可以不受时间和地点的限制，可随时随地用画家的眼光观察和分析自然界的一切可视形象，学会比较和鉴别，领会不同形象的特征，逐步加深对各种形象特征的认识、理解和记忆。养成这一习惯是非常重要的，久而久之必将大有益处。
1 从整体出发观察
从整体出发是科学的观察方法的核心。任何客观存在的形体形象均是由各个局部组成的一个整体，整体离不开局部，局部受整体的制约，它们是辩证统一的关系。看不出、画不准整体特征，局部特征即使再准确也会失去存在的意义。局部特征失调，也会影响整体形象，任何形象根本特征首先来自它的整体和全貌，局部特征只是处于从属的地位。画好某一个局部是比较容易的，画好整体则比较困难。我们观察和刻画形象应当从难、从严要求。
为了养成从整体出发观察和刻画形象的习惯，在观察中我们不仅要看到某一个局部，同时也要看到更多的局部，并对各个局部进行比较和鉴别，从而把握和体现整体特征，在明确整体特征的前提下再回过头来观察局部，研究它在整体特征中所处的位置和所起的作用，并正确地加以刻画。
总之，要从整体出发观察和刻画局部，观察和刻画局部是为了更充分地表现整体。从整体着眼，从局部入手，画整体时要照顾局部，画局部时要多考虑整体，这是观察和刻画形象的原则，它反映了整体与局部的辩证关系。“整体――局部――更完善的整体”，我们一定要学会运用这个公式来指导自己的观察和作画实践。
2 联系地观察
在一个整体形象中，局部与局部之间是相互依存，有其内在联系的，包括解剖关系、空间关系以后透视变化上的联系等等。在观察物象时，我们不仅要从整体出发进行观察，还要运用联系的方法进行观察。例如，在画头像的时候，不仅要观察其基本特征，还要进一步研究头、脸、五官在解剖上的内在联系，包括比例位置、高低起伏、前后空间、左右对称以及各器官形象特征的相互联结等等。这就是联系的观察方法，它是对从整体出发观察的补充和深化。
3 本质地观察
舞台艺术；舞美设计；审美
【基金项目】此文为黑龙江省教育厅人文社会科学研究项目—《校企合作办学模式在艺术设计教学改革中的应用与探索》，课题编号：12524083
舞台艺术与戏曲、舞蹈、音乐、美术、书法、雕刻等艺术门类一样，都有自己的艺术标准和个性，讲究“气韵”、“神似”、“意境”，内容与形式的统一，艺术风格独特，艺术形象具体生动，却是各种艺术标准共同要求，可谓艺术的共同性。舞台艺术是视觉艺术、听觉艺术的综合。舞台美术是戏曲舞台艺术中不可轻视的一门艺术形式，因为它是视觉艺术，是景物造型和人物造型不可小视的，而是非常重要的一门艺术。舞台美术是在特定的范围内进行艺术创作的，采用手法是根据不同的剧本内容，如有喜剧、悲剧、闹剧、正剧等故事情节，人物情绪进行艺术构思，发挥创作的，用舞台空间进行艺术表现和体现。
舞台艺术是表演艺术、语言艺术、空间艺术、互相配合展示给观众的，舞台美术包括（灯光、音响、效果、服装、道具、化妆、鞋帽、布景等）艺术门类是为演员服务，共同来完成剧目。场面、整体、艺术让观众欣赏。展现出艺术感染力，审美的情趣。舞美工作者为戏曲演员造型，就是按照剧情中扮演的人物去化妆穿服装，表演出符合剧中人物的准确性格、形体、动作、台步、语气、身段、面部表情、眼神、思想情绪变化。唱腔随着音乐的节奏，，进入到剧情的故事情节中，吸引着观众把注意力集中在演员所演的角色身上。感觉艺术的魅力，去欣赏舞台艺术。
例如，古装传统戏《花木兰》是常香玉艺术大师的代表作品，剧中的“花木兰”不顾女儿身，女扮男装，替父从军，英勇杀敌，保家卫国，为国尽忠，孝敬父母，是中华名族爱国主义思想优秀代表人物，巾帼英雄精神面貌是那样叫人钦佩，感到可爱可敬。艺术大师常香玉娴熟的身段，饱满的唱腔和精湛的艺术表演，她对艺术负责一丝不苟的态度。常香玉老师还有一句名言“戏比天大”深刻的内涵思想，告诉我们文化修养和艺术修养的重要性，是对每一位从事舞台艺术创作的文艺工作者要求和希望的，先学做人，在学做事，从事艺术门类不同，但先学做人的道理，我们都应该知道，艺术的共同性是联在一起的。
众所周知《花木兰》唱段谁说“女子不如男”，激昂高慷，表现艺术的感染力强，深受群众喜爱，广为流传，很多艺术名家都扮演过花木兰，生动的、感人的、情与理的表演，都正确地塑造了完美典型人物形象。
舞台美术与剧情是相互相应的，去创造舞台艺术环境衬托剧中故事与人物，采用写实、写意、虚实结合等表现手法。在剧团排练《花木兰》，舞台美术采用的国画方法，勾勒、点染、等多层次的变化，绘画出雾中有山、山中有雾、虚中有实、实中有虚，给观众的视线推到自然景物中，身临其景，人物在表演中，那种形体美，动与静的对比，给观众留下深刻印象。视觉艺术和听觉艺术共同存在的美感互相衬托，互相渗透，舞美方面兼工带写，勾勒、点染等技法显示出布景对戏曲人物适当烘托接合成整体运用，表现出舞台美术的艺术魅力与感染力。
