时间：2022-04-08 11:15:51
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传统文化包含丰富的内容，不仅有儒家文化，还有道家文化、佛教文化等等，这些文化经过继承和发展，形成具有自身鲜明特征的文化，也是人类智慧的结晶。而环境艺术设计是一项系统复杂、综合性很强的工作，包括环境与设施规划、造型设计、材料选择、使用功能与审美功能等等，其设计手法多种多样，通过设计工作，能够为人们现代生活创造良好的环境。同时，设计也不同程度受到传统文化的影响，主要表现为设计理念、设计艺术特征、设计水平等方面。(一)创新环境艺术设计理念。现代环境艺术设计是一项系统复杂的工作，集中了环境、空间于一体。在设计中，要综合考虑传统文化因素，结合时展特征和要求，通过采取相应的措施，促进设计水平提高。有效传承优秀文化因素，设计中融入现代设计理念，传承优秀文化。开展现代环境艺术设计时，首先结合当地自然地理环境，做好景观设计、风格设计、材料选购等工作，然后结合传统文化因素，增强设计现代气息，实现设计工作的创新，促进设计水平提高。(二)增强人文环境艺术特征。现代环境艺术设计，不仅要注重功能方面的因素，满足人们使用要求，还要注重满足人们更高层次的需要，为人们营造良好的环境氛围。通过合理利用传统文化因素，能够增强人文环境艺术特征，为人们生活创造良好的环境氛围。传统文化注重人与自然的和谐，促进设计水平提高，增强人文气息，提高环境文化氛围，为人们生活创造良好的环境。(三)提升环境艺术设计水平。设计过程中通过合理利用传统文化因素，并结合新时代、新特征，将文化因素巧妙地融入设计中，进而增强了设计的文化底蕴，对传统文化进行凝练和继承，满足人们审美心理需求，推动环境艺术设计工作的创新，也有利于提高现代环境艺术设计水平。
二、传统文化在现代环境艺术设计的具体运用
传统文化满足现代环境艺术设计的需要，在设计中有着广泛的运用，渗透到设计工作的各个领域。主要体现在以下几个方面。(一)用形。传统文化对现代环境艺术设计图形有着重要影响。其中比较突出的表现是将传统图形直接运用到设计工作中。在设计过程中，通过将传统文化元素重新依附在一个新的载体上，为其重新设计视觉环境，发挥原图信息。通过这种直接使用，并结合现代环境艺术设计工作需要，对其进行设计创新，同时考虑周围环境、设计工艺、产品材质等内容。对这些因素进行合理组合，满足设计工作需要，展示其独特的设计韵味。例如，上海经贸大厦设计中，其结构独特，让人感到亲切，设计过程中受到传统文化的影响，其造型受到唐代大雁塔的启发，因其独特的造型不仅使整座建筑显得美观，还为人们生活与工作设计出舒适的环境，得到人们的一致好评。(二)用意。在中国古代建筑设计和室内装潢中，人们习惯运用含蓄的手法传情表意，不仅注重外观设计工作，还注重通过外观设计来表达思想感情。因此，从建筑的外部形态设计到室内外空间布局，都注重考虑审美和功能要求，选择恰当的文化图案和陈设，注重引入传统文化元素，从而让这些环境承载着独特的文化内涵。在现代环境艺术设计过程中，这种方法叫做隐喻。也就是在设计过程中，注重通过合理运用环境构成元素，来表达环境本体以外的内涵、意蕴和价值，从而体现设计者的设计思想。(三)形神并举。在设计过程中，需要运用现代审美观念去审视传统文化，将传统文化合理融入设计过程中。同时还要在充分理解传统文化基础之上，感受其外形特征，并深刻领悟设计所表达的意蕴，让传统文化更好地融入现代环境艺术设计，并推动设计工作的创新发展。在中国传统环境艺术设计过程中，都十分注重对线条的运用，线条具有长度、宽度、方向、厚重感，还注重通过线条表现出速度和力量。其中最为恰当的描述是形神并举，使环境艺术设计不仅满足人们使用的需要，还能够体现出诗情画意，促进设计水平提高。例如，在苏州博物馆设计过程中，十分注重对传统文化元素的运用，同时也在设计中注入现代设计理念和审美观念。从外形结构来看，苏州博物馆具有现代气息，而其内部组合包含传统文化元素，富有传统文化情调。例如，比较具有代表性的结构设计是利用石板做成山水组合，不仅外形漂亮，还充满人文气息，赢得人们的一致好评，也为人们营造出舒适的环境。
三、促进传统文化在现代环境艺术设计中运用的策略
(一)环境艺术设计中注重吸收传统文化。传统文化对现代环境艺术设计具有重要影响，设计中不能忽视其重要作用，应该结合设计工作的需要，将传统文化元素恰当地融入设计工作中。我国传统文化内涵丰富，集中了儒家、道家、佛家等内容，对环境艺术设计具有重要作用。因而在设计过程中，要考虑传统文化的内涵，结合人们的审美观念、审美特点，吸取传统文化的精髓，将其合理有效地运用到现代环境艺术设计工作中，从而促进设计水平提高。只有这样，才能设计出具有浓厚民族精神、深邃意境的作品，更好满足人们需要，提高人们审美情趣。(二)继承和发展传统文化并推动设计创新。注重环境艺术设计的创新，传统文化并不是一成不变的，在设计中运用需要结合时代特征，推动传统文化的创新发展。设计师在设计过程中，一方面要接受传统文化知识，另一方面要合理吸收和利用传统文化，促进设计工作不断优化与发展。环境艺术设计既要有传统文化特点，又要充满时代气息，在对传统文化进行继承的前提下，推动设计工作创新，促进现代环境艺术设计工作不断发展与进步。