舞台艺术的共同性都是优美的感觉，一段优美动听的唱腔，让人听后的感觉是百听不厌还想再听，音色美，轻重快慢，入耳动听，唱腔韵律，给观众那种艺术美感打动着观众的心灵，满足观众审美情趣所需，给观众舞台艺术美的享受，一段优美的舞蹈看几遍也不烦的感觉，就是因为舞蹈表现出了优美的肢体语言，人体美、线条美，舞姿轻盈、柔和，再加上高难度的舞蹈动作感和技巧，产生的美感效应就是舞台艺术魅力所在。一幅优秀的美术作品看后总想多看几眼，因美术作品有吸引人的地方形神具佳，如：罗中立的油画“我的父亲”有时代精神，真实感特别强，从面部形象到眼神神态，画的出神入化，眼睛里能显示出一种期望、盼望、希望。一位勤劳善良的老人，经过艰苦岁月中留下的饱经沧桑抬头纹、鱼尾纹，历史痕迹就刻在老人的脸上，可敬可爱的老人，对观看作品的人有一种无限的激情，也有一种启发和鼓励，产生出艺术审美性价值的力量。视觉艺术魅力，艺术享受，美的激情，审美性，艺术共同性，就在于此。一幅优美的书法作品，线条流畅，阴阳顿挫，美不胜收，可以看出书法艺术表现在行笔过程中的思想感情，用笔之快慢之技法之多变，对书法和其他艺术门类一样，都要有基本的功底，书法的书写种类也很多，从书法的起源变化过程，甲骨文，金文等等，名家与门派，也都有继承和发展，古今中外艺术门类名家层出不穷，真草隶篆，唐宋元明清至今，代表人物和作品都在鼓励着书法爱好者互通互助，提高自身艺术修养，起到积极意义。一首旋律优美的乐曲听后感受总觉陶醉之中，音乐是听觉艺术，美妙的乐曲，旋律，节奏变化来表达思想情感。乐器的种类更加复杂，能发出声音的各类器件，都会被人们所利用，连树叶在口中吹出美妙的旋律和乐曲，智慧和灵感为人类增加多少音乐和生活乐趣，音乐艺术提供人类美好的音乐艺术享受。
一、汉字的视觉艺术价值体现
1.图形艺术价值
在汉字的创造过程中，其造型艺术就伴随着中国艺术以形写意、以意表情观念的成长而成熟起来，成为字画同体的一种独特的造型艺术体系。于是，先人很注重“形”与“意”的结合。因此，汉字绘形绘意的信息效果十分强烈，具有图形的基本特征。同时，从符号学原理分析，汉字是一种符号，是一种特殊的平面图形设计。由于汉字演变至今已变得十分抽象、洗练，所以将汉字承载着的原始信息还原出来的过程本身，即是一种特殊的思维过程，又是一种特殊的平面图形设计。这种还原的结果不是文字，而是一种加入人的思维的奇妙产物，一种特别的平面图形。因此，汉字具有图形艺术价值。
2.意象艺术价值
所谓意象，就是客观物象经过创作主体独特的情感活动而创造出来的一种艺术形象。简单地说，意象就是寓“意”之“象”，就是用来寄托主观情思的客观物象。中国自古以来就非常注重“意”，把对一切美好事物的最高追求都定义为达到“意”。而汉字是一种表意文字，其形态始终与其意义纠结在一起而无法摆脱。所以，它的形成本身就蕴涵着意义。
中国的汉字具有的意象特征在于中国人对物象长期的观察，使用符号形象对物象的再现。这一再现的过程并非镜像式的，而是渗透了人类的情感和价值的判断，汉字的形体和象形结构中已具有抓住事物主要特征加以再现的表现因素。也就是说，无论在琴棋书画的艺术表现上还是工艺制作的评判上，意象都可以视为“理解、领会、传达”，也就是主体对客体形象思维的传达。由此可见，汉字的字形和语义直接发生联系。所以，汉字就摆脱了一般文字对语言的依附性，而成为一个相对独立的信息传载体系，在发展过程中形成了一种相当特殊的意象艺术价值。
3.气韵艺术价值
就汉字本来的意义而言，气是弥漫无形的，韵是节奏，气韵就是一种整体的节奏。如何理解汉字的生动的气韵艺术价值呢？笔者认为有两层含义：一是指栩栩如生而有神采。“气韵”也可称为神韵、意韵等，指精神上展现出的独特气质与性格。它将对艺术的理解、对生命的体味，凝结成一种气势，贯注于汉字之中，从而赋予它生气盎然的生命感，这样的艺术能引起观赏之人的无限遐想。二是指汉字表现出来的态势和气氛。“势”能传达整个汉字的精神，结构仅仅是汉字运笔的依据，其字体个性形态的形成还是靠其“笔不到而意到”的笔势，从而体现汉字生动的气韵艺术价值。
二、汉字的视觉艺术价值在现代设计中的应用
从汉字视觉艺术价值体现来看，文字是视觉传达中构建、传递信息的元素之一，同时也是产生图形的元素之一。因此，汉字的视觉艺术价值在设计中具有双重作用，文字的力量在设计中不但没有减弱，而且进一步加强并与设计版面中其他构成元素共建互动界面，成为传达信息与深化概念不可或缺的视觉要素。
在现代设计中，汉字的视觉艺术价值主要应用在以下几个方面。
1.利用图形化的汉字作为现代设计中的图形元素
汉字是平面设计的重要元素之一，具有指示、说明的识别作用。在平面设计中，通过汉字的图形化可进一步扩大其功能，单纯的图形因为汉字的加入而极大地丰富了设计的语言。汉字的图形化是由字形到图像的设计，在视觉呈现上以汉字为主，在汉字的基础上根据不同的需要，依据汉字的内容含义，抓住字面所能代表的典型形象，把具体的汉字进行加工、夸张、变形，或者用物象或抽象符号替代汉字的原有笔划，将物象与汉字融合在一起。这样设计出来的标志，不仅能够保留传统艺术的神韵，而且带有鲜明的时代特征，并且能充分地表达标志所蕴涵的理念与个性，使其更具生动性和趣味性，给人印象深刻，更好地发挥其传达信息的功能，又增添了艺术性和欣赏性。
例如“中国银行”的标志设计，作者使用了中国特有的古钱币作为标志的主体。看到这样的圆形方孔的钱币，自然会联想到中国。一个“中”字也代表中国之意，竖笔在“口”字中间断开，一个正圆包围，整体形成了古代圆形方孔钱，暗喻货币流通的意思。设计简洁凝练、识别性强。
2.利用意象性的汉字作为现代设计中的象征元素
视觉艺术必须通过对客观事物表象的理解进而达到对人文思想层面反思的高度，才能体现出价值。在现代视觉艺术设计领域，汉字作为一种视觉审美的构成“元”，在漫长的历史发展中，凝聚了丰富的视觉形象和象征意义。我们不能忽视汉字本身所具有的意象价值。因此，当视觉传达在近代成为一门独立学科，而汉字作为一种更富含义的载体出现时，我们越来越感到了它的重要。人们应当确定汉字所负载的象征意义，使汉字原来的被动意义巧妙地转化为主动意义，并将其更多更好地运用到现代设计当中去。巧妙地利用汉字本身具有的以形表意、以意传形的特征在标志设计中具有重要的意义，有时可以利用汉字笔画的增加、减少、变形等方法来达到设计的目的。