四、结语
中国的传统思想对人们的思想、行为有着相当重要的影响。受传统思想的影响，过去的建筑设计在空间上讲究长幼有序、尊卑有序，布局上讲究中轴对称。发展到现在，仍受这种思想的影响，所以在设计、布局中像书画一样安排，把艺术的韵律感带到空间结构中，写字赏画、陶冶情操，为平淡的日子增添了一丝乐趣。书画讲究谋篇布局，需要注意留头留尾、字与字、行与行等不同部分之间的关系，所以在建筑设计中也要注意各个建筑物之间的位置、空间大小的安排等，整个设计要自然、柔和、完美。书画艺术采用虚实结合的手法，同样在建筑设计中也采用了虚实结合的办法。一般在主建筑之前都会有壁的设计，只有穿过障壁才会看到建筑物，这样做的目的在于营造一种神秘感，使人们眼前一亮，豁然开朗。在室内的设计通常使用屏风或是书柜或是家具的摆设来隔断空间，形成一种虚虚实实的效果，增强空间的层次感。
二、书画艺术中的建筑设计
我国著名的建筑师与水彩画家张易生，以其独有的风格，运用清雅笔墨，将写实美景与巧妙的建筑构图完美的结合在了一起。其代表作之一的《冰雪覆盖的教堂》，描述的是冬季北欧的雪景，在银装素裹的大地上，被冰雪覆盖的欧式教堂，屹立在白色的世界中，给人一种肃然起敬的感觉。厚厚的冰雪覆盖了一切，目光所及之处，仅仅是一点点出入的门面。北欧的教堂建筑，极具特色，极富有北欧浓重的风土人情，在白雪皑皑的世界中，尽显宁静，冰冻与庄重。教堂，承载着人们虔诚的信仰与希望，在晨光的照耀下，给这静谧与冰冻的画面中，平添了许多温暖，祥和的基调。整幅画中最中间的一个人，背着简单的行囊，在教堂门前的站立与仰望，更为画面增添了不少肃静，使整个画面显得不十分单调。张易生的作品中，将建筑设计的构图完美的展现在了书画艺术中，将书画艺术与建筑设计巧妙地结合在一起，使建筑的风土人情完美展现，又为绘画作品增添了不少的庄重与敬仰。
三、建筑设计中的书画艺术
建筑设计，追求的崇高理想就是要与自然合二为一。而书画艺术对大自然的完美解析使得它与建筑设计紧密联系。中国画是讲究“写意”的，对真实性没有刻意的追求，而以建筑为主体的中国古代园林的安排，布局处处体现着中国传统书画艺术，往往运用写意的手法，以少概多，以简胜繁，以偏概全，在布局安排上错落有致，既体现了书法的对称、平衡之美，又通过有限的园林空间，表现着无限的人生遐想、乐趣，将中国文化的书画艺术，活灵活现的展现在了建筑上，实现了人与自然合二为一的理想。园林中，山、石、花、木、建筑的有序安排，每个部分看似分开，实际又紧密联系，就如同中国书画一样，虚实相间，相隔相通，与小中见大，大中看小，从不同的角度，不同的方位看，都可以产生不同的心境，达到“以管窥豹”的效果。建筑设计同中国书画一样，都要讲究一定的秩序，“无规矩不成方圆”，不管做出怎样的创新，都不能违背自然科学，与自然背道而驰，要追求“天人合一”，与自然相辅相成，顺应自然规律，与自然和谐共处。
四、结语
1.动画艺术与平面设计艺术都是一种主观创造性很强的艺术形式动画艺术与平面设计艺术不仅强调主观创造性，更强调客观的、基本的合理性，但又不失所要表达的幽默感和夸张性，巧妙而抽象的形象及丰富的联想空间。德国招贴设计大师岗特·兰堡用视觉形象语言说话，追求画面的韵律感、层次感，用最简单的视觉形象表达最深刻的内涵；他的作品追求平面之外的视觉效果，给视觉世界带来了新的力量和生机。他更加强调自我意识和对生活的领悟，在视觉效果上追求视觉冲击力，强调平面效果的突破。例：《和图》中书上的手有只笔，这只笔将书的一维空间向整幅画面的三维空间转化，自然而有力。笔在背景上写出出版社的名字，宣传意味油然而生，这种视觉的空间转换自然地引导观赏者的视线开始流动最终定格在下面的字母上。这种视觉引导式的宣传方法让人过目难忘。并且将光线巧妙地运用在书籍的投影上，似乎书籍由内向外透着一股亮光。书上的窗户是将书从平面转换到空间的一个过渡，这些过渡让人们更想探寻亮光后面的另一个空间是为一个出版社设计的招贴，图中的书被手握住，这只手由平面转向立体，书似乎悬浮在空中并投下阴影，营造出一种失重的空间感。它传达了把握住了知识就拥有了力量的设计理念。《1945年的胜利》，《“UCC”咖啡馆海报》，是日本的视觉大师福田繁雄的作品简洁、幽默、巧妙并深刻，常以简练的线和面构成，具有强烈的视觉张力，他把所想表现的事物通过异质同构、视错觉等理念，以视觉符号的形式重现在其海报作品上，并将这些原理以客观和风趣的形式呈现，使简洁的图形成为信息传递的媒介，由此其设计作品兼具了艺术性与精神性的内涵。一部好的动画或者一幅好的平面设计作品都不需要太多的语言描述，通过画面已完全可以表达出所要传达的信息。在动画制作中，表现人物面部表情的夸张和变形，又符合基本常理的客观规律,是塑造出人物性格和人物精神面貌及情感的关键。
2.表情就是情感的形象，经过艺术加工,提炼,概括,抽象化后,使所塑造的形象更具代表性,这和平面设计的主动创造性非常相象,并且也是动画最吸引人的特点之一。当人生气愤怒训斥别人的时候,两只眼睛瞪大,直立,两个眼球会向两个内眼角拉近,两只耳朵上耸,鼻翼变大向上收拢,嘴部张大并被拉长,上牙齿外露,这样更能感觉到这个人愤怒到极点,粗声大气的说话.整个人的面部表情肌肉都被绷紧,并且多采用正面.当人很幸福,很满足的时候,整个面部表情很放松,脸形呈圆形,嘴也呈一个圆弧形,嘴角上翘,两只眼睛很平缓的看向一旁,下颌上收,头部略倾斜；或刻画人高傲时,人的头上昂,只看到鼻子往下的部分,鼻孔朝人,两嘴角下拉,嘴是向下弯曲的圆弧，在夸大后的人物表情及造型使他们更具有特定的气质。这使我想到了蒂姆·伯顿导演的动画片《僵尸新娘》，每一个人物的夸张造型准确传达出每个人物的性格特征，维克多未来的妻子，维多利亚的母亲是一个没落的贵族阶级，还以女儿的婚姻获得资产，但仍保持自己的高傲、冷漠的样子，走起路来昂首挺胸，两个眼珠向上看，嘴角下耷，发髻梳的很高，和头的比例差不多，这种夸张再好不过。而且动画里的主角人物整个身体被拉长，四肢细长，人的下颌细尖，人物的眼睛变大。蒂姆·伯顿的《圣诞夜惊魂》也采用身体被拉长，四肢细长，人的下颌细尖，人物的眼睛变大，还有场景设计也是经过加工，提升，处理的房子及树木都有一种高耸的感觉，和动画的整体设计感觉和谐一致。通过以上可以看出，平面设计艺术和动画艺术的共同特点就是对事物的重新再创造，经过抽象变形重新提取重要的元素表达最具特征的效果。这种特征直接可以从平面设计中体会到，在动画中虽然体现的不是很直接，主要是因为人们感觉动画里的人物就应该是那个样子，至于为什么是那个样子，他们没有想过，而人们经常会说那一部动画片“有意思”，其实“有意思”足以说明动画片有它独特的创造性，只不过人们很少关心罢了，但从动画的定义中可以明显看出，动画是作者主观意图想象创造的动态形象，而他的主观想象，创造即是与设计一样的重新组合再创造。
二、平面设计艺术与动画艺术表现形式的多样性
1.平面设计艺术与动画艺术都可以运用各种材料表现达到所想要的效果，在平面中可以手绘，印刷，拼贴，电脑制作，甚至是三维。在动画中可以是传统形式的，黏土形式的，布袋式的，提线式的，水墨形式的，或者是电脑制作的等等。虽然它们的形式变化多样，但仍不失去自己的艺术形式特有的特征，相反，更丰富了它们的创造性，并且也融合了其他的艺术形式，使所表现的空间更广泛。波兰招贴艺术家特拉伯可夫斯基的作品运用了图形的正负形相结合的手法，使画面产生强烈的对比。英国黏土形式的动画片《小鸡快跑》，运用了拟人和夸张手法，使小鸡们的形象鲜活、生动。布袋形象的动画片《阿凡提》,其人物造型恰到好处。阿凡提的造型带有浓郁的西域人物风格特点,他的衣着打扮,他的头饰,及人物的面部造型,留着一绺山羊须。
关键词：艺术设计;绘画基础;教学;评价
近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加。艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求。这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。
在化工设计中设备的设计安装问题，是一个必须引起重视的问题。在化工生产之前，设备的安装设计问题没有处理好，就会给化工生产带来不必要的损失。但是在化工工艺设计的过程中，设备的安装问题往往容易被设计者忽视，其实设备的安装设计在化工工艺设计中起着非常重要的作用。工艺设计人员切不可为了跟进施工的进度而忽视对设备安装的设计，这样只会因小失大，最终无法保证整个工程的质量。因此，在化工工艺设计的过程中，设计者应该将设备的安装检修问题考虑到工艺设计中去，以保证化工生产更加高效的进行。总之，在化工工艺的设计过程中，设备的安装设计必须引起设计者们的重视。因为一旦设备安装设计出现问题，将会影响整个化工生产流程，甚至给整条化工路线后期的维修、生产都带来影响，从而整个化工产品的生产。
2对未来化工工艺设计的展望
2.1化工工艺设计要体现低能耗
在化工生产中，大部分人将能源成本看成是生产总成本中的一个重要组成部分，其实在实际生产过程中并非如此。因为人们只要解决了基建投资高和能量消耗大这两个问题，就能有效的提高生产效率，从而实现生产成本的降低。因此，如何降低化工生产过程中的能量消耗和与之相关的课题研究，才是化工工艺设计的关键。例如，将超临界流体应用于一些大型的分离装置上。通过对当前一些资料的分析以及相关的研究数据显示，一些系统的能源费用比一些常用的技术要低，例如蒸馏、恒温共沸等。在化工工艺设计过程中降低能耗，是一个降低生产成本、提高生产效率的有效措施。
2.2化工工业设计要体现低的基建投资
化工工艺是一种密集型产业，一般很少进行生产工艺的改革，除非在其化学研究成果上有重大的突破，能使化学工艺得到完善与提升，否则只是通过改进现有的设备装置、扩大生产能力等方式来提升生产效益。如通过优化工艺过程、减少设备尺寸等方式实现低的基建投资。例如，Higee化工工艺设计，可以应用于蒸馏塔的改造，从而有效的提高了蒸馏效果，使得化工生产取得了良好的经济效益。
2.3化工工艺设计要体现环保意识