例如，中国香港“荣华饼家”标志中的牡丹花和明月是在国内注册的商标，经过修改、强化、重新造型后的牡丹花，象征着富贵吉祥，给人雍容华贵的感觉，与明月配合起来就有了花好月圆的吉祥意味。“荣华”是在中国香港注册的商标，二字由简单的黑色线条构成，其笔画有很多不规则的弧线，好像牡丹花的花瓣，同时也寓意富贵吉祥。牡丹明月、“荣华”变体字相得益彰，充分体现了设计者的精巧构思。
3.利用气韵式的汉字作为现代设计中的节奏韵律
节奏韵律是现代平面构成设计中提出的构成法则。标志设计中“节奏韵律”通常指图形所蕴涵的气韵及其所表现出来的态势和气氛，能传达整个图形的精神。时下的汉字艺术设计普遍追求开放性的视觉感染力，如以各种手法解构汉字的可读性，或巧妙构成语言，使可读性游离于是非之间。将久已不用的古字赋予新意，或以偏旁、笔画的组合，制作出新时代的新字。另一方面就是运用计算机将汉字制作出不同凡响的效果，或设计出视觉的无序与混乱，如错版的叠印效果，形成各种视觉效果，如跳跃感和空间感。在设计版面时，应利用文字去获得节奏和韵律的美感，传达出良好的视觉效果。
例如，北京2008奥运会会徽，主体为上部大红底色的白色“京”字图形，约占整个会徽的3/5。“京”字，其形状酷似汉字的“文”字。整个“京”字图形为一个向前奔跑之“势”迎接胜利的运动人形。它表达了2008年奥运会的主题，将中国具有5000多年历史的印章和书法等艺术形式与体育运动特征结合起来，巧妙地幻化成一个向前奔跑、迎接胜利的运动人形。这一设计凝聚了中华民族优良的传统文化的神韵。
总之，加强中国汉字视觉艺术价值的挖掘，并注重汉字与视觉艺术相结合，加强汉字视觉艺术价值在现代设计中的应用，不仅使现代设计在形式上呈现出具有中国视觉化的表现形式，也可促使中国化的视觉艺术设计在世界产生影响。
参考文献：
[1]加纯华，张思望.汉字与视觉艺术设计[J].榆林学院学报，2009（5）.
什么叫形象和形象性？“形象就是艺术反映社会生活的特殊手段。任何艺术形式都不能离开形象的描绘。没有了形象，艺术本身就不存在了。”“形象性是作家和艺术家从他们的思想立场和美学观点出发，通过形象思维来对于现实生活加以概括和集中，然后反映在文学艺术作品中的生动.具体而又能唤起读者美感的生活向面。”形象性是艺术的基本特征，美术是造型艺术或视觉艺术，美术教学构成的全部，归为欣赏美、创造美的活动。形象性也是美术课的基本特征。艺术的形象性具有教育作用，“艺术的教育作用，不是艺术家在作品中裸的说教所能达到的，更不是耳提面命式的教训……。它的教育作用，应当蕴含于形象之中。”鉴于美术是艺术，形象性是美术课的基本特征，形象又是构成美术课的核心，我认为形象性应该是美术课的德育原则。
在平时的美术课堂教学中，我们就非常注重挖掘美术课程中的德育因素，运用多种手段向学生渗透德育教育，在美术课堂上陶冶学生的高尚情操，提高审美能力以及创造美好生活的愿望与能力。在美术学习活动中，学生对自然美和美术作品等视觉世界进行欣赏，逐步形成健康的审美情趣，发展审美能力，逐步形成崇尚文明、珍惜优秀民族艺术与文化遗产、尊重世界多元文化的态度。
如在《古代建筑艺术》欣赏教学中，学生通过走访调查长沙古建筑，查阅中国古建筑资料、图片，了解到了许多自己所不知道的故事和知识，从内心里认识到劳动人民的智慧和古代文明的伟大。又如，通过欣赏民间玩具、木偶戏和皮影戏，激发学生对民间美术的兴趣，为民族传统文化的传承奠定基础；通过欣赏中外画家描绘儿童生活的美术作品，学会观察生活、发现生活，激发学生热爱生活的情感和用画笔表达生活的愿望。
很多优秀的美术作品都蕴涵着作者对真、善、美的追求和表达，通过解析作品，能帮孩子养成正确的审美思情趣和价值取向。如在欣赏凡高作品《向日葵》的课上，有的学生就认为：凡高太傻了，为什么不迎合当时人们的要求画一些别的东西来换取富裕的生活呢？于是，带着不解和疑问，学生通过老师提供的网站以及自己搜索到的网页，了解凡高充满狂热和痛苦的艺术人生，寻找他的性格、情感、喜怒哀乐在作品中的痕迹，学生慢慢地从感性认识到理性欣赏了。当时还有一位学生发现了一段配乐的凡高作品flash，并把它挂到了论坛上给大家观看，那一段影象非常的美，学生都安静地欣赏着，与大师的作品进行着对话和交流，真正理解了凡高坚持自己艺术追求的那种执着和不懈的伟大精神，受到精神的洗礼和熏陶。
情感性原则。什么是情感？“情感并不是什么神秘的东西，更不能够是盲目的。真正热烈的情感，来自明确的思想认识……因为感情的发出，不是无凭无故的，总是有思想伏在它的背后，作它活动的牵线人。”艺术的情感特征和艺术的形象是分不开的，离开了形象情感就失去了载体。“对艺术家来说，塑造形象与表达情感，实际上是一回事。”成功的艺术形象是作者情感的熔铸，有巨大的感染性，它能够调动欣赏者的情感，实现艺术的情感教育的目的。这种感染性，可否理解为情感性。艺术教育的特点是以情动人，所以情感性应该是美术课的德育原则。“艺术作品能使欣赏者受到思想教育，但必须通过欣赏者在情感上产生共鸣。不能引起欣赏者情感共鸣的作品，便无从发挥艺术的审美教育作用。”凝聚在形象中的情感，一旦引发欣赏者情感上的共鸣，随之将产生巨大的感染力量，摇撼着人们的心灵，启发人们对真善美的追求，对假恶丑的鞭鞑。