随着社会经济的发展，环境保护已经成为人们广泛关注的焦点与热点。在化工生产过程中，通过对原料的回收利用、减少污染源等措施能够有效的减少化工生产过程中的污染问题。通过化工工艺的设计达到减少环境污染的目的，就需要解决两个问题：a、对当前的化工生产装置进行扩大和升级。b、在化工工艺设计自身的基础上改进生产装置。例如，在产品分离的过程中，提高产品的分离效果，这样就可以减少废料的排放，提高对环境的保护。还可以通过改进工艺设计，提高化学反应速率或者产品的转化率，提高原料的利用率。
3结束语
作为一种流行的艺术潮流，艺术设计向着个性化方向发展，与现代社会价值观念、消费理念、行为方式的发展情况相吻合。艺术设计个性化既是对人的本性自我回归的呼应，也是对每位普通消费者的尊重，故此，艺术设计个性化有着重要的社会意义。
1艺术设计个性化可以促进文化繁荣艺术的真实
基础是普通生活，是生活环境中各种因素的升华和结晶，艺术源自于生活，但高于生活，文化因素是社会生活的重要内容，现实生活中，各种类型的文化相互激荡，就为艺术设计走向个性化提供了素材。现阶段，个性化的追求和发展已是一种时代潮流，艺术设计个性化就是这种社会潮流中的最典型的反映。在标准化生产的世界中，如何让艺术设计凸显个性化，已经成为设计者们新的目标。一些设计者把不同类型的文化元素，比如民族文化、传统文化、地域文化等等，都融入到到艺术设计之中，这种做法，既使得他们设计出来的作品风格各异，满足追求个性的目标人群的需要，又促进了文化繁荣，使得文化发展和艺术设计个性化的进程融为一体。
2艺术设计个性化可以提升艺术作品的美感
现阶段的社会生产，基本上告别了手工作业方式，为了提升生产效率，生产企业都采用标准化大生产，引用流水线进行生产作品，发挥机械设备的生产威力，力图在最短的时间生产出来更多的产品，投入到市场之中，从设计领域而言，流水线上生产出来的产品，样子和造型，基本上都是相同的，中间蕴含的感情元素较少，给人以生冷的感觉。现阶段这种标准化的生产方式需要进一步改进，在保证产量的同时，还应切实考虑消费者的差异性需求，如果产品忽视消费者个性化的需要，不在设计领域进行变革，肯定会被市场竞争所淘汰。因此，现在生产企业和设计领域应顺应时代的发展变化，扩大手工作业的适用范围，批量生产手工制品，把消费者的不同需要、设计人士的心灵构思、生产者的个人灵感融入到手工制品之中，增加产品的个性化，其实这种生产方式不仅仅是在制作产品，更重要的是在生产工艺品，这种蕴含了设计者的思想的产品使得产品出现多样化，提升了工艺品的美感，消费者在欣赏工艺品的同时，还会感受到工艺品中蕴含的感情，能够获得非同一般的精神享受。
3艺术设计个性化可以满足人性化需求
目前，追求个性已经成为时代潮流，艺术设计个性化也成为一种新的发展潮流。标准化生产只能满足消费者的物质需求，而在物质产品日益丰富的今天，消费者更注重精神需求。标准化生产的产品具有统一的标准、规范，很容易引起消费者的审美疲劳，容易让人产生厌倦心理。而个性化的艺术设计，其中不仅融入了民族文化，还蕴含了设计者的思想感情，制作者的精神体验，不仅具有个性，还满足了消费者的精神需求。
二艺术设计个性化的实施策略
对艺术设计人士而言，艺术设计个性化既是一种压力，更是一种挑战，个性化的艺术设计，不仅仅需要设计人士把握当今社会的各种发展动向、领会消费者的审美和需求差异，还应对传统文化、民族文化和异域文化进行深入的研究，只有这样，才能真正做到艺术设计个性化。
1将多元文化价值引入
到艺术设计之中艺术源于生活，艺术是对生活的另一种描述，艺术设计与社会的发展尤其是社会文化紧密相连，密切相关，艺术设计往往与地域特点、民族习惯以及自然环境等因素相联系。现代设计人士应当把在立足现实生活的基础上，把多元文化价值引入到设计环节之中，这样，所设计出来的工艺品具有鲜明的地方特色、差异性的文化风格，具有鲜明的个性化，最终实现文化归属和文化回归。
2适当扩大手工作业的使用规模
相对于流水线，手工作业可以更好的领会设计者的思维构思，可以把人文情感、艺术灵感、工艺制作完全体现在手工工艺品之中。个性化追求的人性审美价值主要体现在主体体验和客体体验两个方面。手工艺制作者可以根据物象的特点进行艺术设计，运用自己的感情经验来选择制作手法、材料等，这样就可以在思路整合与扩展中结合技术手段和创意灵感，在有意与无意之间留下不断变化的物象形态语言，从而最终达到与设计者头脑酝酿已久的主题形象、审美意念的完美契合。
3鼓励设计者积极开发各自的文化底蕴
近年来，我国石油行业的发展紧随世界经济发展的潮流，产业规模在不断扩大，大型石油化工装置纷纷上马，大型石化装置的重要性在新一轮经济增长中的意义毋庸多言。在这些纷纷上马的大型装置中，一系列技术问题的解决体现了我国石油产业自主创新能力的增强。在这些大型装置中的压缩机组联轴器对中过程中，是以一台设备转子的轴心线为基准，调整另一台设备的相对位置，来使两台设备运行时的误差限定在一定的范围。
但是还存在一个问题，就是我们在运行机组时，机组的转子在转动时都会发生一定的位移，双表对中法的局限性就体现出来了，这时三表对中法就应运而生。所谓的三表对中法就是利用三只千分表或百分表分别测量联轴器对轮的位移跳动程度，其中，一只表测量径向的位移，另外两只表同等距离分布在同一直径上，测量轴向的位移。然后按照赵赏鑫博士发表于2007年第35卷第10期《石油机械》上的《三表对中法在天然气压缩机组安装中的应用》一文中所讲进行论证测量和偏差量计算。采用“三表对中法”进行大型机组的对中，不仅能解除对中时转子轴向位移对对中数据的影响，而且能够提高机组的安装效率，节约工期，取得良好的社会效益和经济效益。
其危险性来自于：操作压力高、装置规模大，主要部分露天化，易遭到雷电的攻击。所以石油化工装置在不同的部位对雷电进行了不同的设防。首先是石油化工装置中建筑物防雷的分类设置：建筑物不仅要对直击雷、感应雷、雷电波的侵入进行设防，还要对这些侵入的高压电反击进行设防，装有计算机电子信息设备或自动控制装置的建筑物还要对雷击电磁脉冲进行设防。其次是石油化工户外装置的防雷设计：对高塔、储罐、储槽等及其管道直接接地，两接地点距离不应大于30m，如果大于30m，则必须增加接地点；对于排放爆炸危险气体、蒸汽或粉尘的放散管，要考虑装阻火器或装避雷针、架空避雷网，是放散管排出的危险介质不能因雷击而引燃。第三是石油化工原油钢储罐的防雷设计：将储罐内各金属构件通过一根横截面不小的软铜复绞线与罐顶做电气连接，并通过罐壁接地。
花鸟画也是中国画传统画种之一。以动植物为主要描绘对象。具体还可分成花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽、鳞介等类。以表现技法的精细或奔放,分为工笔类型和写意类型。前者更具写实性并有一定装饰性,精丽雅致;后者则笔墨简练,洒脱奔放。以水墨色彩的区别又可分成水墨花鸟画、泼墨花鸟画、设色花鸟画、白描花鸟画和没骨花鸟画。现藏美国的东汉壁画《双鸦栖树图》为已知最早独幅花鸟画。
唐、五代、北宋时花鸟画极为繁荣,后代画家更广泛发展了花鸟画风格流派。近现代齐白石则在继承前人又发展传统的基础上成为一代花鸟画大师。中国花鸟画的鲜明特点为:以写生为基础,寓志、抒情为情感表达方式。它具有适合中国传统的审美需求而逐步完善成熟的特征。在造型方法上,以齐白石的追求“不似之似”、“妙在似与不似之间”为代表的观点可以概括。它既重形似又高于拘谨的形似,更重视作者的志趣。在构图上,花鸟画以主体突出、虚实相生为特色,至于写意花鸟,更善于将书法以资画,题诗以言志,辅以印章等。
作为以描绘花卉、竹石、鸟虫等为表现主体的花鸟画历史悠久。在我国四五千年以前的陶器上就出现了简单的鸟鱼图案,可以作为我国最早的花鸟画。唐张彦远《历代名画记》载:东晋、南朝宋时画在绢帛上的花鸟画已逐步形成了独立的画料。到了唐代,已趋成熟,出现了以工笔勾填画风艳丽的边鸾和以墨代色、墨分五彩的殷仲容。五代时发展有两派,即“徐、黄二体”,一宗徐熙、一宗黄鉴。明代沈启南、孙雪居等,涉笔点染,亦追徐熙。经清石涛到“扬州八怪”的花卉,更完善地形成了诗、书、画三绝。
中国花鸟画主要以折枝花卉的形式规划画面,以小见大,塑造典型的自然空间。花鸟画应如何处理构图呢?以文章作比喻,就是要处理好“起”、“承”、“开”、“合”这几个阶段。
由于画面的尺幅大小和表现景物的不同,所以“起”、“承”、“开”、“合”,各部也应有繁简、强弱的差异,以使整体协调。特别是较大的画面,还应处理好局部与整体的阶段变化,这样画面就能显得充实,其中“开”、“合”更是关键。沈宗骞在《芥舟学画编》中对此曾有精辟的分析:“干岩万壑,几令浏览不尽。然作时只须一大开合,如行文之有起结也。至其中间虚处,承接处,发挥处,脱略处,隐匿处,一一合法,如东坡长文,累万余言,读者犹恐易尽,乃是此法。于是会得,方可作寻丈大幅。”
工笔花鸟画的表现形式多样,风格手法各异,但归纳起来主要有白描、勾填色和没骨三种。这几种形式在唐宋时期就已基本定型,经过以后各历史时期的发展,使形式技法更加丰富完美,但基本上仍保持着原来的面貌。20世纪以来,画家们不断地探索创新,已突破了传统的形式。现代的工笔花鸟画在传统的基础上吸收了各种画种的长处以及外来绘画的营养,正向着多元化的方向发展。
在中国绘画中,花鸟画是一个宽泛的概念,除了本意花卉和禽鸟之外,还包括了畜兽、虫鱼等动物,以及树木、蔬果等植物。在原始彩陶和商用青铜器上,“花鸟”
充满神秘色彩,遗留着图腾的气息。最早的“花鸟”或许与早期人类的生殖崇拜有一定关系。
据史书记载,到六朝时期,已出现不少独立形态的花鸟绘画作品,如顾恺之的《凫雀图》、史道硕的《鹅图》、顾景秀的《蜂雀图》、萧绎的《鹿图》等,虽然现在已看不到这些原作,但着录资料已表明当时花鸟画已具有相当高的水平了。
到了唐代,花鸟画业已独立成科,着录中计有花岛画家八十多人。如薛稷画鹤,曹霸、韩干画马,韦偃画牛,李泓画虎,卢弁画猫,张曼画鸡,齐曼画犬,李逖画昆虫,张立画竹等等,已能注意到动物的体态结构,形式技法上也比较完善。
五代是中国花鸟画发展史上的重要时期,以徐熙、黄筌为代表的两大流派,确立了花鸟画发展史上的两种不同风格类型,“黄筌富贵,徐熙野逸”,黄筌的富贵不仅表现对象的珍奇,在画法上工细,设色浓丽,显出富贵之气;徐熙则开创“没骨”画法,落墨为格,杂彩敷之,略施丹粉而神气迥出。黄筌之子黄居宷、居宝,徐熙之孙徐崇嗣、崇矩,都是当时花鸟画的重要画家。