在美术教学中，往往发现有些教学内容本身不含情感因素。“在艺术的形式因素中，包含了大量的隐性情感因素，例如，线条的粗细曲直、色彩的明暗、构图的位置、媒介材料等等。他们直观上看不出代表情感的因素，但是这些形式因素是表达情感的语言符号。教师可以通过教学，激发起学生对形式因素的情感，使线条、色彩、构图等形式成为发掘情感的源泉，让学生从枯燥的教学内容中感受到情感，从而提高学习的兴趣。一根线条、一块色彩、一条树枝、一片花瓣，点、线、面等单一形式不会有情感可言，但是它们融入了艺术作品就具有了情感。艺术的形式是内容的显现，在教学中教师给教学内容赋予人的情感，那么形式中的情感因素就会显现出来了。例如在写生山水风景中，学生可能对山石、河流、树木没有什么情感可言，那么教师可以引导学生把眼前景象与个人生活经验联系起来，就会发现每一事物形式中都含着美的因素和情感。这些情感是我们赋予山水、河流、树木的，在这一点上艺术是最能够反映人的情感的。因此教师的任务应当努力去帮助学生发掘艺术中具体形式上的情感因素，让学生体验线条美、色彩美、构图美等内在的情感，最终激起学生对艺术的情感。从而创造出富有情感的艺术作品来。”
丹尼尔·贝尔的断言大家早已耳熟能详：“当代文化正在变成一种视觉文化，而不是印刷文化，这是千真万确的事实。”①当影像符号的书写、表达、接受和理解日益成为重要的传播手段与生存方式的时候，国内“大多数视听从业者，仍然不懂视听语言的基本规律和思维方式。他们的思维方式仍然属于传统艺术语言的思维方式尤其是文学的思维方式”。②著名栏目《东方时空》甚至需要从景别、轴线这些最基本的概念开始，训练自己的创作队伍。③在电影界，类似批评也不绝于耳：“我们目前有很多影片的电影语言太陈旧了。”④“如何解决好叙事问题，已经成为中国电影不可回避的课题”。⑤近年火爆上演的《夜宴》、《无极》、《英雄》等大片虽然标志着中国电影工业在运作机制上与好莱坞逐渐接轨，但在原创性、叙事力、影像造型等方面却多受诟病。《无极》被指责“故事单调，内容太空”⑥；《夜宴》则“显出中国导演对电影语言审美感悟及表现力的贫乏”。⑦有人甚至认为以陈凯歌、张艺谋为代表的第五代导演“具有叙事上的基因性缺陷”。⑧那么，我们的影像文化是否真的存在某些基因性问题呢？在视觉素养日渐受到关注的今天，我们尝试从一些基础性问题上展开对我们视觉文化传统的思考和审视。
由于视觉艺术的相通性，不同艺术形式的视觉思维方式和表现方式也具有内在的稳定性和承传性，并积淀到我们的视觉语言中。绘画是中国传统文化中主要的视觉艺术形式，它与影像艺术都是在二维空间创造三维形象，关系密切。因此我们认为，作为影像精神具体体现的机械复制技术，正如本雅明所言——“与绘画作一下比较仍然是有意义的”。⑨我们尝试在东西方绘画艺术的发展中挖掘一些本源性的元素，试图从中寻找影响国人影像素养的一些原因。
二、对东西方传统视觉观念的反思
通过光电转化或光影转化，影像符号被看做真实物象的摹写，是物质世界的复原和现实的渐进线。从再现特征来看，影像更接近西方视觉艺术的写实传统。从亚里士多德的模仿说开始，西方的雕塑、古典绘画在透视、明暗、色彩等方面始终追求对真实的摹写。从13世纪到巴罗克时期，写实绘画追求形似。安·马尔罗认为，“巴罗克艺术拼命追求的，不是改变画面本身，而是一种连环画。一门艺术如此迷恋于剧场性效果并求助于表情动作和情绪，它最后以电影为归宿是毫不足怪的”。⑩到文艺复兴初期西方美术家写实之风渐盛，达·芬奇甚至“拜镜子为师”，并在其《画论》中声称：“最可夸奖的绘画是最能形似的绘画。”到十七八世纪，荷、意画家设计“暗箱”作为绘画辅助工具，到19世纪后半期，写实绘画更是发展壮大形成体系。因此有学者言：“西方绘画从文艺复兴期以来趋于写实而接近摄影术，实在是一股十分强大的历史潮流。”(11)西方古典绘画所积淀的深厚的写实精神和精湛的写实技巧为旨在“再现物质世界”的影像艺术做了精神和物质上的铺垫。
在中国，《墨经》上虽然有光学八条，汉武帝时有灯影戏的传说，〔宋〕沈括《梦溪笔谈》、〔元〕赵友钦《革象新书》中进一步解析过光学折射现象，但是上述观念像中国其他萌芽状态的科技思想一样，最终没能促成现代影像技术的诞生。作为一种重要的视觉艺术形式，两千多年来传统中国绘画中所折射出的美学思想和审美方式，与直接催生了“完美复制现实”影像技术的欧洲视觉艺术思想有相当大的差异。可以说，在一些基本特点上，中国人与欧洲人在影像认知上的差异，与传统中国绘画和西方绘画的差异存在某种精神上的一致性。
在中国文化史中，“言”—“象”—“意”三者之关系和地位似乎经历了一个戏剧性的此消彼长的过程。《老子》第二十一章“道之为物，惟恍惟惚。惚兮恍兮，其中有象”，对“象”作出了初步规定，“象”为“道”所包含。《易传·系辞传》上有言，“圣人立象以尽意，设卦以尽情伪”。不仅突出了“象”这个范畴，而且将之置于语言之上，强调了形象在概念表述上对语言的优越性。但是，在之后中国文化的实际发展中，言与象的工具地位却发生颠倒。刘师培指出，“秦汉以降，士有学而工无学，卿大夫高谈性命，视工艺为无足轻重”，(12)在以训练科场技巧为目的的公私教育机构中，绘画一科根本没有插足之隙，官僚士绅阶层绘画趣味和绘画技巧的训练，往往被视为超乎世俗功利的自我精神满足。在儒家实用理性思想的擢拔下，语言在治国平天下的过程中地位逐步提高，文字成为求取功名的唯一工具，以至“立象”的活动“在文字占据主流优势之后（约在汉魏以后），颇受批评，逐渐被挤压成了旁支，成为较次要的表意方式，甚至还被贬抑”。(13)而绘画艺术只有在文人士大夫修身养性的琴棋书画中才能找到其存在空间。