宋代《宣和画谱》所载北宋宫廷收藏中,有三十位花鸟画家近二干件作品,所画花卉品种达二万余种。北宋的花鸟主要还是承接五代的传统,早期以黄筌之风格为主导,基本上用的是“勾勒填彩”法,旨趣浓艳,墨线不显。到了南宋,画院一半以上的画家画花鸟,这一时期的花鸟画是中国花鸟画发展史上一个高峰。在题材上,宋代出现了水墨梅、竹、松、兰,淡墨挥扫,整整斜斜,不专以形似,独得于象外。以拟人化的手法将崇高、贞洁、虚心、向上、坚强寄于“四君子”上,这种文入画思想的加入,为花鸟画注入新的内容。以文同、苏轼为代表的这一派,已有别于流行时尚的清新风格,获取朝野称赏,并加速了他们的画风成为新的时尚。
元代花鸟画受宋代文同、苏轼的影响,出现了一批专门画水墨梅竹的画家,他们以柯九思、倪瓒、吴镇、王冕为代表,表现了文人的“士气”。
明四家除了山水外,亦擅长花鸟并卓有成就。而徐渭的淋漓畅快、陈道复的隽雅洒脱,代表了文入画的两种风格。
陈醉平时很随和，没有学者式的矜持。他时不时“幽”一“默”的“高级语言”玩笑，往往让人乐得前仰后合。虽然如此，我依然不敢妄加心理打探，以解这位长者目光的蕴含。但我相信，那是他超群禀赋、才情和旺盛精力的自然流露。再深入地接触到那些掷地有声的学术见解和别具一格的艺术风采，我深信赋予陈醉目光以“犀利”以“穿透力”的终究，是他用丰厚学养和人生阅历铸就的文化眼光。
承家学渊源，陈醉少时饱读诗书，抚琴习画，且因父亲戎马倥偬的不乏射骑精神的潜移默化，可谓“六艺”皆备。青年时，于大学追随敬业良师，刻苦学习绘画艺术。学成不久却赶上动乱，以致在“下放劳动”的“待遇”中，把沉甸甸的底层生活“课本”啃读一遍。1978年，命运垂青，陈醉在竞争中以优异成绩，考中恢复招生的第一届研究生，成为著名美学家王朝闻先生的入室弟子。从此，陈醉如鱼得水，学术与艺术并驾齐驱，一路辉辉煌煌，直执蟪芍场?lt;BR>由“我要当总统”的稚子之愿，到“不能把名字仅仅留在粮本里”的青年大志，早先就奠定了陈醉文化眼光的高远取向。后来的理论研究，尤其对“形式感”和“艺术”的深入探索，则为其文化眼光注入更加明确的理性因素。概略地了解其学术的追求，对认识陈醉绘画艺术的神采无疑是必要的。
精神分析学家弗洛伊德对力比多的揭示，为本世纪文化哲学的发展提供了一个重要的视角。在弗洛伊德看来，文明以持久地征服人的本能为基础。人的本能需要的自由满足与文明社会是相抵触的，只有克制和延迟这种满足，才能保障文明的进步。因此，人类发展的历史，乃是人被压抑的历史。在此历史中，人被规定为理性的存在，、幻想、激情和希望等丰富的人性构成，则被逐出理性的现实，归入文明的禁忌或心理学的冷宫。如何解放包括在内的丰富的感性世界，以“实现人性的全面复归”，便是以批判和改造压抑文明为己任的文化哲学的探索主题。
总体来看，陈醉的学术思考，属于文化哲学一路。拜读他一系列的学术著述，尤其那部影响深广的《艺术论》，文化哲学的探索主题——他表述为“文化超越”，赫然纸上，通篇贯穿。
然而，陈醉的学术贡献不在于他以独立思考策应了世界范围的文化哲学思潮，而在于他立足中国文化的现实，把“文化超越”这一主题，径直导向被现实原则严密封堵的千古——性意识和艺术。这本身就有很强的现实意义，当年《艺术论》的出版所产生的核爆炸似的影响，便是一个明证。更重要的是，陈醉秉承中国文化的人文精神传统，把艺术和人生问题相联系，使自己的学术思考以至艺术创作具有深刻的人生实践价值。锐利果敢的学术思锋，使陈醉相信人体美是人类对自身的审美感受，却特别强调这种审美情感的物化实践，即艺术的创作与欣赏，始终是与人的潜意识欲望和性意识紧密关联的。正是因为它永远保持着与现实伦理既互相冲突又互为余补的微妙关系，艺术才具有一般艺术或现实人体文化所不可替代的、特别而又永恒的文化功利。对此，陈醉表述为“欲望的升华”，“净化心灵，陶冶情操”，或“人生情结的解脱”。即如他所指出：“艺术，是人对自身审美感的物化，它是对现实人体文化的超越，以前者更上升了一个层次，不知多少人生情结，在这里得到了解脱！”（《精神的追索》）
显而易见，陈醉没有像有些西方学者那样，以颠覆现实的偏激去寻人性复归的出路，而是慧眼识得现实生活可以拥有的“更高的层次”。在他看来，这个足以寄托人类更高理想的层次，由“欲望的升华”即“一种文化的超越”所构成，它的现实形态便是艺术。具体到人类感性世界的或性意识方面，那就是艺术。在陈醉的学术视野中，艺术不只是审美的，还是有文化功用的，是诉诸审美的人生问题的解决。这当然是深刻之见。
文化哲学式的艺术思考，作为意蕴深刻的理性成分，构成陈醉文化眼光的主体。凭着这种眼光，他不仅把“文化超越”的主题写在自己的著作上，而且将它表现在自己的画面里。在一定意义上说，陈醉的绘画创作，是其“艺术论”的继续和展开，是其对艺术文化功用的验证和发挥，是其追求“欲望的升华”或“人生情结的解脱”的自我实践。他曾用“苦恼时的创造”一言概括自己的作品，其绘画创作的价值取向是自觉和鲜明的。
在我看来，陈醉80年代以来创作的一系列作品，都是“主题性”的，即追求“文化超越”的。但是，与一般主题性绘画力求物化思想概念的旨趣大不相同，陈醉绘画的“主题性”不是强调对某个确切概念的表现，而是将这种表现本身或者整个绘画行为本身，作为“文化超越”之实践主题的贯彻与实行。对他来说，画画和画面的形式化，不是手段而是目的自身。即如他的坦率表白：“我的一些作品，大多不是为了竞选展览而去绘制，所以对诸如题材、主题等‘常规项目’并未认真推敲。……更多的往往还是出于抑郁的排遣。”（《苦恼时的创造》）