从画论上看，南朝画家谢赫的“六法论”中“气韵生动”居六法首位，而“应物象形”处于较次要位置。到了北宋苏轼已是“论画与形似，见与儿童邻”了。(14)克莉丝特娃(JuliaKristeva)认为西方文化在13世纪到15世纪之间发生了从象征到符号的转化过程，她认为这是人们抵制抽象的概念，而以可视化的形象符号代替的演变过程。(15)而就在这个时候，东方中国的绘画却正在由写实的“象物之作”向写意的“空摹之格”转变。宋以后中国绘画的三大传统形式：文人画、工匠画、宫廷画当中，“文人写意画广泛流行并最终蔚为画学‘正宗’”。(16)在传统绘画中对写意的独尊掩盖并导致了写实造型能力的弱势，在色彩、明暗、透视等方面技法单一、观念保守已成为后期主流绘画的一个不争事实。
绘画艺术与影像艺术并不是一回事，从总体上来看，电影和电视是一种视听传播媒介，影视在发展过程中形成了自己独特的视听语言系统。光、声、时空、运动构成了视听语言的几大基本元素。但是，“始终贴切的活语言仍然把电影叫做‘活动图画’，或者简称为‘图画’”。(17)影像元素与绘画元素仍然具有某种精神一致性。从一些基本元素的具体解析中，我们可以看出传统绘画艺术对影像文化的一些潜移默化的影响。
(1)空间意识
西方人惯于在平面上创造三维空间。西方许多绘画原理如透视法、人体解剖学、明暗投影法等，与电影、电视一样都是艺术与科学交叉的产物。创造纵深空间，还世界以立体的原貌，一直是摄影（像）师们的共同追求。相比之下，中国画不注重从固定角度刻画空间幻景，而是追求“可行，可望，可游，可居”的境界。(18)在传统绘画的创作中，中国画家利用与焦点透视相异的散点透视的方式达到创作的自由，使得在有限空间营造万里之势成为可能，这一点已经成为共识。然而，从在平面上塑造虚幻的三维空间的角度来说，散点透视比较焦点透视要弱。宗白华先生认为，“西洋透视法在平面上幻出逼真的空间构造如镜中影、水中月，其幻愈真，则其真愈幻”。(19)这种由真入幻的路径，正是电影这种造梦机器的基本特征。
西方电影心理学者认为，“中国和波斯的画家们不知道或瞧不起深度、纵深、布光和表现。欧洲已在绘画的功能观念上与其他地方殊异。而在巴罗克时期结束之后，西方艺术和所有其他艺术（包括过去的和现在的）之间便存在这个根本性的分离：前者致力于探求一个立体的世界”。(20)当西方绘画与摄影这两种视觉艺术形式进入中国的时候，东西方视觉观念的冲突就变得格外鲜明。清代邹一桂在《小山画谱》中说：
西洋善勾股法，故其绘画于阴阳远近，不差锱铢。所画人物屋树，皆有日影。其所用颜料与笔，与中华绝异。布景由阔而狭，以三角量之。画宫室于墙壁，令人几欲走进。
这种“令人几欲走进”的高度写实的再造立体空间效果，的确让中国的画师大感殊异。东西方两种艺术观念的碰撞，反映出长期艺术心理积淀下焦点透视与散点透视两种成像方式的差异性（沈括在《梦溪笔谈》中曾批评透视画法，“似此如何成画”）。焦点透视与散点透视不仅是两种不同的造景手段，同时也体现了两种不同的艺术空间观。但是纵深构图所带来的空间感与影像世界更接近，同时景深镜头使单个镜头的信息量更大，含义也更丰富。相形之下，国内不少影视作品在镜头的空间意识和构图表现上不同程度地呈现出单一、平面化等不足，不能不说与中国绘画几千年来追求平面效果所形成的单一的空间意识与技能有着渊源关系。宗白华先生在《中国美学史中重要问题的初步探索》中指出，“中国和欧洲绘画在空间观点上有这样大的不同，值得我们的注意”。(21)在此我们和宗白华先生一样无意对这两种伟大艺术传统的空间意识比长较短。但不可否认，欧洲绘画艺术的空间意识与影像艺术的空间观念之间能够轻易地转化，而对于散点空间艺术观的中国艺术家来说，这种转化相对要困难得多，这种能力直接影响了影像画面的构图和镜头内的场面调度能力。
(2)光影造型
在摄影造型规律和表现方法中，光影成为最重要的成像因素。我们从西方经典的影视作品中可以欣赏到创作者对光影这一艺术语言运用的娴熟与精彩，而这种娴熟与西方绘画之间也具有相当明显的传承关系（美国导演西席·地密尔就坦言曾师法伦勃朗绘画的用光方式，创造了其影视风格(22)）。
西方绘画一直强调光影、明暗的重要性。黑格尔说：“如果要问绘画所用的究竟是哪一种物理的因素，回答就是光。”(23)光不仅仅是一种照明的技术指标，更是一种艺术手段和体现艺术风格的视觉语言成分。光线丰富的艺术表现潜力，成为影像思维的一个重要元素。通过对不同性质、强度和方向的光线的光效处理，体现出作者的创作风格（荷兰画家伦勃朗因此被称作“光的诗人”。法国雕刻家罗丹的韵律也被称为“光的韵律”）。
传统西画中至关重要的光影变化不是中国传统绘画青睐的对象。“中国画是线的韵律，光不要了，影也不要了”。(24)笔墨成为中国画之灵魂。古人云：“凡画，气韵本乎游心，神采生于用笔”，(25)“笔墨之妙”造就了传统国画独特的艺术风格，然而，中国传统绘画这种追求笔墨韵味，平面、无光影变化的审美风格也深深地影响了国人的影像观念。当摄影术刚刚进入中国之时，中国早期摄影师很不适应，在摄影用光上，一般中国照相师只用平光照明，明显受到了中国传统绘画的影响。另外，中国早期摄影师在日光拍摄中，为了避免过高的反差，多应用散射光，拍出的照片，类似国画的效果。1906年摄影家施德之提出：“顾士人论像，贵白而不贵黑。不知白为光，黑为阴。非阴不起白，非黑不浮。骨骼高耸，精神外露，必藉黑以施其巧，倘白太多，则像与纸平，焉能浮凸。”(26)这种见解，指出了国人光感的缺乏和光影造型能力的缺失，以及中国绘画论和摄影造型规律的某些带根本性的区别。电影是光影的艺术，如何在胶片上创造出中国意境的画面，对我们来说尚是一个需要学习、研究的问题。
(3)色彩表现
色彩作为一种重要造型因素，在影视艺术中的作用是毋庸置疑的，从古典主义的写实到印象主义的表现，西方人以科学的精神将色彩作为一门独立的学科进行了系统而深刻的研究，可以说西方对于色彩的认识与运用在绘画领域已达到相当的高度。宗白华先生认为，“西洋油色的描绘不惟幻出立体，且有明晴闪耀烘托无限情韵，可称为‘色彩的诗’”。(27)现代影视中的色彩不仅仅是如布列松所言的使影像有力、令实在更真的手段。色彩作为一种语言已经上升到哲理思考的层面，色彩不仅是现实层面，更是精神层面的象征。
马尔丹在《电影语言》中指出，“所有生理和心理方面的试验都证明，我们更多感受的是色彩的价值，而不是色彩本身。”(28)“色彩的价值”即是色彩的表现性。但是在深受老庄哲学影响的中国传统绘画观念里，五色令人目盲，更习惯从黑白浓淡中寻找心与物的体验。“中国绘画的主流是文人水墨画，理论上对绘画色彩的研究也基本以‘黑色’为主”(29)。如果说南朝时宗炳《画山水序》中尚注意色彩作为一种造型语言的作用和它与自然物象的关系，认为“画家布色，构兹云岭”，“以形写形，以色貌色”，到了唐朝张彦远《历代名画记》中则变为弃色求墨，支持运墨重于用色的水墨一体，称赞“草木敷荣，不待丹碌之采，云雪飘扬，不待铅粉而白。山不待空青而翠，凤不待五色而翠”。这种墨可胜色的实践与理论，最终演化为中国绘画“意足不求颜色似”的审美追求与批评标准。即便是青绿山水与工笔花鸟，仍然是在有限简约的色彩中表现大千万象。所以有批评者认为，“魏晋以降关于色彩的讨论，实际上是一个淡化色彩意义的过程”。(30)
现代影视中的色彩作为一种语言已经越来越摆脱简单的外部描摹而进入人物的内心世界。康定斯基认为，“一般说来，色彩直接地影响着精神。”(31)由于色彩所具有的情感含义和表意功能，使它成为某种抽象思想和理念的升华。欧美许多著名导演的色彩运用能力往往从绘画中师法。电影艺术家列·柯斯玛托夫就谈到，“在研究伟大的现实主义画家的绘画作品时，我们应当学习他们对彩色的物理性质的规律、对明暗与彩色现象的规律的理解，以及他们对彩色协调和彩色对比的美感性能的掌握，学习他们运用彩色的感染作用的本领。”(32)与西方绘画色彩相比较，中国传统绘画在色彩形式上的单一，在观念上对色彩的摒弃也多少在潜移默化中影响了国内传统电影工作者对影像色彩的感觉力与表现力。翻开中国绘画史，色彩不是一门独立的艺术学科，对色彩的系统研究几为空白，这不仅是绘画艺术的缺失，也多少成为日后影视艺术发展的隐患。
(4)影像叙事
绘画的叙事性包含了写实技巧与时空安排等方面的元素，这与影像叙事性有着很大程度的相似性。虽然罗兰·巴特认为所有的图画，在某种意义上都是叙述，但是这种“叙述”，在中国主要是情与意，西方则主要是讲故事。西方绘画具有强烈的叙事性。亚里士多德在《论诗》中就提出“情节是悲剧的第一原则”，“绘画也是这样”。(33)西方中世纪的宗教绘画，多讲述圣经故事，中世纪晚期的乔托更被称为“伟大的讲故事者”(storyteller)，因为他是用图画在讲故事。在中国画史上，也曾产生过具有较强叙事性的优秀画作，《山海经》古图及同时代出土文物上的图画，开启了我国古代以图叙事的文化传统。其中最具代表性的要数五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，画家无论在人物的刻画还是场景的安排上都表现出高超的叙事能力，然而这道关注世俗人生的现实主义光芒在中国绘画的天空一闪即逝。南北朝王微在《叙画》中指出，绘画“非以案城域，辨方州，标镇埠，划侵流”，对绘画叙事性予以了否定。在宋以后的传统中国画中，文人画成为绘画主流，画家普遍将绘画作为逃避现实抒情写意的工具，主要绘画对象由人物变为山水。综观中国传统绘画史，叙事性确实不是中国画家重视的对象，对此，宋人郑樵在其《通志略·图谱略》中就意识到这个问题，其《图谱略·索象》专论“图”、“书”携手的重要性，并对当时“离图即书、尚辞务说”的“后之学者”及“见书不见图”的阅读现状进行了批评：
“见书不见图，闻其声不见其形；见图不见书，见其人不闻其语。图，至约也；书，至博也。即图而求易，即书而求难。古之学者为学有要，置图于左，置书于右；索象于图，索理于书。故人亦易为学，学亦易为功，举而措之，如执左契。后之学者，离图即书，尚辞务说，故人亦难为学，学亦难为功”。
古之学者早已形成“左图右书”的阅读传统，为何到了宋代即有“见书不见图”之弊呢？究其原因，如果追本溯源，可上至东汉，“刘氏之学，意在章句”。刘向、刘歆编《七略》创立体例时收书不收图。“父子纷争于章句之末，以计较毫厘得失，而失其学术之大体”。图谱传世的可能性，远不及文字书籍。