本着别样而意深的“主题性”追求，他的作品包括油画和国画，尽管不乏情节性的具体描绘，却无法归结到某个思想中心。只因为在画面上展开的一切，不是概念，而是或眷恋，或创痛，或欣喜的情绪的吐露，是画家内心或潜意识中激越而又纠缠不清的感性心力的直陈。这种绘画追求，比之对概念的阐释或事件的记叙，更贴近绘画的特性，且有更高的要求。着意于心灵世界的排遣，特别需要解决的技术问题是：如何在流动的情感体验和静态的形式结构间找到一个最佳的结合点。陈醉在这方面作过深入的探索，并颇有心得。他的代表作《空间，我们的》（油画，1982）和《熔》（油画1982），最初的画面是对留有美好记忆的自然景象的再现，然而实际呈现的具象“风景画”效果，却让画家深感“词不达意”。几经修改，仍不满意。后来，于琢磨中逐步将原先的自然形象抽象、幻化、“直至觉得寻找到了构成与心灵的透明点的时候，再一气呵成地将它画出来”，（《苦恼时的创造》），于是成就了目前的这种理想效果。他所找到的那个“透明点”，正是心理时间与形式空间的最大程度的契合。出于这次成功的探索，他80年代创作的大部分油画，多取抽象手法或表现式、印象式手法。显然，陈醉在艺术手法的选择上，绝不是唯表现形式的，而始终以“升华”、“净化”、“解脱”等绘画目的实现为准则。
陈醉不同凡响的绘画价值观，使他在追求自我理想目标的创作中，并不计较家派手法的纯粹性和构形逻辑的一贯性。在这方面他显得非常灵动，颇为“意识流”，甚至会不知不觉地顺随性情自动而形出偶发。《火祭》（油画，1985）一画，手法来源甚为丰富，它综合了写实主义的造型、表现主义的笔法、印象主义的色彩以及象征主义的构思和寓意。在画面上，画家唯我地调遣各家各派的手法，让它们各司其职、各显其能，并最终统一于、圆满于“我”的“文化超越”。就创作手法而言，最能体现陈醉个性的作品是《追思》（油画，1986年）。据画家自己介绍，在最初的草图中，他只画了一对抽象隐约的手。然而，画着画着，就多出了一只手；再画着画着，又多出一只手……等到作品完成时，线条交错构成的画面竟出现了五只手。手的“自动”增殖，不免让画家心生疑窦。但绝妙的是，有意或无意为之的画面，却有十分完美的效果。得意于出乎意料的成效和美好的过程体验，他权当一切是潜意识的驱遣，而不劳追根问底。现在来看，发生在陈醉创作过程中的这种偶然现象，自有必然之理。把人生问题诉诸审美解决的绘画目的论，自会使陈醉“沉醉”于绘画的展开过程，以致画笔不知不觉地随着心绪的流动漫游，在画布留下突破理性“草图”的灵动之迹。所呈迹象何以为手形，那只能说画家心中积郁了许多未曾释怀的关乎于“手”的人生情结。就这一点，我依然不敢打探他究竟为何的心理秘密。但我相信，陈醉作此画时，真的进入了“物我两忘”的境界，陈醉，沉醉矣。
以画为目的，固然比以此画为手段更利于也更需要达到这种大化之境。即便如此，要以油画取之，难度还是很大。此非画家不能也，乃油画“天性”之限也。油画对作画物理时间的相当要求，似乎注定它是为“写实”而存在，它不善于接纳变化无常的心理时间。陈醉在《苦恼时的创造》文中，坦述过自己面对面布却不得配合的深深的苦恼——他恨不得将一番惆怅洒落画布，画布却说：“先生，您得慢慢地来。”这种感觉真切而实在，没有商量的余地。画家日益高涨的“意写”心气，自然与之相去甚远。
也许这是原因之一，陈醉于90年代更多地投入国画创作。学贯中西的陈醉，以前也画国画，只是在这一时期，他对国画的“写意”品格有了更新的认识。凭着不断锐化的文化眼光，他洞察了国画的写意性与“文化超越”主题的默契。这种默契，于“升华”、“净化”、“解脱”的社会实践尤其是自我实践，无疑深具价值。于是，陈醉欣然向往，全力以赴，创作了一大批兼具审美意义和人生实践意义的优秀画作。
这批几乎皆以女性的万千仪态为母题的国画作品，体现了陈醉按自己的学术观点阐释女性美、人体美的推进过程，也体现了他将自己的丰富修养集结于绘画的渐入过程。以《女娲》系列（1995）为界，他的国画创作实践可分为前后两个阶段。
1995年以前的国画创作，其总体格局和倾向一定程度地延续了他表现在油画上的一般兴越，“陈醉式油画风”由强渐弱地吹过这一阶段的画面。它表现为对情节、情景的相对的讲究，对画面构成性、装饰性的追求；手法上有糅合中西的倾向，但更多地运用了现代绘画的造型手段，如抽象、分解、重构等；作品之间的画风变化，频繁而跳荡，多样而异趣。很明显，画家是在努力地探索各种可能性。这一系列的探索，赋予《故园明月在》（1992）、《长恨歌》（1989）《二泉》（1989）《乡思》（1990）、《谁染霜林》（1991）、《榕荫古渡》（1993）等作品，以殊异的风格和别样的情调。画家旺盛的创作热情和广泛的审美趣味，深厚的艺术功底和超强的变革能力，都在这些异彩纷呈的画面上得以说明。