19世纪末，《申报》的创办者英国人美查(ErnestMajor)面对当时的中国出版现状，惊讶于中国报纸盛行而画报独缺，美查深入研究，希望找到中国人过于迷信文字魅力的根源，并对此现象作了如下解读：中国人相对重视文字而忽略图像，此前中国人之使用图像，只是补充说明，而并非独立叙事。“要之，西画以能肖为上，中画以能工为贵。肖者真，工者不必真也。既不皆真，则记其事又胡取其有形乎哉？”讲求笔墨情趣，排斥“能肖”，不求逼真，“仅以文字传之而不能曲达其委折纤悉之致，则有不得已于画”，而非以图像作为另一种重要的叙事手段，所以“中国人‘以图叙事’的传统始终没有真正确立。即便让人赞叹不已的绣像小说戏曲，其中的图像仍然是文字的附庸，而不曾独立承担书写历史或讲述故事的责任”。(34)
影像艺术与绘画都是视觉艺术的一个部分，影像生产受到绘画的深刻影响是毋庸置疑的。电影美学家B.日丹认为，“在某种程度上，可以把书籍插图跟戏剧一起看做电影形象的先驱，书籍插图的蓬勃兴起正是银幕艺术诞生前夜的特点。插图书籍既面向读者又面向观众，它已处于通向综合形象的门槛。对插图版画发展途径的各种研究著作中都强调指出，在所有造型艺术中，版画不仅涉及空间，而且涉及时间，因而直接逼近了电影艺术。”(35)影像与绘画作为一种表意符号，在时间上有时序性，文化特征上更具有承传性，基本元素更具有内在的相通性。从以上基本构成元素与基本特点的比较中，我们可以看出影像生产与西方古典绘画在精神内核上似乎更具有与生俱来的一致性。（在北京电影学院举办的“国际学生影视作品展”上，不少人认为“俄罗斯的《稻草人》、《飞翔》、《电话》等几部影片，基本功非常好，这种基本功来自这个国家悠久而璀璨的文化，更多地来自‘传统’、‘古典’”(36)）。
三、影像素养——从何处入手？
从上述中西绘画艺术基本特征的比较中可以看出，传统绘画观念与影像本体特征的先天错位，再加上经济和技术因素导致的后天的雪上加霜，在精神和物质层面上影响了国人的影像观念乃至影像文化的发展，普通民众的影像思维能力未能得到有效开发，以致在2001年首届民间独立影像展上，当拿起摄像机的影视爱好者的作品首次向社会全面展示时，“才意识到自己以前对镜头语言的麻木和无知”，“影像叙事技巧粗糙和稚嫩”，“没有想象力”。(37)笔者在十余年的电视实践中，在自身转型和对从业人员进行影像思维训练的过程中，更是深感传统视觉观念的顽固和思维方式转换的不易，这也成为诱发本文思考和写作的一个直接缘由。
那么，这是一种什么样的思维范式的转换呢？我们认为，这种思维范式的转换在某种程度上就是从文字思维向影像思维的转换。
影像思维，即人们对视觉形象的观察力、感受力、发现力和表现力，对影像符号的想象、联想、综合、重构、判断、推理等认识活动，以及蒙太奇、节奏等美学创造。其基本要素包括我们前面提及的空间意识、光影造型、色彩表现，以及影像叙事能力。影像思维是视觉素养的核心。教育家J.戴伯斯(Debes)把视觉素养从低向高分为三个层次的能力构成：视觉感知能力、视觉理解能力和视觉表达能力。(38)作为视觉素养(visualliteracy)的一部分，影像素养(imageliteracy)也包括两方面，一是对影像语言符号的理解和运用，二是对影像符号的高水平、有效使用能力及影像思维的能力。目前影像素养日渐成为全球教育界关注的热点。20世纪60年代加拿大在中学广泛开设了“荧屏教育”(ScreenEducation)课程，美国也掀起了“视觉素养运动”(VisualLiteracyMovement)，对影像媒介的认识、了解、熟练乃至批判意识的培养则是视觉素养的基本内容。在以影像为中心的视觉文化传播形态中，当形象符号的接受理解、书写和表达正日益成为个人必要的生存手段与生活方式的时候，国人影像思维能力的挖掘、训练与提高就显得日益迫切。
在视觉素养尤其是影像素养教育逐渐进入中国的过程中，照单全收肯定是不可取的。要使我们的影像素养教育卓有成效，首要工作是找准问题，认真对民族影像优缺点做一些全面的清理，尤其是一些基因性的问题，更要有清醒的认知，进而才可望对症下药，建立有中国特色的影像教育体系，并为中国电影的发展打下一个坚实的地基。但是，仅仅停留在对中西绘画优秀成分的消化和吸收仍然是不够的。影像思维不同于文学、戏剧、音乐之处，就在于其视觉的真实性、图像的运动性、视觉形象的丰富性，在于通过或简或繁的图像，或虚或实的形象，或紧或慢的节奏，或明或暗的光影色彩表现不同的思想与意绪，而这一切能力均需要在影像生产活动中去锻炼、培养、积累、提高。导演谢飞说，“有很多电影大师总结经验，最好学习拍电影、电视的方法，一是看电影、电视，二是拍电影、电视，一是看别人好坏，二是自己体验”。(39)因此在影像思维的训练中，以影像生产工具为依托的实践活动至为关键。阿恩海姆认为，“媒介本身实际上也是灵感的一种丰富源泉，它经常提供许多形式因素，这种形式因素到头来都会成为表现经验的极有用的东西。”(40)媒介不仅是信息，没有媒介，就没有思维。正如毛笔、水墨影响了中国传统视觉艺术的特征，决定了传统中国绘画对线条的敏感，对气韵、骨法、用笔的讲究，并在某种程度上影响了传统艺术家澄怀味像的意象思维一样。利用某种媒介的长期训练，人的特定能力就可以激发、催生出来，就像印染工人能分辨出三四十种黑度，而一般人只能分辨出二三种色度一样，实践的专业性和经常化会培养出不同的感知能力。苏珊·朗格曾言：“每一种艺术都能引出或招致一种特殊的经验领域。”(41)道进乎技，庖丁解数千牛然后才达到游刃有余，“以神遇而不以目视”的境界。随着DV、非线性编辑的普及，随着影像生产的大众化，通过有意识的实践锻炼、积累和提高，将有助于把影像思维训练成为一种潜意识的本能反应，积淀为一种以感知为基础的直觉思维，即黑格尔所称的“实践性的感觉力”。(42)
当然，一部优秀影视作品的成功肯定不会停留于技法的基础层面。本文无意否定中国影视艺术的辉煌成就，更不会也不可能抹杀中国传统绘画在世界艺术史上的伟大贡献，而是试图找寻国内影视人才培养中所需要跨越的一些思维障碍。我们认为，中国的艺术与美学理论自有它伟大独立的精神意义。在影像的时空里，在跨越了基本的技法层面后，中国画旷邈幽深的意境，虚实相生的空灵，悠然生动的气韵，完全可以在影像生产中得到更多的展现和更好的张扬。而如何将中国传统视觉艺术的精华与机械复制的电影艺术有机融合，在世界影视艺术中创造出真正的中国作风与中国气派正是我们这一代影视工作者义不容辞的责任。由绘画看影像的真正含义在于从一个更接近本源的角度来寻求国人影像素养提高的可能性与方法。我们不得不承认，影视艺术与西方古典绘画在精神内核上更具有与生俱来的同源性，影视专业课程的设置应注重视觉艺术本身的规律，强化绘画基本元素的学习和了解，尤其加强在中西绘画相比较的基础上对西方绘画知识的消化吸收，从技法及观念上来深入领悟，并在影像生产实践中来锻炼和提高，这无疑会对当今乃至未来的中国影视人才培育和影视艺术发展产生深远的影响。
注释：
①［美］丹尼尔·贝尔.资本主义文化矛盾.赵一凡，蒲隆，任晓晋译.生活·读书·新知三联书店，1989.154.
②宋杰.影像与声音.中国广播电视出版社，2001.34.
③于爱群.万法归于心——全国十佳制片人陈虻管理之管窥.见：电视研究，1997,(4).
④张暖忻，李陀.谈电影语言的现代化.载：电影艺术，1979,(3)
⑤贾樟柯.在音乐和电影的交叉之处.载：北京电影学院学报，1994,(2).
⑥看过首映我们忍不住对《无极》指指点点.载：东方早报，2005-12-16.
⑦赵学勇.中国大片的集体走火.载：深圳商报，2007-1-16.
⑧朱大可.一个话语馒头引发的文化奇案.载：中国新闻周刊，2006-3-3.
⑨［德］华特·本雅明.机械复制时代的艺术作品.王才勇译.中国城市出版社，2002.52.
⑩［法］安·马尔罗.电影心理学概说.邵牧君译.见：电影理论文选.中国电影出版社，1990.104-105.
(11)吴甲丰.论西方写实绘画.文化艺术出版社，1989.14.
(12)刘师培.论美术与征实之学不同.见：刘申叔先生遗书.江苏古籍出版社，1997.
(13)龚鹏程.文化符号学导论.北京大学出版社，2005.31.
(14)苏轼.书鄢陵王主簿所画折枝（二首之一）.
(15)刘纪蕙.受难剧的激情：大众传播，电影工业与文化批判.载：台湾《中外文学》，22卷3期.
(16)李伟铭.引进西方写实绘画的初衷——以国粹学派为中心.载：二十一世纪，2000,(59).
(17)［美］欧·帕诺夫斯基.电影的风格与表现手段.见：电影理论文选.中国电影出版社，1990.41.
(18)见：郭熙.林泉高致·山水训.
(19)宗白华.美学散步.北京大学出版社，1981.119.
(20)［法］安·马尔罗.电影心理学概说.邵牧君译.见：电影理论文选.中国电影出版社，1990.103
(21)宗白华.美学散步.北京大学出版社，1981.48.
(22)颜纯钧.电影的解读.中国电影出版社，1995.201.
(23)黑格尔.美学（第三卷上）.商务印书馆，1979.234.
(24)宗白华.美学散步.北京大学出版社，1981.42.
(25)郭若虚.图画见闻志卷一·论用笔得失.
(26)施德之：《耀华照相说》，见《时报》光绪三十二年十月十九日
(27)宗白华.美学散步.北京大学出版社，1981.107.
(28)［法］马塞尔·马尔丹.电影语言.何振淦译.中国电影出版社，1992.48.
(29)周青.功能与图式——古代色彩研究的一个视角.载：美术，1989,(11).
(30)周青.功能与图式——古代色彩研究的一个视角.载：美术，1989,(11).
(31)［俄］瓦·康定斯基.论艺术的精神.查立译.中国社会科学出版社，1987.35.
(32)［苏］列·柯斯玛托夫.电影肖像的艺术.载：罗晓风选编.电影摄影创作问题.中国电影出版社，1990.106-107.
(33)［希］亚里士多德：《论诗》1450a，见：亚里士多德全集（第九卷）.中国人民大学出版社，1994.
(34)［英］美查(ErnestMajor).点石斋画报缘起.（略）.转引自：陈平原.以图像为中心——关于点石斋画报.见：二十一世纪.2001,(6).
(35)［苏］B.日丹.影片的美学.于培才译.北京：中国电影出版社，1992.88.
(36)黄燎原.学生们的电影.
(37)反对歧视DV——面对民间影像的尴尬与宽容.载：南方周末，2001-9-27.
(38)Horton,J.(1983).Visualliteracyandvisualthinking.Contributionstothestudyofvisualliteracy(pp.92-106).InternationalVisualLiteracvAssociation
(39)《著名导演谢飞做客搜狐娱乐嘉宾聊天室访谈实录》
(40)［美］鲁道夫·阿恩海姆.视觉思维.滕守尧译.北京：光明日报出版社，1986.229.