与后期的创作相比，这一阶段的作品着重表现了一种“现实”的女性美。作为女性美的载体，画中女子不是来无踪去无影的仙女，她们有这样或那样的“现实背景”，来龙去脉是清晰的、合乎逻辑的。譬如，沐浴于盛唐温泉的贵妃（《长恨歌》1898）、踟蹰于断墙残垣间的摩登女郎（《传人》•1993），还有或徘徊椰林或掩以蕉叶的农家少女（《椰林深处》，1991；《细雨沙沙》•1992），等等。不言而喻，嵌入“现实背景”的女性美，使审美具有一种“合理性”。
《女娲》系列的推出，开启了一个更有深入之得的创作阶段。该系列依凭“神话”的支持，将女性美从“现实背景”中“抽象”出来，成为几无障碍和遮掩的“裸”的美。尽管《女娲》仍有某种过渡的性质，譬如它来源于神话，但端绪已经理清，把女性美提升到生活中的“更高的层次”的路数已经明了。“神话”很快就脱离了神话，显现出它的“理想”本质；“抽象”也不必委身于抽象手法或抽象的形，它的确切意义就是“理想化”。于是，接踵而至的女子，虽有“现实”的感性特征和魅力，却毫无可供盘根究底的“现实背景”。女性美在后来这些形象上，升华、净化为毫无羁绊和伪饰的“裸”的纯粹之美。“理想化”使女性美从现实中“超越”，它赋予审美以更多的“合情性”，审美对象也因此突破了“女权主义”的狭隘，成为抚慰人类感性世界的妩媚女神或观音。
诸多苦恼问题的解决，使画家的创造力得到进一步的解放。它带着画家激涌的热情、抑郁的思绪甚至或原始的欲望，带着画家化为心理图式的文气和诗、书、画、文的全面修养，喷薄而出，直泻卷面。迹化于幅间的，是一个出神入化的境界。对创作者来说，它包含着一种走笔如神游的快畅审美体验；对欣赏者来说，它透射着一种静观如神抚的沁心审美慰藉。
陈醉以往常用的画面意味的“线段”，在这一时期的创作上发展为中国气派的“线条”。它已非单纯的构形要素，而已然扩张、升腾为总揽全局的造型手法。“线条”的时间性，向变化无常的心理时间显示了无限的适应弹性。恨不得将全部情怀倾诉一尽的陈醉，终于得到了回答。画纸说：“先生，您看着办！”
他早年练就一手狂草好功，终于有了用武之地。他以书入画，写得或潇洒狂放、或缠绵细劲、或朴拙老辣、或天真简约的画面形象；他以书载文，兴起或哲理淡出、或趣味雅逸、或情意缱绻的画外意象。《空楼待归图》（1997）拙线漫笔勾一散坐沉思女子，竖长幅间的纯素空白把“等待”的时间性心理体验，和不曾迹现的丰富空间意象，表现得淋漓尽致。《闲卧图》（1998）以偏侧右边的题诗草书，和左边的一斜垂花枝一懒卧女子，构成疏朗空旷的画面。诗为半阙《蝶恋花》：“闲来懒卧惜花丛，爱赋歌诗，却意倦情慵。欲睡难眠心事重，漫捻芬芳数落红。”诗意和着斜枝垂花，在欣赏者的感觉印象中，形成一种荡漾般的动感，仿佛处处飘扬着闲思散绪。如果说在他的《西窗夜雨》（1996）、《沐泉图》（1997）、《青丝有韵》（1997）中还有较明显的西画造型、构图甚至构成成分的话，那到了《追梦》（1998）、《浅海无浪》（1999）和《初尝榴莲》（1999），则是在画面上纵情书写“狂草”了。再往后到2000年，在《窗外何人唤阿娇》、《一阵金风》和《香飘恨是又一秋》中，简直是将心中的美人随心所欲地颠倒摆弄，更获得了犹如太空失重般的飘逸自由。
画家的“欲望的升华，实现于画面，表现于画面。画家所理想的一切，以形、以书、以文，综合地获得于画面，获得于绘画的过程。我想，如此境界，是审美的，但更是人生实践的。
注重人生实践价值的艺术，追求“文化超越”的艺术，纯化语言是必要。因为，现实生活中的这种“更高的层次”，只能靠摆脱了现实羁绊、抖落了现实浮尘的艺术方式，才可能真正达到。这意味着艺术的人生事功价值，根本地取决于它的形式化。
由而，造型艺术语言的锤炼，是绘画创作最基本也最重要的工作。陈醉一贯重视这方面的修养，以致对绘画的形式特性和形式美规律有深度的领悟。早在大学期间，他凭聪慧和勤奋，深得周本义先生的真传，对西画语言有很好的把握。他画于六十年代的一批水粉风景写生，如《水乡清晨》（1963）、《太湖落日》（1963）、《明日起航》（1965）和《古老的曲调》（1965）等，在构图、用笔、调色和整体控制方面，都显示了上乘的修养。而且，他利用形式因素表达主观情感的才能，是非常突出的。他的这批画颇有印象主义、表现主义的趣味，这在当时肯定是比较前卫的，甚至今天看来仍不失新鲜感。《水乡清晨》一画的形式感尤其强烈。画家以轻逸灵动的笔法，简括而细腻地捕捉了蓝紫灰调中的微妙色彩变化；流畅的冷暖转换、明快的色度比照、中性灰的均衡把握以及恰当的轮廓线起伏处理，使整个画面透着一种沁人心脾的优雅和清冷的“薄意”。这种兼得绘画性和装饰性之微妙的形式感，不仅普遍见于他包括作于时期早期作品，而且一直延续到晚近的油画，甚至于新近的国画。《空间，我们的》、《追思》、《圆，扩大的外延》、《熔》等油画代表作，都是在这种形式感的基础上向新的方面推进的。值得强调的是，这几幅作品以及《福》等，在以形、线、色彩分割或构筑画面空间方面，都有出色的表现。均衡中寓飞扬之势、统一中见巧趣变化的画面效果，显示了陈醉把握构图规律和空间形式品格的深度。
陈醉有很好的色彩感和色彩修养。他的油画作品色彩亮丽丰富、细腻雅致，加上形态运势颇有考究的笔触效果，显得既有节奏平和的装饰味又不失油画所注重的厚重感。他并不在意描绘光照效果，但恰到好处的色彩对比和灵活的笔触处理，使其画面往往能给人以“透亮”的明。
